Galerie Hengevoss-Dürkop
Adresse:
Klosterwall 13
20095
Hamburg
Telefon:
+49 - 40 - 30 39 33 82
Telefax:
+49 - 40 - 30 39 33 83
Öffnungszeiten:
Mi - Fr 12 - 18 h; Sa 12 - 14 h
Barbara Petzold
Hidden Persuasion
28.05.2010
-
08.07.2010
scroll down for English version
Vernissage: Donnerstag, 27. Mai 2010, 19 bis 21 Uhr
Die Künstlerin ist anwesend
Nach den erfolgreichen Einzelausstellungen „Look at me“ und „Waldstücke“ präsentiert die Galerie Hengevoss-Dürkop neue Arbeiten der Düsseldorfer Malerin Barbara Petzold. Thematisch knüpfen diese an die vergangenen Serien an, erneut begegnet der Betrachter denselben Frauen und Mädchen. Wie eine moderne Ophelia liegt eine junge Frau im rosafarbenen Kleid auf einer Astgabel, ihr Gesicht nicht mehr als ein Hauch, der sich hinter den Farbschichten verliert. In einem dunklen Raum läuft eine blauviolette, schmale weibliche Gestalt links aus dem Bild und blickt über ihre Schulter einem Vogel hinterher, der aus seinem Käfig geflohen ist. In ihrer eindrücklichen Technik der Schichtung von opaken und transparenten Farbflächen lässt Petzold die Figuren durchs Bild schweben oder bettet sie in ein schemenhaftes Umfeld, so dass der Eindruck entsteht, man hätte sie nur flüchtig im Vorbeifahren gesehen. Die Farben in Petzolds Bildern spielen die eigentliche Hauptrolle, sie geben und sie nehmen die Form, sie verstecken und sie entblößen, sie zeichnen Licht und Schatten, sie schaffen und sie verschleiern Raumverhältnisse. Petzolds virtuoser Umgang mit Farbe deckt sich mit den Inhalten, die vom Kind-Sein genauso handeln wie vom Erwachsenenleben, vom Spiel mit Pusteblumen wie von Hochzeitsbanketten, von Goldfischen wie von Geishas, von Verletzungen, Bedrohungen und Angst, wie von selbstverliebter Inszenierung und selbstbewusstem Posieren.
Barbara Petzold, geb. 1971, studierte an der Düsseldorfer Kunstakademie (bei Prof. Rissa). Einzel- und Gruppenausstellungen u.a. in der Kunsthalle Koblenz, camera artis, München, Bartlemas Chapel Oxford, Oranjekerk, Amsterdam, Temporäre Kunsthalle Friedrichshain, Berlin, Margo Art Gallery Moskau.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
Barbara Petzold, paintings
Opening reception: may 27 2010
Duration of the exhibition may 28 to july 8, 2010
“Mysterious women inhabit Barbara Petzold’s pictorial worlds. One might encounter these on the street, at the beach, in bars, in the water, in the forest, in commonplace and less commonplace locations: magical beings, which seem to emerge floatingly from the realms of color created by delicate schemes of light. […]
The painting technique contributes to the fragility and sensuality of the figures. In a time-consuming procedure, involving complex brushwork, the color is applied onto the surface in multiple layers. Whether using deep blue, brown, or violet, in the case of the enclosed spaces to be seen in the early series, or the subtle yet intensive green hues to be found in the open spaces of nature represented in the more recent series, the tones of color employed by the artist evoke the notion of keen, unfathomable depths. The paintings appear like an interface between the real world and a world of dreams. The colors are both vivid and transparent. They oscillate, like twilight, between shadow and light. […]
Even if they may appear dreamy and fairytale-like at first glance, these paintings can also be questioned with regard to female identity and the perception of women in present-day society. Which role models are hidden behind these representations? Are these women consciously acting as seductresses or are they involuntary vehicles for projections and wishful thinking? […]
The women Barbara Petzold creates are caught up in dreams, but never absent, elusive, yet not insubstantial. They are simultaneously seductive and vulnerable. Their bodies are like dreams, memories, or fantasies. And just like these, they might disappear at any moment.”
[Anja Szech, in: Cat. "Hidden Persuasions" 2010, S. 2]
Barbara Petzold, born in 1971, studied at Düsseldorfer Kunstakademie ( Prof. Rissa). Solo- and group exhibitions (selection) at Kunsthalle Koblenz, camera artis, München, Bartlemas Chapel Oxford, Oranjekerk, Amsterdam, Temporäre Kunsthalle Friedrichshain, Berlin, Margo Art Gallery Moskow
For further information please contact the gallery.
Vernissage: Donnerstag, 27. Mai 2010, 19 bis 21 Uhr
Die Künstlerin ist anwesend
Nach den erfolgreichen Einzelausstellungen „Look at me“ und „Waldstücke“ präsentiert die Galerie Hengevoss-Dürkop neue Arbeiten der Düsseldorfer Malerin Barbara Petzold. Thematisch knüpfen diese an die vergangenen Serien an, erneut begegnet der Betrachter denselben Frauen und Mädchen. Wie eine moderne Ophelia liegt eine junge Frau im rosafarbenen Kleid auf einer Astgabel, ihr Gesicht nicht mehr als ein Hauch, der sich hinter den Farbschichten verliert. In einem dunklen Raum läuft eine blauviolette, schmale weibliche Gestalt links aus dem Bild und blickt über ihre Schulter einem Vogel hinterher, der aus seinem Käfig geflohen ist. In ihrer eindrücklichen Technik der Schichtung von opaken und transparenten Farbflächen lässt Petzold die Figuren durchs Bild schweben oder bettet sie in ein schemenhaftes Umfeld, so dass der Eindruck entsteht, man hätte sie nur flüchtig im Vorbeifahren gesehen. Die Farben in Petzolds Bildern spielen die eigentliche Hauptrolle, sie geben und sie nehmen die Form, sie verstecken und sie entblößen, sie zeichnen Licht und Schatten, sie schaffen und sie verschleiern Raumverhältnisse. Petzolds virtuoser Umgang mit Farbe deckt sich mit den Inhalten, die vom Kind-Sein genauso handeln wie vom Erwachsenenleben, vom Spiel mit Pusteblumen wie von Hochzeitsbanketten, von Goldfischen wie von Geishas, von Verletzungen, Bedrohungen und Angst, wie von selbstverliebter Inszenierung und selbstbewusstem Posieren.
