Galerie Hengevoss-Dürkop
Adresse: Klosterwall 13 20095 Hamburg
Telefon: +49 - 40 - 30 39 33 82
Telefax: +49 - 40 - 30 39 33 83
Öffnungszeiten: Mi - Fr 12 - 18 h; Sa 12 - 14 h
Martin Schneider
looking over my shoulder
24.01.2014
-
28.02.2014
looking over my shoulder

 

Der Hamburger Bildhauer Martin Schneider arbeitet seit über 20 Jahren überwiegend mit industriellem Holz, mit MDF. Es sind tonartig wirkende Reliefs, die da entstehen, koloriert mit Acrylfarbe, meist nicht tiefer als 3 cm, die eine erstaunliche Räumlichkeit und Dichte entfalten. In seiner letzten Einzelausstellung „Obamas People“  war Thema das  Beraterteam von Barack Obama, dem eine Fotostrecke aus dem Stern zugrunde lag. Der Betrachter sah sich in der installativen Präsentation wie auf einer Bühne dem Gremium gleichsam gegenüber.

 

In „looking over my shoulder“ scheinen wir auf Wasser zu blicken. Menschen auf Flößen tauchen aus dem Nichts der weißen Wand auf. Daneben erscheinen auch Tiere, denen man Wasserflaschen umgebunden hat, damit sie nicht untergehen. Hinzu kommen Bunker, die in den USA als Zufluchtsort vor Tornados angeboten werden. Es sind Bilder, die der Katastrophenberichterstattung des Tsunamis in Japan und  Überschwemmungen in China, Pakistan und anderen Ländern entnommen sind, Bilder, die wegen ihrer ikonenhaften Bildanlage oder  –gehalts von Redakteuren ausgewählt und Eingang in die Presse – im Falle der Bunker Werbematerial - bekommen haben. In den Arbeiten von Martin Schneider werden sie weiter gefiltert und zu zeitlosen Metaphern. Es sind Bilder, wie der Künstler sagt, die uns tagtäglich überschwemmen, die ihn teilweise verfolgen und die er so in seinen Arbeiten zu bannen versucht - oder die er zurückholt, damit wir sie nicht vergessen. Was entsteht sind „Prototypen des Menschen, der sich über Wasser halten will“. Losgelöst aus ihrem ursprünglich meist gewaltigen Szenario entwickeln sie in diesen Arbeiten eine eigene Würde und Kraft.

 

Für weiteres Pressematerial stehen wir Ihnen gerne zur Verfügung!

 

 Martin Schneider: Looking over my shoulder (sculptural reliefs).

Opening reception: Thursday, January 23, 2014, 6 to 9 p.m.

 

For over twenty years, the Hamburg sculptor Martin Schneider has been working predominantly with industrial wood, MDF. His clay-like mural reliefs, which are usually no more than 3 centimeters deep and are tinted with acrylic paint, have an amazing plasticity and density. His most recent solo exhibition at the gallery, entitled Obamas People, was based upon a photo spread in the German illustrated magazine Stern and thematically revolved around the advisory team of US-President Barack Obama. The presidential aides in the artist’s installation were facing the viewers as if these were situated upon a stage.

 

In Looking over my shoulder, we appear to be confronted with a water surface. People on rafts emerge on the white walls as if from a void. Next to these, animals are to be seen upon which water bottles have been attached to keep them from sinking. In addition, bunkers are depicted, which are provided as tornado shelters in the United States. All of these images have been derived from news coverage on catastrophes dealing with the tsunami in Japan and floods in China, Pakistan, and other places, images, which due to their iconographic character or content have been specifically chosen by editors and have found their way into the press, or in the case of the bunkers, into advertising material. In his works, Martin Schneider further filters these images and transforms them into timeless metaphors. As the artist points out, these haunting images flood our minds every day. He attempts to ban them in his works, or to retrieve them in order to keep us from forgetting them. He thus creates “prototypes of people who are trying to keep their heads above water.” Detached from their often originally extreme contexts, these are given their very own dignity and strength in his works.

 

Further press material is available upon request!

 

 

 

Cris Pink
"offshore". Malerei
09.11.2013
-
21.12.2013
"offshore". Malerei



Die gestische, dem abstrakten Expressionismus zugehörige Malerei von Cris Pink nimmt in ihrer neuesten Serie „offshore“ gegenständlicheren Charakter an. Zugrunde liegen Aquarelle von Landschaften in Küstennähe. Sie stellen ihre unmittelbare Umgebung – Cris Pink lebt seit 30 Jahren auf Mallorca – ebenso dar, wie Aquarelle, die die Künstlerin auf Reisen anfertigte, etwa in Patagonien. Die charakteristischen Physiognomien dieser Landschaften verlieren sich aber durch den Auftrag zahlreicher dünner Ölschichten auf der Leinwand, lösen sich in Licht und Farbe beinahe auf.

Gemeint ist hier wie in ihren früheren Werkserien nicht die äußere Erscheinungsform. Die materielle Erscheinung, so die Künstlerin, bedingt sich durch das Unsichtbare der inneren Erfahrung. Dazu gehört vor allem die Darstellung der Materialität des durchsichtigen, in steter Bewegung befindlichen Elements Wasser mit seinen unendlichen Variationen der Spiegelungen des Lichtes und der Umgebung auf der Oberfläche wie die Erfahrung des Flüchtigen, Vergänglichen und Symbolischen der Substanz in seiner flüssigen, gasförmigen und festen Form. Wir wissen, dass in der Psychologie seit C.G. Jung das Wasser für Gefühle und all das steht, was sich dem Verstand entzieht. Tränen sind im Märchen das Wasser der Seele, die auch zu Eis erstarren können und für Unbeweglichkeit und Gefühlskälte stehen. „Sich im Wasser spiegeln“ steht für die Selbsterkenntnis, nicht nur immer selbstverliebt wie Narziss. Spiegelflächen schlechthin galten als Durchgang in die Welt der Toten, ein Grund, weshalb die Sitte entstand, im Haus von Verstorbenen die Spiegel zu verhängen. Im Glauben der Germanen sind die Seelen der Ungeborenen und Verstorbenen im Wasser beheimatet, worauf noch heute die etymologische Bedeutung des Wortes „Seele“ hinweist. So finden wir einen ungeheuren Reichtum an Mythen in Märchen, in der Literatur, der Kunst und der Religion vor, ein Reichtum, an den die Künstlerin in ihren Wasserbildern anknüpft.

 

Cris Pink studierte Modedesign in Hamburg und Kunstpädagogik in Mainz. Seit 1983 lebt sie in Spanien. Ausstellungen in Frankfurt a.M., Mainz, Koblenz, Barcelona und Palma de Mallorca. 1994 gründete sie die Designschule „Blau“ in Palma. Daneben unterrichtete sie an der Helwan University in Kairo und der Universidad de las Islas Baleares in Palma de Mallorca.


 

Cris Pink, offshore

Paintings

 

Opening reception: Friday, November 8, 2013, 7—9 p.m.

Introduction: Isabelle Hofmann (art critic and author, Hamburg)

Duration of the exhibition: November 9—December 21, 2013

 

In her latest series, offshore, Cris Pink’s gestural paintings that are strongly linked to Expressionism reveal figurative characteristics. They are based on watercolors of landscapes in coastal areas, representing the artist’s immediate home environment—she has been residing on the Island of Majorca for thirty years—as well as sites that she has visited on journeys to Patagonia and other places. Yet due to the application of countless thin layers of oil paint on the canvas, the specific physiognomies of these landscapes almost appear to dissolve into light and color. As was already the case with regard to her earlier painting series, this is not a matter of the works’ external manifestation. As the artist explains, the material appearance is determined by an intrinsic experience. This applies particularly to the representation of the changing materiality of the translucent element of water that is constantly in motion in its infinite variations of reflecting the light and the world surrounding it on its surface, incorporating the experience of the ephemeral and the symbolic quality of the substantial in its liquid, gaseous, and solid forms. Since C.G. Jung’s psychological writings on archetypes, we are aware of the fact that water stands for emotions and the regions that evade the analytical sphere of the mind. In fairytales, tears represent the water of the soul, which can freeze like ice, indicating immobility and coldness; the mirror reflection in a pool of water refers to the self-realization that one should avoid the vain self-love of Narcissus. Mirror images per se were interpreted as passageways into the realm of the dead, from which the custom developed to cover the mirrors in the houses of the deceased. According to the beliefs of the Germanic peoples, the souls of the unborn and deceased are endemic to the water: a concept that still reverberates in the etymological meaning of the word ‘soul’. Thus, we find a tremendous wealth of related myths in fairytales, literature, art, and various religions, to which the artist makes reference in her water paintings.