Barbara Petzold, geb. 1971, studierte an der Düsseldorfer Kunstakademie (bei Prof. Rissa). Einzel- und Gruppenausstellungen u.a. in der Kunsthalle Koblenz, camera artis, München, Bartlemas Chapel Oxford, Oranjekerk, Amsterdam, Temporäre Kunsthalle Friedrichshain, Berlin, Margo Art Gallery Moskau.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
Barbara Petzold, paintings
Opening reception: may 27 2010
Duration of the exhibition may 28 to july 8, 2010
“Mysterious women inhabit Barbara Petzold’s pictorial worlds. One might encounter these on the street, at the beach, in bars, in the water, in the forest, in commonplace and less commonplace locations: magical beings, which seem to emerge floatingly from the realms of color created by delicate schemes of light. […]
The painting technique contributes to the fragility and sensuality of the figures. In a time-consuming procedure, involving complex brushwork, the color is applied onto the surface in multiple layers. Whether using deep blue, brown, or violet, in the case of the enclosed spaces to be seen in the early series, or the subtle yet intensive green hues to be found in the open spaces of nature represented in the more recent series, the tones of color employed by the artist evoke the notion of keen, unfathomable depths. The paintings appear like an interface between the real world and a world of dreams. The colors are both vivid and transparent. They oscillate, like twilight, between shadow and light. […]
Even if they may appear dreamy and fairytale-like at first glance, these paintings can also be questioned with regard to female identity and the perception of women in present-day society. Which role models are hidden behind these representations? Are these women consciously acting as seductresses or are they involuntary vehicles for projections and wishful thinking? […]
The women Barbara Petzold creates are caught up in dreams, but never absent, elusive, yet not insubstantial. They are simultaneously seductive and vulnerable. Their bodies are like dreams, memories, or fantasies. And just like these, they might disappear at any moment.”
[Anja Szech, in: Cat. "Hidden Persuasions" 2010, S. 2]
Barbara Petzold, born in 1971, studied at Düsseldorfer Kunstakademie ( Prof. Rissa). Solo- and group exhibitions (selection) at Kunsthalle Koblenz, camera artis, München, Bartlemas Chapel Oxford, Oranjekerk, Amsterdam, Temporäre Kunsthalle Friedrichshain, Berlin, Margo Art Gallery Moskow
For further information please contact the gallery.
Dirk Brömmel
"Villa Tugendhat" - Fotografie
25.03.2010
-
02.05.2010
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Vernissage : Donnerstag, 25. März 2010, 19.00 bis 21.00 Uhr
Der Künstler ist anwesend.
Nach der erfolgreichen Schiffporträt-Serie „kopfüber“ zeigt die Galerie Hengevoss-Dürkop in ihrer zweiten Einzelausstellung mit Dirk Brömmel die „Villa Tugendhat“ (Brünn/Tschechien). 1930 von Mies van der Rohe errichtet, zählt die Villa heute zu den bedeutendsten Bauten der Moderne. In seinen Fotografien lässt Brömmel die Anfänge der Villa wiederauferstehen, indem er Privataufnahmen der Auftragsfamilie mit seinen eigenen Aufnahmen der Originalschauplätze überlagert. Die Villa der Familie Tugendhat, die 1938 zunächst in die Schweiz emigrierte, ist nach wechselhafter, politisch einschlägiger Geschichte seit 1994 der Öffentlichkeit zugänglich und heute soweit wie möglich in ihren Originalzustand zurückversetzt. Die Werke bekommen in der Überblendung von historischer Privataufnahme und moderner Architekturfotografie, die zunächst an die Becher-Schule erinnert, eine eigene Faszination.
Nominiert für den Merck-Preis der Darmstädter Tage der Fotografie 2010.
Ein Katalog zur Ausstellung ist erschienen.
Opening reception in the presence of the artist: Thursday, March 25, 2010
Duration of the exhibition: March 26 to May 2, 2010
After presenting his successful ship portrait series kopfüber (headfirst), in the second solo exhibition dedicated to Dirk Brömmel Hengevoss-Dürkop gallery will show the artist’s latest photographic series Villa Tugendhat (Brno/Czech Republic). Constructed in 1930 by Mies van der Rohe, today Villa Tugendhat is considered one of the architectural epitomes of modernism. In his photographs, Brömmel revives the early history of the villa by superimposing his own representations of the site upon the private images photographed by the original owners of the building. After a complex history determined by the dark events of the Nazi era, the villa owned by the Tugendhat family, which emigrated to Switzerland in 1938, has in the meantime been largely reconverted into its original condition and has been accessible to the public since 1994. In the conflation of historical private images and modern architectural photography, which call to mind formal aspects of the Becher School, the works create their own, very unique fascination.
Nominated for the Merck Award in the context of the Darmstädter Tage der Fotografie, 2010.
A catalogue is available.
For further information please contact the Gallery.
Vernissage : Donnerstag, 25. März 2010, 19.00 bis 21.00 Uhr
Der Künstler ist anwesend.
Nach der erfolgreichen Schiffporträt-Serie „kopfüber“ zeigt die Galerie Hengevoss-Dürkop in ihrer zweiten Einzelausstellung mit Dirk Brömmel die „Villa Tugendhat“ (Brünn/Tschechien). 1930 von Mies van der Rohe errichtet, zählt die Villa heute zu den bedeutendsten Bauten der Moderne. In seinen Fotografien lässt Brömmel die Anfänge der Villa wiederauferstehen, indem er Privataufnahmen der Auftragsfamilie mit seinen eigenen Aufnahmen der Originalschauplätze überlagert. Die Villa der Familie Tugendhat, die 1938 zunächst in die Schweiz emigrierte, ist nach wechselhafter, politisch einschlägiger Geschichte seit 1994 der Öffentlichkeit zugänglich und heute soweit wie möglich in ihren Originalzustand zurückversetzt. Die Werke bekommen in der Überblendung von historischer Privataufnahme und moderner Architekturfotografie, die zunächst an die Becher-Schule erinnert, eine eigene Faszination.