 

Cris Pink studied fashion design and art education in Hamburg and Mainz. She has been residing in Spain since 1983 and has participated in exhibitions in Frankfurt/Main, Mainz, Koblenz, Barcelona, Palma de Majorca, and elsewhere. In 1994, she established a private school of design in Palma. She also teaches at the Helwan University in Cairo and the Universidad de las Islas Baleares in Palma de Majorca.

 

 

Bea Emsbach, Kyung-Hwa Choi-ahoi, Julien Roux, Jacqueline Taїb, Valentin Van Der Meulen
Zeichnung pur
18.09.2013
-
26.10.2013
Zeichnung pur

 

Wir präsentieren 5 Künstler, die in ihrem künstlerischen Werk einen Schwerpunkt auf das Medium der Zeichnung gelegt haben. Bea Emsbach zeigten wir seit 2002 regelmäßig mit ihren neuesten roten Kolbenfüller-Zeichnungen. Ebenso seit 2005 den damals frisch an der Ècole Nationale Supérieure des Beaux Arts in Paris ausgezeichneten Künstler Julien Roux. Erstmals präsentieren wir in der Galerie die in Hamburg ansässige Koreanerin Kyung-Hwa Choi-ahoi  und den in Paris lebenden Franzosen Valentin Van der Meulen. Zum zweiten Mal  ist Jacqueline Taїb aus Strassburg dabei, die derzeit in der Martiniklinik im UKE mit großformatigen Werken in einer Einzelausstellung zu sehen ist (nach Anmelduung zu besichtigen). 

 

Taїb‘s  Serie „Mes Tours du Monde“ von 2012 meint im wörtlichen Sinne „Die Türme dieser Welt“, aber gleichzeitig auch „Meine Weltreise“ .  Silhouetten und konstruktive Elemente von Hochbauten aus Städten mit klangvollen Namen wie New York, Acapulco, Hongkong, Bangkog etc.  sind Gegenstände der Papierarbeiten. Es treten dem Betrachter beinahe abstrakte anmutende Gebilde entgegen. Es sind fantastische  Verfremdungen der Gebäude, die einerseits auf die Gleichförmigkeit der Hochbauten dieser Welt hinweisen, wie auch auf den Mythos des Turmbaus zu Babel anspielen.

 

Auslöschen und Abtragen sind derzeit die Hauptthemen im Werk von Valentin Van der Meulen. In der neuesten Serie „oxymore“ wirft er ein besonderes Licht auf das Verhältnis von Bild und Realität. Er löst Porträts aus Pressebildmaterial aus ihrem Zusammenhang und zeichnet sie in größerem Format mit Bleistift, Kohle und schwarzen Stein ab. Indem er sie dann beginnt „wegzuwischen“, beginnt er eine Wiedereinordnung des Bildes in ihren ursprünglichen Zusammenhang. Konstruktion und Dekonstruktion, Intervention des Künstlers, Legitimität von Bildern und ihr Weiterbestehen, dies sind Fragen, die sich der Künstler stellt. Es sind Bilder von Migranten, von Menschen im Kriegsgeschehen, von Menschen in politisch oder wirtschaftlichen Machtpositionen. 

 

Kyung-Hwa Choi-ahoi  arbeitet Bildelemente aus ihren gezeichneten, in Teilen bereits publizierten Tagebüchern in ihre Blätter ein. Die daraus entstandenen Gesamtkompositionen scheinen auf wissenschaftliche Genauigkeit angelegtes Interesse zu zielen, die Koexistenz in ihrer Struktur vergleichbarer Bildelemente aufzuzeigen. Bei genauerem Hinsehen eröffnen sich jedoch immer surrealere Welten.  Ausgehend von anatomischen Studien reicht ihr Spannungsfeld von flächig schraffierten und vom  groben Umriss her gedachten Körper und Körperteilen bis zur ausserordentlich wirklichkeitsnahen, dreidimensionalen Darstellung, etwa ihrer toten Vögel, Fliegen und Bienen.  Sie schafft ungewöhnlich traumhafte Sphären in ihren  Pflanzen-, Tier- und Unterwasserbildern.

 

Julien Roux, der seit Jahren in Tel Aviv lebt, entwirft in seiner neuesten Serie „Femmes moustaches“ in seinem bekannten komikhaften Zeichenstil eine neue Ikonographie. Sie verweist auf  gesellschaftliche Veränderungen, die die Neuordnung der Geschlechterfrage bedingen. Angeregt haben den Künstler dazu die Wogen der Diskussionen in Frankreich über die homosexuelle Ehe, die neuen „Väter-Mütter“, aber auch religiöse Bilder in Isreal und die Erfahrungen einer starken homosexuellen Bewegung in Tel Aviv. Julien Roux will sich aber auch über konventionelle Vorstellungen von Männlichkeit amüsieren und mitdiesen brechen. 

 

Die Frankfurter Künstlerin Bea Emsbach ist vor kurzem mit dem Marielis-Hess-Preis ausgezeichnet worden. Von ihr zeigen wir aus der Phase der seit vielen Jahren bekannten linearen roten Tintenzeichnungen  und Tintenaquarellen Blätter, die noch nicht in der Galerie gezeigt wurden.  Ihre Zeichnungen mit den häufig  verkabelten oder durch Schläuche verbundenen Wesen, oder mit  Personen,  deren Haut als abstreifbares Tarnkleid begriffen ist,  verweisen auf mythische Stoffe und ferne Gegenden dieser oder einer anderen Welt.  Erwachsen sind sie aus der Gedankenwelt der Kunst- und Wunderkammern der Renaissance. 

 

PRESS RELEASE

Pure Drawing

Bea Emsbach, Kyung-Hwa Choi-ahoi, Julien Roux, Jacqueline Taïb, Valentin Van Der Meulen.

Opening reception: Friday, September 6, 2013, 7—11 p.m.

Gallery Weekend in the Kontorhaus district with extended opening hours on Saturday, September 7, and Sunday, September 8, from 12—5 p.m.

Duration of the exhibition: September 7—October 26, 2013

 

 

The exhibition features five artists who focus in their work upon the medium of drawing. While we have regularly shown Bea Emsbach since 2002 with her latest red fountain pen drawings, and the artist Julien Roux since 2005 who at the time had just received the award of the École Nationale Supérieure des Beaux Arts in Paris, we are presenting the Hamburg-based Corean artist Kyung-Hwa Choi-ahoi and French artist Valentin Van der Meulen in our gallery for the first time. Jacqueline Taïb from Strasbourg, who is currently showing large-format works in a solo exhibition at the Martini Clinic of the University Medical Center Hamburg-Eppendorf is participating in an exhibition of our gallery for the second time. 

 

Her series Mes Tours du Monde of 2012 literally alludes to the “towers of this world,” yet simultaneously refers to the phrase “my journey of the world.” Her works on paper revolve around silhouettes and constructivist elements of high-rise buildings from illustrious cities such as New York, Acapulco, Hong Kong, and Bangkok. The viewer is confronted with almost abstract shapes: fantastic transmogrifications of the buildings, which also point to the myth of the Tower of Babel. 

 

Obliteration and removal are currently the main themes in the works of Valentin Van der Meulen. In his most recent series oxymora, he questions how images relate to reality through their use and reincorporation as images of daily events. At first glance, his works thus appear like photographs. Yet in fact they are meticulously executed portrait drawings, addressing issues of the legitimacy of images as such and their continued existence, as well as their construction and deconstruction as an expression of human behavior.