Nominiert für den Merck-Preis der Darmstädter Tage der Fotografie 2010.
Ein Katalog zur Ausstellung ist erschienen.
Opening reception in the presence of the artist: Thursday, March 25, 2010
Duration of the exhibition: March 26 to May 2, 2010
After presenting his successful ship portrait series kopfüber (headfirst), in the second solo exhibition dedicated to Dirk Brömmel Hengevoss-Dürkop gallery will show the artist’s latest photographic series Villa Tugendhat (Brno/Czech Republic). Constructed in 1930 by Mies van der Rohe, today Villa Tugendhat is considered one of the architectural epitomes of modernism. In his photographs, Brömmel revives the early history of the villa by superimposing his own representations of the site upon the private images photographed by the original owners of the building. After a complex history determined by the dark events of the Nazi era, the villa owned by the Tugendhat family, which emigrated to Switzerland in 1938, has in the meantime been largely reconverted into its original condition and has been accessible to the public since 1994. In the conflation of historical private images and modern architectural photography, which call to mind formal aspects of the Becher School, the works create their own, very unique fascination.
Nominated for the Merck Award in the context of the Darmstädter Tage der Fotografie, 2010.
A catalogue is available.
For further information please contact the Gallery.
Amina Broggi, Julien Roux, Ransome Stanley, Martin Schneider, Dirk Brömmel
ACCROCHAGE - Malerei, Zeichnung, Fotografie, Relief
07.01.2010
-
03.03.2010
Das neue Jahr beginnt die Galerie mit einer Retrospektive. 2009 war im Hinblick auf unsere Ausstellungen und Künstler ein vielfältiges und reiches Jahr mit vielen starken Arbeiten, die wir Ihnen jetzt in einer anderen Auswahl zeigen möchten. Dabei werden auch einige neue Arbeiten zu sehen sein, so ein Werk aus der jüngsten Serie der liechtensteinischen Künstlerin Amina Broggi, die mit ihren ungewöhnlichen Themen des Lebens und ihrer besonderen Ästhetik der Verlockung in den Bann zieht. Der französische Künstler Julien Roux, der im März die Stirnwand der Galerie mit einer ephemeren Wandzeichnung bedeckte, wird erneut mit noch nicht gezeigten Arbeiten seiner filigranen und zugleich wirkungsmächtigen Zeichnungen vertreten sein. Ransome Stanleys "Köpfe", kräftige Acryl-Zeichnungen auf Karton, treten durch die neue Hängung in ein spannendes Verhältnis zu den MDF-Reliefs des in Hamburg lebenden Künstlers Martin Schneider. Seine Porträts der "Obama's People" verabschiedeten das alte Jahr. Die Gattung Fotografie vertritt in dieser "Accrochage" Dirk Brömmel, dessen Schiffsporträts nicht nur in der Hamburger Kunstwelt bereits einen besonderen Platz eingenommen haben.
Wir laden Sie herzlich ein zu unserem Galerieabend am 5. Februar 2010 von 19 - 21 Uhr
Wir laden Sie herzlich ein zu unserem Galerieabend am 5. Februar 2010 von 19 - 21 Uhr
Martin Schneider
Obama's People - Reliefs
06.11.2009
-
12.12.2009
scroll down for english version
Martin Schneider (geb. 1958 in Bingen am Rhein), der bisher nur durch wenige Ausstellungen bekannt ist, arbeitet bevorzugt von Beginn seiner Tätigkeit an als Bildhauer mit Holz, seit ca. 10 Jahren mit dem Werkstoff MDF. Anders als gewachsenes Holz hat dieses industriell hergestellte und zumeist zum Möbelbau genutzte Material immer dieselbe Struktur, einen neutralen, nüchternen Charakter. In „Obama’s People“ geht der Künstler überwiegend von Foto-Strecken aus, die kurz nach der Einsetzung des amerikanischen Präsidenten dessen Beraterteam vorstellten. Indem Martin Schneider diese Zeitungsbilder in lebens- und überlebensgroße MDF-Reliefs umsetzt, entschlüsselt er die Bildinformation der Fotografien und setzt sie in eine Art Zwischenraum, in der die Personen eine eigenartige Rückübersetzung ins Lebendige erfahren. Die Serie ist, wie schon frühere Arbeiten, eine Reaktion des Künstlers auf tagespolitische Ereignisse. Sei es sein Grauen über die schockierenden Nachrichten aus Abu Ghuraib (Irak) oder sei es, wie in dieser Serie, die eigene Begeisterung über den Führungswechsel in den USA: Martin Schneiders Arbeiten hinterfragen Wahrnehmung und Bilddifferenzen, wie Strategien von Pressefotos sich in einem Material wie MDF manifestieren. Ein Material, das an sich jeden Charakter eher verweigert. Überraschenderweise ist festzustellen, dass es doch Ikonen produziert.
Martin Schneider studierte an der Akademie der Künste in Karlsruhe, DAAD Stipendium nach Vancouver/Canada, Graduiertenstipendium des Landes Baden-Württemberg; lebt und arbeitet seit 2004 in Hamburg; Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u.a. "Gewalt der Gegenwart", Badischer Kunstverein, Karlsruhe (1992); Agentur für zeitgenössische Kunst, C. Grau, Hamburg (1997), Palais für aktuelle Kunst, Glückstadt (2002); Lange Nacht der Museen, Deichtorhallen (2007); "Marylin" Galerie Levy, Hamburg (2009); Arbeiten im Besitz der Städtischen Galerie Karlsruhe, Sammlung Harald Falckenberg, Kunsthalle Hamburg.
Martin Schneider—Obama's People
Reliefs
Duration of the exhibition: November 6-December 13, 2009
Martin Schneider (born in 1958 in Bingen on the Rhine), who as yet is known to a fairly small audience, began his sculptural career with a preference for working with wood, shifting to MDF about ten years ago. In contrast to organic wood, this industrially manufactured material, used mostly for the construction of furniture, has a consistent structure and a neutral, bland character. In Obama’s People, the artist predominantly draws upon photographic images, which introduced to the public the team of advisors surrounding the American president shortly after his inauguration. In transposing these newspaper images into MDF relief panels, which are life-size or larger than life, Martin Schneider deciphers the pictorial information of the photographs and places them into a kind of intermediate zone, where the depicted persons undergo a peculiar retranslation into real life. As already in earlier works, the artist is responding to current events as well in this group of compositions. Whether he is expressing his horror at the shocking news about Abu Ghraib in Iraq or, as in this series, he is conveying his personal enthusiasm about the change of leadership in the United States: Martin Schneider’s works question matters pertaining to perception and to pictorial differences, while simultaneously exploring how the strategies of press photos manifest themselves in a material such as MDF—a material that in itself is largely devoid of character. However, as may be observed, it does indeed produce icons of a surprising visual impact.
Martin Schneider studied at the Academy of Fine Arts in Karlsruhe; he held a DAAD residency in Vancouver/Canada and was awarded a graduate scholarship by the Land Baden-Württemberg; Schneider has been residing and working in Hamburg since 2004; His work has been presented in various exhibitions, among others, in Gewalt der Gegenwart, Badischer Kunstverein, Karlsruhe (1992); Agentur für zeitgenössische Kunst, Chistoph Grau, Hamburg (1997); Palais für aktuelle Kunst, Glückstadt (2002); Lange Nacht der Museen, Deichtorhallen (2007); Life as a Legend: Marilyn Monroe, Kunsthaus Hamburg (2003); works of the artist are in the collection of the Städtische Galerie Karlsruhe, the Harald Falckenberg Collection, Hamburg, and the collection of the Kunsthalle Hamburg.
Martin Schneider (geb. 1958 in Bingen am Rhein), der bisher nur durch wenige Ausstellungen bekannt ist, arbeitet bevorzugt von Beginn seiner Tätigkeit an als Bildhauer mit Holz, seit ca. 10 Jahren mit dem Werkstoff MDF. Anders als gewachsenes Holz hat dieses industriell hergestellte und zumeist zum Möbelbau genutzte Material immer dieselbe Struktur, einen neutralen, nüchternen Charakter. In „Obama’s People“ geht der Künstler überwiegend von Foto-Strecken aus, die kurz nach der Einsetzung des amerikanischen Präsidenten dessen Beraterteam vorstellten. Indem Martin Schneider diese Zeitungsbilder in lebens- und überlebensgroße MDF-Reliefs umsetzt, entschlüsselt er die Bildinformation der Fotografien und setzt sie in eine Art Zwischenraum, in der die Personen eine eigenartige Rückübersetzung ins Lebendige erfahren. Die Serie ist, wie schon frühere Arbeiten, eine Reaktion des Künstlers auf tagespolitische Ereignisse. Sei es sein Grauen über die schockierenden Nachrichten aus Abu Ghuraib (Irak) oder sei es, wie in dieser Serie, die eigene Begeisterung über den Führungswechsel in den USA: Martin Schneiders Arbeiten hinterfragen Wahrnehmung und Bilddifferenzen, wie Strategien von Pressefotos sich in einem Material wie MDF manifestieren. Ein Material, das an sich jeden Charakter eher verweigert. Überraschenderweise ist festzustellen, dass es doch Ikonen produziert.
Martin Schneider studierte an der Akademie der Künste in Karlsruhe, DAAD Stipendium nach Vancouver/Canada, Graduiertenstipendium des Landes Baden-Württemberg; lebt und arbeitet seit 2004 in Hamburg; Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u.a. "Gewalt der Gegenwart", Badischer Kunstverein, Karlsruhe (1992); Agentur für zeitgenössische Kunst, C. Grau, Hamburg (1997), Palais für aktuelle Kunst, Glückstadt (2002); Lange Nacht der Museen, Deichtorhallen (2007); "Marylin" Galerie Levy, Hamburg (2009); Arbeiten im Besitz der Städtischen Galerie Karlsruhe, Sammlung Harald Falckenberg, Kunsthalle Hamburg.
Martin Schneider—Obama's People
Reliefs
Duration of the exhibition: November 6-December 13, 2009
Martin Schneider (born in 1958 in Bingen on the Rhine), who as yet is known to a fairly small audience, began his sculptural career with a preference for working with wood, shifting to MDF about ten years ago. In contrast to organic wood, this industrially manufactured material, used mostly for the construction of furniture, has a consistent structure and a neutral, bland character. In Obama’s People, the artist predominantly draws upon photographic images, which introduced to the public the team of advisors surrounding the American president shortly after his inauguration. In transposing these newspaper images into MDF relief panels, which are life-size or larger than life, Martin Schneider deciphers the pictorial information of the photographs and places them into a kind of intermediate zone, where the depicted persons undergo a peculiar retranslation into real life. As already in earlier works, the artist is responding to current events as well in this group of compositions. Whether he is expressing his horror at the shocking news about Abu Ghraib in Iraq or, as in this series, he is conveying his personal enthusiasm about the change of leadership in the United States: Martin Schneider’s works question matters pertaining to perception and to pictorial differences, while simultaneously exploring how the strategies of press photos manifest themselves in a material such as MDF—a material that in itself is largely devoid of character. However, as may be observed, it does indeed produce icons of a surprising visual impact.
Martin Schneider studied at the Academy of Fine Arts in Karlsruhe; he held a DAAD residency in Vancouver/Canada and was awarded a graduate scholarship by the Land Baden-Württemberg; Schneider has been residing and working in Hamburg since 2004; His work has been presented in various exhibitions, among others, in Gewalt der Gegenwart, Badischer Kunstverein, Karlsruhe (1992); Agentur für zeitgenössische Kunst, Chistoph Grau, Hamburg (1997); Palais für aktuelle Kunst, Glückstadt (2002); Lange Nacht der Museen, Deichtorhallen (2007); Life as a Legend: Marilyn Monroe, Kunsthaus Hamburg (2003); works of the artist are in the collection of the Städtische Galerie Karlsruhe, the Harald Falckenberg Collection, Hamburg, and the collection of the Kunsthalle Hamburg.