In her works, Kyung-Hwa Choi-ahoi integrates pictorial elements from her diary drawings, which partially have already been published in the form of journals. The compositions that she creates in this manner appear to be aimed at drawing attention to the coexistence of structurally similar pictorial elements with scientific accuracy. But upon closer examination increasingly surreal worlds unfold. Beginning with anatomical studies, her field of tension extends from planar, shaded bodies and body parts conceived on the basis of rough outlines up to extremely realistic, three-dimensional representations, such as her birds, flies, and bees. In her plant, animal, and underwater pictures, she creates unusual dream-like spheres.

In his latest series Femmes moustaches, Julien Roux, who has been residing in Tel Aviv for many years, conceives nothing less than a new iconography in his established cartoonesque drawing style. It refers to social transformations, suggesting a new order of the gender question. The artist was inspired by the wave of discussions in France about gay marriages, the new ‘father mothers’, as well as religious images in Israel, and the experience of the vital homosexual movement in Tel Aviv. Julien Roux is seeking to subvert and comically question conventional notions of masculinity. 

 

The Frankfurt artist Bea Emsbach recently received the Marliess Hess Award. We are showing works from her series of linear red ink drawings and ink watercolors that have been her signature style for a number of years, as well as drawings that have not yet been shown in the gallery. Her works often depict figures that are in some manner wired or otherwise interconnected by tubes, or persons whose skin is conceived as a discardable camouflage garment, referring to mythical themes and distant areas of this or another world. They originate in the mental realm of the curio cabinets of the Renaissance. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ransome Stanley
"Fremdenzimmer". Malerei und Fotografie
07.09.2012
-
20.10.2012
"Fremdenzimmer". Malerei und Fotografie

Vernissage Donnerstag, den 6. September 19 - 23 h, der Künstler wird anwesend sein.

In der Malerei von Ransome Stanley wird auch ohne Kenntnis seiner Vita intuitiv eine seltsame Spannung zwischen Fremdheit und Vertrautheit spürbar. Diese zeigt sich nicht nur in der Reihung, Streuung oder  Gegenüberstellung von gefundenen, aus ihrem Zusammenhang gerissenen Motiven aus Zeitschriften, der Werbung und alten Büchern. Es sind vorgefundene Motive, die ebenso an Szenen der Kolonialzeit anknüpfen wie an einem flirrenden Straßenbild der Gegenwart. Nicht nur diese Stückelungen, sondern auch die Malweise, der luzide, gleichzeitig haptische Aufbau der Malfläche und die meisterhaften Porträts berühren. Afrika scheint nah und fern zugleich. Nah, weil die ästhetische Ausdrucksweise des Künstlers durch seine Ausbildung an der Kunstakademie in Stuttgart sich in einem uns vertrauten Diskurs über Kunst  entwickelt hat. Niemand käme auf die Idee, sich zu fragen, ob man hier ethnologische Artefakte vor sich hat. Fern, weil  die Bildsprache auf Inhalte und Aussagen hindeutet, die uns letztlich unverständlich bleiben. Was sollen die Fragmente von Buchstaben über eine dunkelrote Fläche gestreut vor dem Profilporträt eines Schwarzen mit Brille? Was soll die Maske eines brüllenden Zebras über dem Kopf eines weiblichen Aktes? Es ist, als hätte Stanley, der 1953 in London geboren wurde, der nach dem frühen Tod seines nigerianischen Vaters in Grenzach bei Basel aufgewachsen ist und der erst vor wenigen Jahren das erste Mal den afrikanischen Kontinent betreten hat,  sich einen eigenen Kosmos geschaffen. Der Ausstellungstitel „Fremdenzimmer“ , ein Begriff, der  wie „Frauenzimmer“, „Zimmerherr“ oder „Herrenzimmer“  immer seltener benutzt wird und mehr und mehr durch „Gästezimmer“ oder „Ferienwohnung“ ersetzt wird, bezeichnet treffend die Welt, die uns in diesen Bildern entgegen tritt. Hier sollen wir uns nie heimisch fühlen. Diese Welten  der warmen, lichtdurchfluteten Ölbilder  wie der schwarzen, durch Glanzreflexe illuminierten Kohlezeichnungen, rühren an  Sehnsüchten eines Zuhauses, in dem wir nicht vorgesehen sind und das uns überzeugend  als eine in sich ausgereifte Welt entgegentritt.

Eva Valente, Katharina Lepik
Carte Blanche, Fotografie
25.05.2012
-
27.06.2012
Carte Blanche, Fotografie

In „Carte Blanche“ werden Fotoarbeiten der beiden jungen Künstlerinnen Eva Valente (geb. 1986) und Katharina Lepik (geb. 1981) gezeigt. Erstere studiert derzeit an der Columbia University in NY,  zweitere an der Armgartstrasse in Hamburg. Beide stellen sehr junge Stellungnahmen zum Medium Fotografie vor. In E. Valentes Arbeiten, die durch den Umgang mit neuen und filmischen Medien stark geprägt sind, geht es um Dynamik und um „offsides“. Es handelt sich um Werke, in denen die Künstlerin mit off-Tönen arbeitet, die in Schatten und Reflektionen von Licht entstehen. Den Bildern liegen Erfahrungen mit gemalten und gezeichneten Vorstufen zugrunde sowie Aufnahmen aus New York, ihrem dortigen Atelier und Fotografien aus den Tropen. Tatsächlich spielt das Motiv für die Künstlerin, die in ihrem Leben viel gereist ist, jedoch kaum eine Rolle; sie interessiert die Authentizität und Anonymität eines Moments, das Unbewusste und Unterbewusstsein.

 

Von Katharina Lepik, die bereits in mehreren Ausstellung vertreten war, sind zwei Serien zu sehen. In „Verschwisterungen“ geht es um die Frage der Identitätsfindung als ein Prozess der Spiegelung. Es sind Selbstbildnisse mit ihr sehr vertrauten und unbekannten Personen in Innen- und Außenräumen, wobei sie ihre Modelle in Kleidung und Pose sich selbst angleicht. Es ist ihre eigene Verarbeitung der Tatsache, dass sich Zeit unseres Lebens unsere Individualität in Bezug auf andere konstituiert. Ihre Serie „Weiss“ beeinhaltet eine Sammlung von 26 Fotografien, die in einem Künstlerbuch zusammengefasst sind. In dieser spielt sie mit den Klischees dieser Farbe, die einen festgelegten Kanon vorweisen kann, und schafft sich eine eigene Symbolik.

 

Eva Valente wurde 1986 in Hamburg geboren; sie studierte an der AMD in Hamburg, an der Freien Akademie der bildenden Künste in Essen, an der HfbK in Hamburg und lebt seit zwei Jahren in NY.

Katharina Lepik wurde 1981 in Augsburg geboren; sie studierte Germanistik und Romanistik an der Albert-Ludwig Universität in Freiburg, absolvierte danach ein Bacholorstudium für Fotografie an der Hochschule für angewandte Wissenschaften in München und studiert derzeit an der HAW, Hamburg (Masterstudium bei Ute Mahler).

 

Zur Eröffnung der Ausstellung am Donnerstag, den 24. Mai 2012, 19.00 - 21.00 Uhr laden wir Sie herzlich ein.

Es spricht Belinda Grace Gardner (Kunstkritikerin, Hamburg)

Reiner Riedler
"fake holidays", Fotografie
14.04.2012
-
19.05.2012
"fake holidays", Fotografie

Der österreichische Fotograf Reiner Riedler (geb. 1968, lebt und arbeitet in Wien), der unter anderem für die „New York Times“, den „Spiegel“ oder „Le Monde“ fotografierte, ist für seine Dokumentarfotografie vielfach  ausgezeichnet worden. Bevor sich Riedler ganz der Fotografie widmete, begann er 1991 ein Ethnologie-Studium in Wien, das er bald darauf für einen Platz im Kolleg für Fotografie an der Höheren graphischen Lehr- und Versuchsanstalt in Wien, kurz „Die Graphische“ genannt, eintauschte. Dennoch scheint Riedler bis heute etwas von seinem Ausflug in die Wissenschaft der Völkerkunde geblieben: das besondere Interesse für Menschen und ihre bisweilen seltsamen Kulturtechniken und -praktiken.

In seiner Serie „fake holidays“, die die Galerie Hengevoss-Dürkop in einer Soloshow ausstellt, begibt sich Riedler mit seiner Kamera in Freizeitsparks und Ferienanlagen auf der ganzen Welt. Die Menschen, die Riedler dort fotografiert, verbringen ihren Urlaub in nachgebaute Parallelwelten, etwa im Tropical Island Berlin Brandenburg oder im Movie Park Bottrop. Man muss einfach gesehen haben, wie Riedler ganz ohne Werturteile dem Mensch im nachgebauten, gefälschten Urlaubsparadies begegnet: dem Pärchen etwa, dass voll Sehnsucht vor einer Himmel-Leinwand bester „Truman Show“-Manier auf einer Brücke steht, oder auch dem Mann mit Ernie-Skimütze, der in der Indoor-Skihalle buchstäblich auf dem Trockenen läuft. Riedler hat einen zutiefst menschlichen, mal berührenden, mal humorvollen Blick auf die Tatsache, dass nicht jeder Chinese nach Paris, nicht jeder Brandenburger nach Neuseeland reisen kann, sondern sich mit einer billigen Fälschung begnügen muss. Ganz nach dem Motto des 21 Jahrtausends: think global, act local!

Riedlers Arbeiten waren unter anderem 2010 im Centre Pompidou in Paris („Dreamlands“) zu sehen, das Buch zur Serie erschien 2009 im Moser-Verlag.

 Vernissage: Freitag, 13. April 2012, 19 bis 21 Uhr, es spricht: Dr. Ilka Kloten (Moser Verlag, München)

 Am Montag, den 7. Mai 2012, findet in der Galerie ein Gespräch mit dem Künstler statt, organisiert von den "Freunden des Hauses der Fotografie".

 

 

Atsushi Takahashi, Cousteau Tazuke, Macoto Murayama
OUT of FLAT!
04.02.2012
-
24.03.2012
OUT of FLAT!

In Kooperation mit der Tokioer Frantic Gallery werden Arbeiten von drei Künstlern gezeigt, die für eine neue Generation in der japanischen Kunstszene stehen. Es handelt sich um drei Persönlichkeiten, die ihre künstlerischen Interessen gleichermaßen obsessiv verfolgen. Atsushi Takahashi zeigt die menschliche Natur in ihrer Ambiguität, in einem Zwischenzustand zwischen Klarheit und Dunkelheit, sei es bei einem Neugeborenen oder einem alten Mann. Cousteau Tazuke entwickelt paradoxe Topologien, wobei es um Revolutionierung der linearen Perspektive und dem Zugang zum „Bild“ geht. Macoto Murayama verschreibt sich exzessiven Beschreibungen von Blumen und schafft dabei einen umfangreichen Corpus botanischer Diagramme. Für ihre jeweiligen Themen haben sie aussergewöhnliche Techniken entwickelt. Takahashi quetscht Ölfarbe aus der Tube auf die Leinwand, ohne auch im weiteren einen Pinsel zu benutzen und „malt“ auf diese Weise gitterartige Bilder in leuchtenden Farben. Tazuke ritzt transparente Acrylplatten auf, füllt sie mit Farbe und stellt die Rückseite des Werks aus. Murayama nutzt 3ds Max Software um digitale Pflanzen zu erschaffen, die von möglichst allen Seiten in ihrer Größe und Details gezeigt werden. Alle drei Künstler arbeiten grenzüberschreitend und führen in der Ausstellung „Out of Flat!“ neue Möglichkeiten in Malerei und Zeichnung vor. Die Ausstellung wird kuratiert von Entomorodia curatorial net/work. Vernissage: Freitag, den 3. Februar 2012. Künstler und Kurator sind anwesend.

 

 

Dirk Brömmel, Norbert Frensch, Jacqueline Taib
Zeichnung, Fotografie, Malerei
12.11.2011
-
07.01.2012
Zeichnung, Fotografie, Malerei

Jaqueline Taїb (geb. 1968; lebt und arbeitet in Straßburg), von der zum ersten Mal Arbeiten in der Galerie zu sehen sind, geht in all ihren Werken – Malerei und Zeichnung - immer wieder von der Mehrdeutigkeit von Konstruktion und Dekonstruktion aus. Die in der Ausstellung gezeigten Zeichnungen aus der Serie „La Maison de Matriona“ sind durch den gleichnamigen Roman von Solschenizyn aus dem Jahr 1959 inspiriert. Der Anblick eines alten Fachwerkhauses, das als einziges Gebäude auf einem in Schutt und Asche gelegten Firmengelände im Elsass stehen blieb, wurde für sie zur Metapher der Hauptfigur des Romans und der Erzählung.

 

Neben den neuesten Arbeiten aus seiner „kopfüber“ Serie – Lastkähne auf dem Kaiserkanal in China – ist von Dirk Brömmel (geb. 1968; lebt und arbeitet in Wiesbaden) ein monumentales „Baum-Porträt“ ausgestellt. Es handelt sich um eine Platane, die im Rheingau in Eltville steht. Wie in seiner Villa Tugendhat Serie geht es um die Sichtbarmachung von Geschichte, hier allerdings nicht einem architekturhistorisch und politisch höchst bedeutenden Gebäude, sondern einem durch die Natur geschaffenen „Konstrukt“.

 

Norbert Frensch (geb. 1960; lebt und arbeitet in Frankfurt a.M.) war mit seiner Serie von schwarzen empfindlichen Leinwänden (Öl und Dammar) bekannt geworden, die nur Lichtreflexe auf eine Schale aufhellten. In den letzten Jahren experimentierte er mit Lasuren auf Papier weiter und verlagerte das Thema der Lichtreflexe auf abstrakte Wellenformen (Öl auf Leinwand). Es sind Werke aus allen drei Werkkomplexen vertreten.

Vernissage am Freitag, den 11. November 2011. Die Künstler sind anwesend.

Amina Broggi
"human kind", Malerei
03.09.2011
-
15.10.2011
"human kind", Malerei

Die Künstlerin (geb. 1980) studierte an der Universität für angewandte Kunst in Wien. In ihrer Malerei befasst sie sich zumeist mit abgründigen Situationen des Lebens. In ihrem neuesten Bildzyklus "human kind" geht es um Porträts von Personen der verschiedenen Lebensstufen Kindheit, Jugend, Reife, Alter, in denen sie die Empfindung von persönlicher Freiheit und die durch Natur und Gesellschaft bedingte "Deformierung" in spektakulären Bildkonzeptionen aufeinanderprallen lässt.

Ausstellungen u.a. "exitus. Tod altäglich", Künstlerhaus Wien, "ich gegenüber" Österreichisches Kulturforum Wien, "Neuankäufe - Junge Malerei", Sammlung Essl Klosterneuburg, "lost and found", Galerie Hengevoss-Dürkop

Marco Eberle, Claudia Hoffmann, Shahram Shahmiri
Drei Gedankengänge über Form
24.06.2011
-
31.08.2011
Drei Gedankengänge über Form

Vernissage am Freitag, den 24. Juni 2011, 19 bis 21 Uhr

 

 

Marco Eberle (geb. 1968; lebt und arbeitet bei Bern) nimmt „Holzdruck“ in seiner „Brennholzserie“ wörtlich, indem er die Struktur der Oberfläche nur durch seine eigene Körperkraft (ohne Presse) ausführt. Die Einfachheit dieser Drucktechnik über seine Körperkraft, wie auch die Reduktion des Stilmittels auf das Wesentliche in einem Holzdruck/schnitt stehen in einem Dialog mit dem einfachen, mitunter existentiellen Bedürfnis nach Wärme/Feuer und der Handlung des Holzspalten, Holzschichten und Einfeuern. Die ca. 75 Blätter tragen einen individuellen Titel, den des jeweiligen Brennwertes (Kilowattstunden). Marco Eberle ergänzt den Druck wie bei einer Faltanleitung eines Bastelbogens mit einer feinen Graphitzeichnung von Klebefalzen. Durch die Möglichkeit des Ausschneidens und Faltens zu einem dreidimensionalen Papierbrett, schliesst sich der Handlungskreis: aus Brennholz wird Asche und der Originalholzdruck zu einem Papierbrett. Die Arbeit spiegelt eine alltägliche Facette des Seins Marco Eberles in den Wintermonaten wider, die Bretter eine „Auswahl“ seines persönlichen Feuerholzes.