Dirk Brömmel, Stefan Kiess, Barbara Petzold
Fotografie und Malerei
12.09.2009
-
09.10.2009
VISIONS
Dirk Brömmel – Stefan Kiess – Barbara Petzold
Fotografie und Malerei
Vernissage 11. September 19-21h
Die Schiffsporträts von Dirk Brömmel umfassen auch eine Serie zu venezianischen Gondeln. Von den Brücken Venedigs setzt der Wiesbadener Künstler aus vielen Aufnahmen auf die vorübergleitenden Gondeln jene eine ideale glatte Aufsicht zusammen, die das Deck mit Gondoliere und Passagieren in eine zeitlose Ikone verwandeln. Vor weissem oder schwarzem Hintergrund freigestellt, hinter Acryl montiert bekommen die Farben eine Brillanz, die alle Vorstellungen morbider Eleganz der Stadt auf erfrischende Art umdeutet.
Die „fotografischen Arbeiten über Architektur“ von dem Berliner Künstler Stefan Kiess haben seit Jahren nicht mehr bestimmte Bauten zum Thema. Schon in seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie im Rahmen der ersten Triennale der Fotografie in Hamburg, in der er den Ausblick aus den 3m hohen Industriefenstern auf die City Hochhäuser 1 : 1 an der gegenüberliegenden Galerien-Wand nicht rekon-, sondern dekonstruierte, begann er seine Negative in Montagen zu „Bildern“ im klassischen Sinne zu verarbeiten. Die in der Ausstellung präsentierte Reihe „Finisterre“ (2007 ff) meint in keinster Weise mehr einen geographischen Ort. „Finisterre“ ist nur noch Thema, die Vorstellung des Endes der Welt, das Kiess mit Signaturen des Untergangs der Architektur beschreibt. Die vom Künstler selbst produzierten Fotografien, Silbergelatine Prints auf Baumwollkarton mit Selentönung sind andererseits so hochwertig, dass das Thema wie ein „Et ego in Arcadia“, eine Erinnerung an die Vergänglichkeit und den Tod in einer überschwelgenden Gegenwart erfahren wird.
Ephemere Lichtmomente sind von Anfang an Hauptthema der Arbeiten von der Düsseldorferin Barbara Petzold. In einer ihr eigenen Technik, u. a. der Überlagerung vieler verdünnter Ölschichten, wobei die meist weibliche Dargestellte immer wieder mit der Hintergrundfarbe überstrichen wird, erreicht sie besondere diffuse Lichtverhältnisse, wie sie im Zwielicht von Morgen und Abenddämmerung, im Gegenlicht, im Nebel, im Wasser oder im Unterholz vorkommen. In ihrer neuesten Serie „Dutch Bride“ spielen erstmals persönliche Erlebnisse eine Rolle.
Dirk Brömmel – Stefan Kiess – Barbara Petzold
Fotografie und Malerei
Vernissage 11. September 19-21h
Die Schiffsporträts von Dirk Brömmel umfassen auch eine Serie zu venezianischen Gondeln. Von den Brücken Venedigs setzt der Wiesbadener Künstler aus vielen Aufnahmen auf die vorübergleitenden Gondeln jene eine ideale glatte Aufsicht zusammen, die das Deck mit Gondoliere und Passagieren in eine zeitlose Ikone verwandeln. Vor weissem oder schwarzem Hintergrund freigestellt, hinter Acryl montiert bekommen die Farben eine Brillanz, die alle Vorstellungen morbider Eleganz der Stadt auf erfrischende Art umdeutet.
Die „fotografischen Arbeiten über Architektur“ von dem Berliner Künstler Stefan Kiess haben seit Jahren nicht mehr bestimmte Bauten zum Thema. Schon in seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie im Rahmen der ersten Triennale der Fotografie in Hamburg, in der er den Ausblick aus den 3m hohen Industriefenstern auf die City Hochhäuser 1 : 1 an der gegenüberliegenden Galerien-Wand nicht rekon-, sondern dekonstruierte, begann er seine Negative in Montagen zu „Bildern“ im klassischen Sinne zu verarbeiten. Die in der Ausstellung präsentierte Reihe „Finisterre“ (2007 ff) meint in keinster Weise mehr einen geographischen Ort. „Finisterre“ ist nur noch Thema, die Vorstellung des Endes der Welt, das Kiess mit Signaturen des Untergangs der Architektur beschreibt. Die vom Künstler selbst produzierten Fotografien, Silbergelatine Prints auf Baumwollkarton mit Selentönung sind andererseits so hochwertig, dass das Thema wie ein „Et ego in Arcadia“, eine Erinnerung an die Vergänglichkeit und den Tod in einer überschwelgenden Gegenwart erfahren wird.
Ephemere Lichtmomente sind von Anfang an Hauptthema der Arbeiten von der Düsseldorferin Barbara Petzold. In einer ihr eigenen Technik, u. a. der Überlagerung vieler verdünnter Ölschichten, wobei die meist weibliche Dargestellte immer wieder mit der Hintergrundfarbe überstrichen wird, erreicht sie besondere diffuse Lichtverhältnisse, wie sie im Zwielicht von Morgen und Abenddämmerung, im Gegenlicht, im Nebel, im Wasser oder im Unterholz vorkommen. In ihrer neuesten Serie „Dutch Bride“ spielen erstmals persönliche Erlebnisse eine Rolle.
Amina Broggi
"LOST AND FOUND" - MALEREI
08.05.2009
-
20.06.2009
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AMINA BROGGI
"lost and found"
Malerei
Vernissage Do. 7. Mai 19 bis 21 Uhr
Ausstellungsdauer 8. Mai bis 20. Juni
Es ist ein bekanntes Phänomen, dass suizidgefährdete Personen sich vorstellen, wie sie aussehen, wenn sie gefunden werden. Dies war ein Thema, das Amina Broggi in der Serie "abgewandt" verfolgte; faszinierend schockierend zugleich, weil die fröhliche Farbigkeit den Schrecken der Gedanken übertüncht, weil sie in der glatten Ästhetik die Verlockungen vorführt, ohne in der Semantik der Bilder die Gefahren zu vernachlässigen, weil sie ein altes Thema der Wiener Sezession sehr zeitgemäß aufgreift: die Erotik des Sterbens im heutigen Medien-Zeitalter, das in der Werbung wie in der Berichterstattung ohne manipulierte Bilder nicht mehr auskommt. "abgewandt" zeigt ausschliesslich junge Frauen als Rückenakt, als Porträt in extremer Auf- oder Untersicht, im Close up, die vor allem schön sind.
Amina Broggi befasste sich nicht nur in dieser Serie mit aussergewöhnlichen Facetten von Leben und Tod in der Gesellschaft des 21. Jahrhunderts. In ihrer "Pigeons-Serie" erhob sie in einer zeitlosen, in sich ruhenden Atmosphäre blendender Stillleben die unschöne Realität von Tauben in der Großstadt zum Faszinosum. Ob mit Gummihandschuhen die Schwungfedern einer Taube gespreizt werden, diese verstümmelt im Rinnstein liegt oder gerade munter auf einer auf dem Boden stehenden Lederhandtasche gelandet ist, immer schwingt wie auf Tierstillleben die Metaphorik des Überflusses im negativen wie im positiven Sinne mit und wirkt als ein Lehrbild über das Leben schlechthin.
Der Anblick einer gestrandeten Ladung von Puppen im Hafen von Accra in Ghana gab den Anstoß zu ihrer neuesten Serie Glaskinder. Hier sind es nicht mehr Lebewesen, sondern, quasi diese stellvertretend, Puppen, die die Bilder bevölkern. Broggi spießte die Fragmente am Strand auf und fotografierte sie, um diese Aufnahmen für ihre Bildkompositionen im Atelier zu nutzen. Zurück in Berlin beschaffte sie sich auch fabrikneue Puppen und nutzte sie als Modelle für ihre Leinwände, die im Atelier entstanden. Die Glaskinder stehen für die Künstlerin für die schmerzhafte Entwicklung vom Kind zum Erwachsenen, zu Kopfmenschen, wie Amina Broggi sagt, eine Entwicklung, die vom Betrachter als ein Durchwandern von Tatorten auf den Bildern erfahren wird.
Die 1980 in Altstätten in der Schweiz geborene und in Fürstentum Liechtenstein aufgewachsene Künstlerin Amina Broggi studierte an der Universität für angewandte Kunst in Wien. 2007 erhielt sie ihr Diplom. Sie lebt und arbeitet in Wien und Berlin. Zahlreiche Ausstellungen, darunter 2005 "Real - Junges Österreich" Kunsthalle Krems, 2005 "emerging artists: hotspots", Sammlung Essl, Klosterneuburg, 2007 "exitus. tod alltäglich", Künstlerhaus Wien.
AMINA BROGGI
"lost and found"
Paintings
Opening reception: Thursday, May 7, 2009, 7-9 pm
Duration of the exhibition: May 8 through June 20, 2009
It is a familiar phenomenon that suicidal individuals tend to envision what they might look like at the moment in which they are found. This is one of the central issues, which Amina Broggi pursues in her series abgewandt (averted) a group of works that is fascinating and shocking in equal measure because its exuberant colorfulness covers up the horror of the subject matter, because enticements are presented in a sleek aesthetic without disregarding the potential dangers in the semantics of the images, and because it reenergizes an old theme of the Vienna Secession in a highly contemporary manner: the eroticism of death in todays media age which in our time depends on manipulated images in both the fields of advertising and news coverage. The series abgewandt exclusively features close-ups of young nude women, which are primarily beautiful and are depicted from the back and from an extreme high or low angle.
Amina Broggi has not only dealt with unusual facets of life and death in the 21rst century in this particular series. In her series of Pigeons, she elevates the unpleasant reality of big city pigeon plagues to intriguing scenarios in the timeless, meditative atmosphere of radiant still lifes. Whether the wing feathers of a pigeon are being spread apart with rubber gloves, a maimed pigeon is lying in the gutter or has only just jauntily landed on a leather handbag standing on the ground: as in animal still lifes, the symbolism of abundance is always resonant in a both negative and positive sense, appearing like a paradigm of life itself.
The experience of observing a stranded shipment of dolls in the harbor of Accra in Ghana gave the artist the impulse for her latest series Glaskinder (Glass Children). Here, the images are no longer inhabited by living entities but rather, as quasi substitutes, by dolls. Broggi gathered up the fragments on the beach and photographed them, using these images in the production of pictorial compositions in her studio. Back in Berlin, where the artist resides, she also acquired brand-new dolls, employing them as models for her paintings. For Amina Broggi, the Glass Children stand for the painful development from childhood to adulthood, to the state of being a mental being, as she states a development that in the paintings is made palpable to the viewers as a journey traversing sites of crime.
The artist Amina Broggi, who was born in 1980 in Altstätten in Switzerland and grew up in the Principality of Liechtenstein, studied at the University of Applied Arts in Vienna. She received her diploma in 2007, and works and resides in Vienna and Berlin. Amina Broggi has participated in numerous exhibitions, among others, in Real - Junges Österreich, Kunsthalle Krems (2005), emerging artists: hotspots, Sammlung Essl, Klosterneuburg (2005), exitus. tod alltäglich, Künstlerhaus Wien (2007).
AMINA BROGGI
"lost and found"
Malerei
Vernissage Do. 7. Mai 19 bis 21 Uhr
Ausstellungsdauer 8. Mai bis 20. Juni
Es ist ein bekanntes Phänomen, dass suizidgefährdete Personen sich vorstellen, wie sie aussehen, wenn sie gefunden werden. Dies war ein Thema, das Amina Broggi in der Serie "abgewandt" verfolgte; faszinierend schockierend zugleich, weil die fröhliche Farbigkeit den Schrecken der Gedanken übertüncht, weil sie in der glatten Ästhetik die Verlockungen vorführt, ohne in der Semantik der Bilder die Gefahren zu vernachlässigen, weil sie ein altes Thema der Wiener Sezession sehr zeitgemäß aufgreift: die Erotik des Sterbens im heutigen Medien-Zeitalter, das in der Werbung wie in der Berichterstattung ohne manipulierte Bilder nicht mehr auskommt. "abgewandt" zeigt ausschliesslich junge Frauen als Rückenakt, als Porträt in extremer Auf- oder Untersicht, im Close up, die vor allem schön sind.