 

 

Claudia Hoffmann (geb. 1956; lebt und arbeitet in Hamburg) geht in ihren Papierarbeiten von Eindrücken in der Natur aus: das Schattenspiel unter Linden, das Flackern von Sternen am Firmament. Sie konzentriert sich auf die diesen Naturschauspielen zugrundeliegenden Ordnungsstrukturen: bei den Lindenblättern das Flirren ovaler Formen, bei den „Guides“, den Sternenbildern, die Überlagerungen und Anhäufungen von Strahlen. Solche Elemente und besondere, spannungsreiche Gruppierungen löst sie aus dem Gesamtbild heraus und komponiert abstrakte Bilder. Dabei schneidet sie manchmal die Flächen auf und führt so wieder eine dritte Dimension wieder ein, manchmal ist der Hintergrund glatt und unbestimmt, dann wieder lässt sie ihn in stürzende und sich faltende Ebenen kippen. Eine reduzierte Farbgebung der geometrischen Formen inszeniert zusätzliche Empfindungen von Wärme, Licht oder unendlicher Weite. Claudia Hoffmann, die Bildhauerin ist und als solche denkt, versteht sich als Konstrukteurin von Bildern, die keine Geschichten erzählen wollen, sondern nur Form haben.

 

 

Shahram Shahmiri (geb. 1947; lebt und arbeitet in Hamburg) interessiert sich für die An- und Abwesenheit der Dinge, für Schatten, für die Form der Zeit, die in all seinen Arbeiten – Objekte, Kurzfilmen und Fotografien, brüchig erscheint. So formvollendet die Dinge in seinen Arbeiten daherkommen, lustvoll auf Flohmärkten fotografiert und in neue bunte surreale Szenarien zusammengeschnitten, oder wie in der Fotografie der 20er Jahre, allein die Wirkung dramatischer Lichtregie verarbeitend, es ist die Ansicht eines Fremdgebliebenen auf Bekanntes, von jemandem, der spät nach Europa kam.

 

 

Bea Emsbach, Julien Roux, Ransome Stanley, Cony Theis
Accrochage 2: Salon du Dessin
15.04.2011
-
15.06.2011
Accrochage 2: Salon du Dessin

Vernissage, Freitag 15. April 2011, 19 - 21 Uhr

 

Gallery reception, friday 15 april, 19 - 21 p.m.

 

For further information please contact the gallery

Amina Broggi, Dirk Brömmel, Barbara Petzold, Julien Roux, Martin Schneider, Cony Theis
Accrochage - Malerei, Zeichnung, Fotografie, Relief
19.02.2011
-
19.03.2011
Accrochage - Malerei, Zeichnung, Fotografie, Relief

Vernissage am Freitag, den 18. Februar 2011, 19 bis 21 Uhr

 

Das neue Jahr beginnt die Galerie mit einer Accrochage. Darin werden Arbeiten aus der Serie „Glaskinder“ der liechtensteinischen Künstlerin Amina Broggi zu sehen sein, die sich ungewöhnlichen Themen des Lebens in schriller Ästhetik nähert.

Dirk Brömmel, dessen monumentales Porträt der Queen Mary 2 im norwegischen Bergen entstand, setzte in dieser Serie „kopfüber“ aus bis zu hundert übereinander gelagerten Fotos am Computer die eine Sicht zusammen, in der die Aufsicht sich in ein zeitloses Memorandum verwandelt. Daneben zeigen wir eine Auswahl aus seiner Serie „Villa Tugendhat“, in welcher Brömmel die Anfänge der von Mies van der Rohe 1930 erbauten Villa wiederauferstehen lässt, indem er Privataufnahmen der Auftragsfamilie mit seinen eigenen Aufnahmen der Originalschauplätze überlagert.

Ephemere Lichtmomente sind von Anfang an Hauptthema der Arbeiten der Düsseldorfer Malerin Barbara Petzold. In einer ihr eigenen Technik, u. a. der Überlagerung vieler verdünnter Ölschichten, erreicht sie besondere diffuse Lichtverhältnisse, wie sie im Zwielicht von Morgen und Abenddämmerung, im Gegenlicht, im Nebel, im Wasser oder im Unterholz vorkommen.

Von dem französischen Künstler Julien Roux, der in der Zwischenzeit in Tel Aviv lebt, sind 50 skizzenhafte Tagebuchzeichnungen, die sogenannten „Carnets de Voyage de New York“ zu sehen. Politsatire trifft auf humoristische Szenen des Alltags, der Künstler begegnet den Stadtmenschen und hält sie in skurrilen, poetischen oder ironischen Momenten fest.

Die MDF-Reliefs des in Hamburg lebenden Künstlers Martin Schneider stammen aus seiner Serie "Obama's People". Von Pressefotos ausgehend verweist er auf Bilddifferenzen, die sich durch die Übersetzung in ein industriell gefertigtes Material wie MDF ergibt.

In zahlreichen Ausstellungen, unter anderem „Häute Porträts“, „Zeitrichten“ und „Kunstwerk Archiv“, verfolgte die Kölner Künstlerin Cony Theis immer wieder in verschiedenen Facetten ihr Hauptthema, das der Frage nach der Identität. Mit der zweiteiligen Arbeit „Tag und Nacht“ und der sienesischen Reiterin (chinesische Tusche/Ölpigmente auf Transparentpapier) zeigt die Galerie ihre bisher größten Zeichnungen.

 

 

 

 

 

Doris Bühler, Marco Eberle, Llaura I. Sünner, Ransome Stanley
Mixed Media
03.12.2010
-
12.02.2011
Mixed Media

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In der letzten Ausstellung des Jahres 2010 zeigt die Galerie eine Gruppenausstellung, darunter zum ersten Mal in der Galerie und zum zweiten Mal in Deutschland Arbeiten von Marco Eberle. Der in Bern lebende und arbeitende Künstler, der bei Franz Eggenschwiler studierte, vertritt einen konzeptionellen Ansatz. Seine Serie „möglicher morgendlicher Zustand“ sowie die während seines Atelierstipendiums in Berlin entstandenen „Schmutzbilder“ bilden einen Kontrapunkt zu den Aktstudien der Bildhauerin Doris Bühler (Vaduz) und der figürlichen, sich immer wieder mit seiner afrikanischen Identität beschäftigenden Malerei von Ransome Stanley (München). Das Medienmix wird ergänzt durch eine neue Filzinstallation von Llaura I. Sünner (Hamburg), einer lebensgroßen Wendeltreppe.

 

In our final exhibition of the year 2010, we will present a group exhibition, which will feature Marco Eberle’s work for the first time in the gallery spaces (and for the second time in Germany). The artist, who studied with Franz Eggenschwiler and resides and works in Bern, follows a conceptual approach. His series möglicher morgendlicher Zustand (Possible Morning State) as well as the Schmutzbilder (Dirt Pictures), which he produced in the course of an artist-in-residence program in Berlin, form counterpoints to the nude studies of the sculptress Doris Bühler (Vaduz) and the figurative paintings of Ransome Stanley (Munich), who addresses his African identity in his work. The mix of various media is complemented by a new felt installation created by Llaura I. Sünner (Hamburg): a life-sized spiral staircase.

Julien Roux
Triangular Colorful Constructions - Zeichnung
27.10.2010
-
27.11.2010
Triangular Colorful Constructions - Zeichnung

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Vernissage:

Mittwoch, 27. Oktober 2010, 19.00 bis 21.00 Uhr

 

 

 

Einem Schwarm gleich sind kleine bunte Dreiecke in die Zeichnungen der neuen Serie „Triangular Colorful Constructions“ des französischen Künstlers Julien Roux (geb. 1978) eingefallen. Sie bauen sich zu mächtigen Konstruktionen auf, scheinen einen anonymen Anzugträger auf seinem Weg durch die Stadt genauso einzukreisen, wie sie das Kleid eines traurigen Königs bevölkern oder sich in den Blick eines reichen, Zigarre rauchenden Magnaten schieben. Ganz wie ein Vogel- oder Fischschwarm schliessen sie sich auf einzelnen Blättern der Serie zu übergeordneten Gebilden zusammen und lösen sich auf den nächsten Blättern wieder auf, stellen sich ganz in ihrer Form aus oder verstecken sich im Gewirr der Flächen und Linien. Die farbigen Dreiecke erinnern an die prismatischen Zersetzungen der Welt beim Blick durch ein altes Kinderspielzeug, das Kaleidoskop. Doch löst Julien Roux diese Formen vom kindlichen Spiel, wenn sie zum erotischen Sinnbild der weiblichen Scham werden oder zu Wurfpfeilen, die in den Bereich der politischen Satire und der Gesellschaftskritik führen. Themen, denen sich Julien Roux in früheren Arbeiten immer wieder gewidmet hat. Im Kontrast zu Rouxs bevorzugtem Einsatz von schwarz und weiß wirkt diese Farbinvasion mal kraftvoll, mal bedrohlich, mal poetisch, vor allem aber als faszinierende Verbindung von konzeptionellem mit gegenständlichem Bildgut. Als Symbol der europäischen wie der nordamerikanischen Kulturgeschichte, begegnet das Dreieck als Pyramide, als Trinität oder schlicht als geometrische Abstraktion. Doch die kleinen Wiedergänger scheinen endlos wandelbar. Ganz ruhig verweilen sie dann manchmal wie kleine Falter auf dem Pullover eines schlafenden Jünglings und werden zu reiner Poesie.

 

 

Julien Roux (geb. 1978 in Salanches, Frankreich) studierte in der Klasse von Annette Messager an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. 2004 erhielt er ein Diplom mit Auszeichnung sowie den Collin Lefranc-Preis für gegenständliche Malerei. Während seiner Reisen nach China, Südkorea, New York und Israel entstanden viele seiner Zeichnungen, wobei jeder Ort sein Werk auf besondere Weise prägte. Zur Zeit lebt und arbeitet der Künstler in Tel Aviv.

Im Frühjahr 2009 fertigte Roux eine monumentale Zeichnung auf der Stirnwand der Galerie an, seine jüngste Wandzeichnung entstand 2010 für die Kunstmesse „Freshpaint“ in Tel Aviv. Wie in seinen ausgestellten Zeichnungen der Serie Apocalypses, handeln auch die monumentalen Wandarbeiten von New York, der Stadt als Moloch.

 

 

Exhibition

 

Julien Roux

 

Triangular Colorful Constructions

Drawings

 

 

Opening reception:

Wednesday, October 27, 2010, 7-9 p.m.

 

Duration of the exhibition: October 27-November 27, 2010

 

 

In the new series Triangular Colorful Constructions of the French artist Julien Roux (*1978) small, vibrantly colorful triangles have invaded the drawings in a swarm-like density. Accumulating into massive constructions, they seem to equally encircle an anonymous businessman on his way through the city, to populate the robes of a melancholy king, or to obstruct the view of a rich tycoon smoking a cigar. Just like a swarm of birds or fish, they merge in individual drawings of the series into superordinate conglomerates, only to dissolve again in the following works, displaying themselves entirely in their respective form, or concealing themselves in a maze of lines and expanses. The multi-colored triangles recall the prismatic deconstructions of the world on looking into the ocular of a traditional toy, the kaleidoscope. And yet, Julien Roux removes these forms from the childlike game at the instance in which they are transformed into erotic symbols of the vulva or arrows leading into the sphere of political satire and socio-criticism, themes, which Julien Roux has repeatedly addressed in earlier works. In contrast to Roux’s favored use of black and white, at times the invasion of colors appears powerful, then again threatening or poetic. First and foremost, however, it represents a fascinating interconnection of conceptual and figurative imagery. As a symbol of both European and North American cultural history, we encounter the triangle in the form of a pyramid, as the Trinity, or simply as a geometrical abstraction. And yet these small revenants seem to be endlessly mutable. Occasionally, they will dwell in perfect stillness like little butterflies on the sweater of a sleeping youth, thus becoming pure poetry.

 

 

Julien Roux (born in 1978 in Salanches, France) studied in the class of Annette Messager at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. In 2004, he received his diploma with honors and was awarded the Collin Lefranc Prize for figurative painting. He produced a large number of drawings in the course of his travels to China, South Korea, New York, and Israel, whereas each place influenced his work in its specific manner. He is currently residing and working in Tel Aviv, Israel.

In spring 2009, Roux created a monumental drawing on the front wall of the gallery; his latest wall drawing was realized in 2010 in the context of the art fair Freshpaint in Tel Aviv. As in the exhibited drawings of his series Apocalypses, his monumental wall drawings also revolve around New York and the metropolis as a destructive force.

 

 

 

Bea Emsbach
"Hautsache" - Zeichnungen
11.09.2010
-
07.10.2010
"Hautsache" - Zeichnungen

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Vernissage anlässlich der Saisoneröffnung der Galerien im Kontorhausviertel:

 

Freitag 10. September 2010, 19.00 bis 21.00 Uhr

 

Die Künstlerin ist anwesend.

 

 

Vor der letzten Einzelausstellung von Bea Emsbach in der Galerie im Jahr 2007, schrieb Christoph Schütte: „Bea Emsbach, (...) kennt sich mit albtraumartigen Visionen (...) aus. Ganz aus der Linie entwickelt und mit roter Tinte aufs Papier gebracht, verweisen die vielfach verkabelten, von Bandagen umschlungenen und augenscheinlich auf den Bäumen wachsenden Figuren der mit dem Darmstädter Sezessionspreis ausgezeichneten Künstlerin auf Meister der Renaissance ebenso wie auf die Schöpfungsphantasien einer von den Möglichkeiten der Genmanipulation berauschten Gegenwart.“ (FAZ, Kultur, 21. März 2007) In ihrer neuesten Serie „Hautsache“ sehen wir die Künstlerin verwandelt - nicht in ihren Bildgegenständen, aber in ihrem Ausdruck. Nach wie vor arbeitet sie mit roter Tinte, nach wie vor begegnen wir jenen Gestalten, die an Naturvölker ferner Welten erinnern, die ebenso aus der Frühen Neuzeit wie aus einem Science Fiction Roman entstammen könnten. Bea Emsbach wendet sich hier jedoch dem Aquarell zu und entwickelt dabei eine ganz eigene Technik mit dem Kolbenfüller, nur gelegentlich verwendet sie den Pinsel. Die neuen Arbeiten erreichen eine atmosphärische Verdichtung und Fragilität, die das Ikonenhafte der älteren Blätter hervorhebt, welche im Vergleich wie Schaubilder im mittelalterlichen Sinne wirken.

Bea Emsbach (geb. 1965) lebt und arbeitet in Frankfurt a. M. Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u. a. im Kunstverein Basel, Kunstverein Bonn, Kunsthalle Kiel, ZKM Karlsruhe, Kabinett der Zeichnung Kunstfonds Bonn, Fridericianum Kassel; Kubinhaus Zwickledt, Kunstverein Linz, Kunstsammlung Städtisches Museum Jena; Kunsthalle Göppingen; zahlreiche Publikationen, u.a. die Monographie „Beutezüge im Bodensatz der Wissenschaften“, Verlag für moderne Kunst, Nürnberg 2002 und „Haushaut“, Städtisches Museum Jena 2008.

 

 

PRESS RELEASE

 

 

Exhibition

 

Bea Emsbach

 

Hautsache

Drawings

 

 

Galleries in the Hamburg Kontorhaus quarter launch new

exhibition season

 

 

Opening reception at Gallery Hengevoss-Dürkop on September 10, 2010, 7-9 p.m.

 

The artist will be present.

 

 

Duration of the exhibition: September 11-October 7, 2010

 

Bea Emsbach’s work, which was last presented in the gallery in a solo show in 2007, has been aptly characterized by the German critic Christoph Schütte. In his article published in the same year (Frankfurter Allgemeine Zeitung, March 21, 2007) Schütte remarks that “Bea Emsbach (…) is well-acquainted with nightmarish visions. (…) Developed entirely on the basis of the line and rendered on paper with red ink, the figures created by the artist and recipient of the Darmstadt Secession Award, which are frequently entangled in cables and bandages and appear to be growing on trees, refer to masters of the Renaissance as well as to the creation fantasies of a present-day world intoxicated by the possibilities of genetic engineering.” In her latest series Hautsache (the title revolves around a pun on the German words for ‘thing’ and ‘skin’) a transformation has taken place—not with regard to the subject matter of the works but to the expressive means the artist employs. She still works with red ink, and we still encounter the familiar figures, which evoke the indigenous populations of distant worlds, and could just as well stem from the early modern period as from a science fiction novel. In this case, however, Bea Emsbach employs watercolor as a medium, only occasionally using the paintbrush, and developing her own distinctive technique for applying the watercolors with a piston fountain pen. The new works are atmospherically highly condensed and fragile, emphasizing the iconic character of the earlier works, which by contrast have the aura of medieval diagrams.

Bea Emsbach (b. 1965) lives and works in Frankfurt/Main. Solo and group exhibitions at the Kunstverein Basel, Kunstverein Bonn, Kunsthalle zu Kiel, ZKM Karlsruhe, Kabinett der Zeichnung, Kunstfonds Bonn, Fridericianum Kassel, Kubinhaus Zwickledt, Kunstverein Linz, Kunstsammlung Städtisches Museum Jena, and Kunsthalle Göppingen, among other venues; numerous publications, among others, the monograph Beutezüge im Bodensatz der Wissenschaften, Verlag für moderne Kunst, Nuremberg, 2002, and Haushaut, Städtisches Museum Jena, 2008.

 

Barbara Petzold
Hidden Persuasion
28.05.2010
-
08.07.2010
Hidden Persuasion

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Vernissage: Donnerstag, 27. Mai 2010, 19 bis 21 Uhr

Die Künstlerin ist anwesend

 

Nach den erfolgreichen Einzelausstellungen „Look at me“ und „Waldstücke“ präsentiert die Galerie Hengevoss-Dürkop neue Arbeiten der Düsseldorfer Malerin Barbara Petzold. Thematisch knüpfen diese an die vergangenen Serien an, erneut begegnet der Betrachter denselben Frauen und Mädchen. Wie eine moderne Ophelia liegt eine junge Frau im rosafarbenen Kleid auf einer Astgabel, ihr Gesicht nicht mehr als ein Hauch, der sich hinter den Farbschichten verliert. In einem dunklen Raum läuft eine blauviolette, schmale weibliche Gestalt links aus dem Bild und blickt über ihre Schulter einem Vogel hinterher, der aus seinem Käfig geflohen ist. In ihrer eindrücklichen Technik der Schichtung von opaken und transparenten Farbflächen lässt Petzold die Figuren durchs Bild schweben oder bettet sie in ein schemenhaftes Umfeld, so dass der Eindruck entsteht, man hätte sie nur flüchtig im Vorbeifahren gesehen. Die Farben in Petzolds Bildern spielen die eigentliche Hauptrolle, sie geben und sie nehmen die Form, sie verstecken und sie entblößen, sie zeichnen Licht und Schatten, sie schaffen und sie verschleiern Raumverhältnisse. Petzolds virtuoser Umgang mit Farbe deckt sich mit den Inhalten, die vom Kind-Sein genauso handeln wie vom Erwachsenenleben, vom Spiel mit Pusteblumen wie von Hochzeitsbanketten, von Goldfischen wie von Geishas, von Verletzungen, Bedrohungen und Angst, wie von selbstverliebter Inszenierung und selbstbewusstem Posieren.

Barbara Petzold, geb. 1971, studierte an der Düsseldorfer Kunstakademie (bei Prof. Rissa). Einzel- und Gruppenausstellungen u.a. in der Kunsthalle Koblenz, camera artis, München, Bartlemas Chapel Oxford, Oranjekerk, Amsterdam, Temporäre Kunsthalle Friedrichshain, Berlin, Margo Art Gallery Moskau.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

 

 

Barbara Petzold, paintings

Opening reception: may 27 2010

Duration of the exhibition may 28 to july 8, 2010

 

 

“Mysterious women inhabit Barbara Petzold’s pictorial worlds. One might encounter these on the street, at the beach, in bars, in the water, in the forest, in commonplace and less commonplace locations: magical beings, which seem to emerge floatingly from the realms of color created by delicate schemes of light. […]

The painting technique contributes to the fragility and sensuality of the figures. In a time-consuming procedure, involving complex brushwork, the color is applied onto the surface in multiple layers. Whether using deep blue, brown, or violet, in the case of the enclosed spaces to be seen in the early series, or the subtle yet intensive green hues to be found in the open spaces of nature represented in the more recent series, the tones of color employed by the artist evoke the notion of keen, unfathomable depths. The paintings appear like an interface between the real world and a world of dreams. The colors are both vivid and transparent. They oscillate, like twilight, between shadow and light. […]

Even if they may appear dreamy and fairytale-like at first glance, these paintings can also be questioned with regard to female identity and the perception of women in present-day society. Which role models are hidden behind these representations? Are these women consciously acting as seductresses or are they involuntary vehicles for projections and wishful thinking? […]

The women Barbara Petzold creates are caught up in dreams, but never absent, elusive, yet not insubstantial. They are simultaneously seductive and vulnerable. Their bodies are like dreams, memories, or fantasies. And just like these, they might disappear at any moment.”

[Anja Szech, in: Cat. "Hidden Persuasions" 2010, S. 2]

 

Barbara Petzold, born in 1971, studied at Düsseldorfer Kunstakademie ( Prof. Rissa). Solo- and group exhibitions (selection) at Kunsthalle Koblenz, camera artis, München, Bartlemas Chapel Oxford, Oranjekerk, Amsterdam, Temporäre Kunsthalle Friedrichshain, Berlin, Margo Art Gallery Moskow

 

For further information please contact the gallery.

 

 

Dirk Brömmel
"Villa Tugendhat" - Fotografie
25.03.2010
-
02.05.2010
"Villa Tugendhat" - Fotografie

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Vernissage : Donnerstag, 25. März 2010, 19.00 bis 21.00 Uhr

Der Künstler ist anwesend.

 

 

 

Nach der erfolgreichen Schiffporträt-Serie „kopfüber“ zeigt die Galerie Hengevoss-Dürkop in ihrer zweiten Einzelausstellung mit Dirk Brömmel die „Villa Tugendhat“ (Brünn/Tschechien). 1930 von Mies van der Rohe errichtet, zählt die Villa heute zu den bedeutendsten Bauten der Moderne. In seinen Fotografien lässt Brömmel die Anfänge der Villa wiederauferstehen, indem er Privataufnahmen der Auftragsfamilie mit seinen eigenen Aufnahmen der Originalschauplätze überlagert. Die Villa der Familie Tugendhat, die 1938 zunächst in die Schweiz emigrierte, ist nach wechselhafter, politisch einschlägiger Geschichte seit 1994 der Öffentlichkeit zugänglich und heute soweit wie möglich in ihren Originalzustand zurückversetzt. Die Werke bekommen in der Überblendung von historischer Privataufnahme und moderner Architekturfotografie, die zunächst an die Becher-Schule erinnert, eine eigene Faszination.

Nominiert für den Merck-Preis der Darmstädter Tage der Fotografie 2010.

Ein Katalog zur Ausstellung ist erschienen.

 

 

Opening reception in the presence of the artist: Thursday, March 25, 2010

Duration of the exhibition: March 26 to May 2, 2010

 

After presenting his successful ship portrait series kopfüber (headfirst), in the second solo exhibition dedicated to Dirk Brömmel Hengevoss-Dürkop gallery will show the artist’s latest photographic series Villa Tugendhat (Brno/Czech Republic). Constructed in 1930 by Mies van der Rohe, today Villa Tugendhat is considered one of the architectural epitomes of modernism. In his photographs, Brömmel revives the early history of the villa by superimposing his own representations of the site upon the private images photographed by the original owners of the building. After a complex history determined by the dark events of the Nazi era, the villa owned by the Tugendhat family, which emigrated to Switzerland in 1938, has in the meantime been largely reconverted into its original condition and has been accessible to the public since 1994. In the conflation of historical private images and modern architectural photography, which call to mind formal aspects of the Becher School, the works create their own, very unique fascination.

 

Nominated for the Merck Award in the context of the Darmstädter Tage der Fotografie, 2010.

 

A catalogue is available.

For further information please contact the Gallery.

 

Martin Schneider
Obama's People - Reliefs
06.11.2009
-
12.12.2009
Obama's People - Reliefs

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Martin Schneider (geb. 1958 in Bingen am Rhein), der bisher nur durch wenige Ausstellungen bekannt ist, arbeitet bevorzugt von Beginn seiner Tätigkeit an als Bildhauer mit Holz, seit ca. 10 Jahren mit dem Werkstoff MDF. Anders als gewachsenes Holz hat dieses industriell hergestellte und zumeist zum Möbelbau genutzte Material immer dieselbe Struktur, einen neutralen, nüchternen Charakter. In „Obama’s People“ geht der Künstler überwiegend von Foto-Strecken aus, die kurz nach der Einsetzung des amerikanischen Präsidenten dessen Beraterteam vorstellten. Indem Martin Schneider diese Zeitungsbilder in lebens- und überlebensgroße MDF-Reliefs umsetzt, entschlüsselt er die Bildinformation der Fotografien und setzt sie in eine Art Zwischenraum, in der die Personen eine eigenartige Rückübersetzung ins Lebendige erfahren. Die Serie ist, wie schon frühere Arbeiten, eine Reaktion des Künstlers auf tagespolitische Ereignisse. Sei es sein Grauen über die schockierenden Nachrichten aus Abu Ghuraib (Irak) oder sei es, wie in dieser Serie, die eigene Begeisterung über den Führungswechsel in den USA: Martin Schneiders Arbeiten hinterfragen Wahrnehmung und Bilddifferenzen, wie Strategien von Pressefotos sich in einem Material wie MDF manifestieren. Ein Material, das an sich jeden Charakter eher verweigert. Überraschenderweise ist festzustellen, dass es doch Ikonen produziert.

 

Martin Schneider studierte an der Akademie der Künste in Karlsruhe, DAAD Stipendium nach Vancouver/Canada, Graduiertenstipendium des Landes Baden-Württemberg; lebt und arbeitet seit 2004 in Hamburg; Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u.a. "Gewalt der Gegenwart", Badischer Kunstverein, Karlsruhe (1992); Agentur für zeitgenössische Kunst, C. Grau, Hamburg (1997), Palais für aktuelle Kunst, Glückstadt (2002); Lange Nacht der Museen, Deichtorhallen (2007); "Marylin" Galerie Levy, Hamburg (2009); Arbeiten im Besitz der Städtischen Galerie Karlsruhe, Sammlung Harald Falckenberg, Kunsthalle Hamburg.

 

 

 

 

Martin Schneider—Obama's People

Reliefs

 

Duration of the exhibition: November 6-December 13, 2009

 

 

Martin Schneider (born in 1958 in Bingen on the Rhine), who as yet is known to a fairly small audience, began his sculptural career with a preference for working with wood, shifting to MDF about ten years ago. In contrast to organic wood, this industrially manufactured material, used mostly for the construction of furniture, has a consistent structure and a neutral, bland character. In Obama’s People, the artist predominantly draws upon photographic images, which introduced to the public the team of advisors surrounding the American president shortly after his inauguration. In transposing these newspaper images into MDF relief panels, which are life-size or larger than life, Martin Schneider deciphers the pictorial information of the photographs and places them into a kind of intermediate zone, where the depicted persons undergo a peculiar retranslation into real life. As already in earlier works, the artist is responding to current events as well in this group of compositions. Whether he is expressing his horror at the shocking news about Abu Ghraib in Iraq or, as in this series, he is conveying his personal enthusiasm about the change of leadership in the United States: Martin Schneider’s works question matters pertaining to perception and to pictorial differences, while simultaneously exploring how the strategies of press photos manifest themselves in a material such as MDF—a material that in itself is largely devoid of character. However, as may be observed, it does indeed produce icons of a surprising visual impact.

 

Martin Schneider studied at the Academy of Fine Arts in Karlsruhe; he held a DAAD residency in Vancouver/Canada and was awarded a graduate scholarship by the Land Baden-Württemberg; Schneider has been residing and working in Hamburg since 2004; His work has been presented in various exhibitions, among others, in Gewalt der Gegenwart, Badischer Kunstverein, Karlsruhe (1992); Agentur für zeitgenössische Kunst, Chistoph Grau, Hamburg (1997); Palais für aktuelle Kunst, Glückstadt (2002); Lange Nacht der Museen, Deichtorhallen (2007); Life as a Legend: Marilyn Monroe, Kunsthaus Hamburg (2003); works of the artist are in the collection of the Städtische Galerie Karlsruhe, the Harald Falckenberg Collection, Hamburg, and the collection of the Kunsthalle Hamburg.

 

Dirk Brömmel, Stefan Kiess, Barbara Petzold
Fotografie und Malerei
12.09.2009
-
09.10.2009
Fotografie und Malerei

 

 

 

 

VISIONS

Dirk Brömmel – Stefan Kiess – Barbara Petzold

Fotografie und Malerei

 

Vernissage 11. September 19-21h

 

Die Schiffsporträts von Dirk Brömmel umfassen auch eine Serie zu venezianischen Gondeln. Von den Brücken Venedigs setzt der Wiesbadener Künstler aus vielen Aufnahmen auf die vorübergleitenden Gondeln jene eine ideale glatte Aufsicht zusammen, die das Deck mit Gondoliere und Passagieren in eine zeitlose Ikone verwandeln. Vor weissem oder schwarzem Hintergrund freigestellt, hinter Acryl montiert bekommen die Farben eine Brillanz, die alle Vorstellungen morbider Eleganz der Stadt auf erfrischende Art umdeutet.

Die „fotografischen Arbeiten über Architektur“ von dem Berliner Künstler Stefan Kiess haben seit Jahren nicht mehr bestimmte Bauten zum Thema. Schon in seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie im Rahmen der ersten Triennale der Fotografie in Hamburg, in der er den Ausblick aus den 3m hohen Industriefenstern auf die City Hochhäuser 1 : 1 an der gegenüberliegenden Galerien-Wand nicht rekon-, sondern dekonstruierte, begann er seine Negative in Montagen zu „Bildern“ im klassischen Sinne zu verarbeiten. Die in der Ausstellung präsentierte Reihe „Finisterre“ (2007 ff) meint in keinster Weise mehr einen geographischen Ort. „Finisterre“ ist nur noch Thema, die Vorstellung des Endes der Welt, das Kiess mit Signaturen des Untergangs der Architektur beschreibt. Die vom Künstler selbst produzierten Fotografien, Silbergelatine Prints auf Baumwollkarton mit Selentönung sind andererseits so hochwertig, dass das Thema wie ein „Et ego in Arcadia“, eine Erinnerung an die Vergänglichkeit und den Tod in einer überschwelgenden Gegenwart erfahren wird.

Ephemere Lichtmomente sind von Anfang an Hauptthema der Arbeiten von der Düsseldorferin Barbara Petzold. In einer ihr eigenen Technik, u. a. der Überlagerung vieler verdünnter Ölschichten, wobei die meist weibliche Dargestellte immer wieder mit der Hintergrundfarbe überstrichen wird, erreicht sie besondere diffuse Lichtverhältnisse, wie sie im Zwielicht von Morgen und Abenddämmerung, im Gegenlicht, im Nebel, im Wasser oder im Unterholz vorkommen. In ihrer neuesten Serie „Dutch Bride“ spielen erstmals persönliche Erlebnisse eine Rolle.