Amina Broggi befasste sich nicht nur in dieser Serie mit aussergewöhnlichen Facetten von Leben und Tod in der Gesellschaft des 21. Jahrhunderts. In ihrer "Pigeons-Serie" erhob sie in einer zeitlosen, in sich ruhenden Atmosphäre blendender Stillleben die unschöne Realität von Tauben in der Großstadt zum Faszinosum. Ob mit Gummihandschuhen die Schwungfedern einer Taube gespreizt werden, diese verstümmelt im Rinnstein liegt oder gerade munter auf einer auf dem Boden stehenden Lederhandtasche gelandet ist, immer schwingt wie auf Tierstillleben die Metaphorik des Überflusses im negativen wie im positiven Sinne mit und wirkt als ein Lehrbild über das Leben schlechthin.
Der Anblick einer gestrandeten Ladung von Puppen im Hafen von Accra in Ghana gab den Anstoß zu ihrer neuesten Serie Glaskinder. Hier sind es nicht mehr Lebewesen, sondern, quasi diese stellvertretend, Puppen, die die Bilder bevölkern. Broggi spießte die Fragmente am Strand auf und fotografierte sie, um diese Aufnahmen für ihre Bildkompositionen im Atelier zu nutzen. Zurück in Berlin beschaffte sie sich auch fabrikneue Puppen und nutzte sie als Modelle für ihre Leinwände, die im Atelier entstanden. Die Glaskinder stehen für die Künstlerin für die schmerzhafte Entwicklung vom Kind zum Erwachsenen, zu Kopfmenschen, wie Amina Broggi sagt, eine Entwicklung, die vom Betrachter als ein Durchwandern von Tatorten auf den Bildern erfahren wird.
Die 1980 in Altstätten in der Schweiz geborene und in Fürstentum Liechtenstein aufgewachsene Künstlerin Amina Broggi studierte an der Universität für angewandte Kunst in Wien. 2007 erhielt sie ihr Diplom. Sie lebt und arbeitet in Wien und Berlin. Zahlreiche Ausstellungen, darunter 2005 "Real - Junges Österreich" Kunsthalle Krems, 2005 "emerging artists: hotspots", Sammlung Essl, Klosterneuburg, 2007 "exitus. tod alltäglich", Künstlerhaus Wien.
AMINA BROGGI
"lost and found"
Paintings
Opening reception: Thursday, May 7, 2009, 7-9 pm
Duration of the exhibition: May 8 through June 20, 2009
It is a familiar phenomenon that suicidal individuals tend to envision what they might look like at the moment in which they are found. This is one of the central issues, which Amina Broggi pursues in her series abgewandt (averted) a group of works that is fascinating and shocking in equal measure because its exuberant colorfulness covers up the horror of the subject matter, because enticements are presented in a sleek aesthetic without disregarding the potential dangers in the semantics of the images, and because it reenergizes an old theme of the Vienna Secession in a highly contemporary manner: the eroticism of death in todays media age which in our time depends on manipulated images in both the fields of advertising and news coverage. The series abgewandt exclusively features close-ups of young nude women, which are primarily beautiful and are depicted from the back and from an extreme high or low angle.
Amina Broggi has not only dealt with unusual facets of life and death in the 21rst century in this particular series. In her series of Pigeons, she elevates the unpleasant reality of big city pigeon plagues to intriguing scenarios in the timeless, meditative atmosphere of radiant still lifes. Whether the wing feathers of a pigeon are being spread apart with rubber gloves, a maimed pigeon is lying in the gutter or has only just jauntily landed on a leather handbag standing on the ground: as in animal still lifes, the symbolism of abundance is always resonant in a both negative and positive sense, appearing like a paradigm of life itself.
The experience of observing a stranded shipment of dolls in the harbor of Accra in Ghana gave the artist the impulse for her latest series Glaskinder (Glass Children). Here, the images are no longer inhabited by living entities but rather, as quasi substitutes, by dolls. Broggi gathered up the fragments on the beach and photographed them, using these images in the production of pictorial compositions in her studio. Back in Berlin, where the artist resides, she also acquired brand-new dolls, employing them as models for her paintings. For Amina Broggi, the Glass Children stand for the painful development from childhood to adulthood, to the state of being a mental being, as she states a development that in the paintings is made palpable to the viewers as a journey traversing sites of crime.
The artist Amina Broggi, who was born in 1980 in Altstätten in Switzerland and grew up in the Principality of Liechtenstein, studied at the University of Applied Arts in Vienna. She received her diploma in 2007, and works and resides in Vienna and Berlin. Amina Broggi has participated in numerous exhibitions, among others, in Real - Junges Österreich, Kunsthalle Krems (2005), emerging artists: hotspots, Sammlung Essl, Klosterneuburg (2005), exitus. tod alltäglich, Künstlerhaus Wien (2007).
Julien Roux
APOCALYPSES (NEW YORK SERIES), ZEICHNUNGEN UND WANDMALEREI
27.03.2009
-
30.04.2009
Julien Roux (geb. 1978 in Salanches, Frankreich) studierte in der Klasse von Annette Messager an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. 2004 erhielt er ein Diplom mit Auszeichnung sowie den Collin Lefranc-Preis für gegenständliche Malerei. Während seiner Reisen nach China, Südkorea, New York und Israel entstanden viele seiner Zeichnungen, wobei jeder Ort sein Werk auf besondere Weise prägte. 2003/2004 in China fertigte er auf fragilem Chinapapier Hunderte von Zeichnungen mit roter und schwarzer chinesischer Tusche, die Eindrücke in kalligraphischer Verkürzung als tagebuchartige Notizen festhielten. 2005 und 2006 in New York folgten mit schwarzer Tinte auf weißem Karton und in einem Reisebuch gezeichnete ebenso pointiert wiedergegebene Momente, die jedoch szenischer aufgebaut sind und erstmals realisierte der Künstler auch monumentale Wandmalereien. Politische Karikatur vermischt sich mit Komik und surrealen, häufig poetischen Erinnerungen. Dabei geht es um Fragmentierung der Realität, um den Moment, in der eine Idee sichtbar wird, um die Reduktion auf das Wesentliche, die dem Betrachter Raum lässt, seine eigenen Anschauungen und Gedanken zu entfalten.
Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die Apocalypses-Blätter aus der New York-Serie von 2008 und eine monumentale Zeichnung auf der Stirnwand der Galerie. In den zirkushaften Szenarien der Apocalypses-Blätter scheinen alle Größen- und Raumordnungen außer Kraft gesetzt und zeigen NY-City als einen überbordenden Moloch. Sei es, dass ein riesenhafter Geschäftsmann im Getöse der Stadt Idiotenflipper spielt, wobei der Automat die Energie eines ganzen Atomkraftwerks benötigt. Oder sei es, dass ein Mann sich an einer Flasche Secret of Happyness so betrunken hat, dass er, wie Gulliver auf der Insel Liliput, in den Häuserschluchten eingeschlafen ist. Flugzeuge durchkreuzen drohend und an 9/11 gemahnend die Szenerie. Ein kolossartiger Mexikaner, auf einem Elefanten sitzend, spielt auf einem Piano, dessen Inneres aus menschlichem Gedärm besteht.
Der Künstler pointiert Globalisierung, Verkehrschaos, die Medien als einen Hauptinvestor des Terrors, Sicherheit und Einsamkeit im 21. Jahrhundert. Gleichzeitig funktionieren die Apocalypses wie ein surrealistischer Traum, voll von Metaphern urbanen Wahnsinns.
Zur Zeit lebt und arbeitet Julien Roux in Tel Aviv.
Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die Apocalypses-Blätter aus der New York-Serie von 2008 und eine monumentale Zeichnung auf der Stirnwand der Galerie. In den zirkushaften Szenarien der Apocalypses-Blätter scheinen alle Größen- und Raumordnungen außer Kraft gesetzt und zeigen NY-City als einen überbordenden Moloch. Sei es, dass ein riesenhafter Geschäftsmann im Getöse der Stadt Idiotenflipper spielt, wobei der Automat die Energie eines ganzen Atomkraftwerks benötigt. Oder sei es, dass ein Mann sich an einer Flasche Secret of Happyness so betrunken hat, dass er, wie Gulliver auf der Insel Liliput, in den Häuserschluchten eingeschlafen ist. Flugzeuge durchkreuzen drohend und an 9/11 gemahnend die Szenerie. Ein kolossartiger Mexikaner, auf einem Elefanten sitzend, spielt auf einem Piano, dessen Inneres aus menschlichem Gedärm besteht.
Der Künstler pointiert Globalisierung, Verkehrschaos, die Medien als einen Hauptinvestor des Terrors, Sicherheit und Einsamkeit im 21. Jahrhundert. Gleichzeitig funktionieren die Apocalypses wie ein surrealistischer Traum, voll von Metaphern urbanen Wahnsinns.
Zur Zeit lebt und arbeitet Julien Roux in Tel Aviv.
Lina Franko, Izvor Pende
Malerei, Relief
22.01.2009
-
07.03.2009
Lina Franko (geb. 1977) und Izvor Pende (geb. 1976) schrieben sich nach ihrem Studium in Kroatien an der Kunstakademie in Zagreb an der Düsseldorfer Akademie ein, angezogen vom Ruf der Hochburg der Malerei. 2002 erhielten sie dort den Meisterbrief und leben und arbeiten seither in Düsseldorf.
Izvor Pende, Sohn des bekannten kroatischen Rockmusikers Buco Pende, zeigt in seiner neuesten Serie „Die Ferne Gottes“ lichtdurchflutete, karge, menschenleere, großformatige Landschaften und Interieurs in Blau und Weiss, in denen immer wieder dieselbe in sich gekehrte, junge dunkelhaarige Frau vorkommt. Sie geht spazieren, steht an der Reling, sitzt in sich versunken auf der Erde, etc. häufig in Rückenansicht. Izvor Pende’s Bildserien handeln in fast zwanghafter Wiederholung von der Sehnsucht nach einem Idealzustand, der, wie der Titel der neuesten Serie schon zeigt, nicht nur ein äusserer, die frühere kroatische Landschaft, meint, sondern auch eine innere Gefühlslage.
Auch Lina Franko nimmt in ihren großformatigen, vielschichtigen Reliefs aus MDF-Platten und farbig expressiven Leinwänden, die an Street Art und Rapper-Szene anknüpfen, Bezug auf ihre kroatische Herkunft. Versatzstückartig baut sie in scheinbar alltäglich wirkende Szenen Erinnerungen ein: durch Fenster- und Türenritze dringende grelle Lichtreflexe, die über Treppen und Wände wandern; mit steinernen bis ausdruckslosen Mienen spielen zwei Personen in einem Souterrain Karten; eine Frau in einem kahlen Zimmer beugt ihren Oberkörper aus einem Fenster, das in ein dunkles Nichts führt. Bedrohung und Verlust prägte den Werdegang beider Künstler, für die über viele Jahre der Krieg zu einem unabänderlichen Teil ihres Alltags und ihrer Erfahrungswelt gehörte.
Izvor Pende, Sohn des bekannten kroatischen Rockmusikers Buco Pende, zeigt in seiner neuesten Serie „Die Ferne Gottes“ lichtdurchflutete, karge, menschenleere, großformatige Landschaften und Interieurs in Blau und Weiss, in denen immer wieder dieselbe in sich gekehrte, junge dunkelhaarige Frau vorkommt. Sie geht spazieren, steht an der Reling, sitzt in sich versunken auf der Erde, etc. häufig in Rückenansicht. Izvor Pende’s Bildserien handeln in fast zwanghafter Wiederholung von der Sehnsucht nach einem Idealzustand, der, wie der Titel der neuesten Serie schon zeigt, nicht nur ein äusserer, die frühere kroatische Landschaft, meint, sondern auch eine innere Gefühlslage.
Auch Lina Franko nimmt in ihren großformatigen, vielschichtigen Reliefs aus MDF-Platten und farbig expressiven Leinwänden, die an Street Art und Rapper-Szene anknüpfen, Bezug auf ihre kroatische Herkunft. Versatzstückartig baut sie in scheinbar alltäglich wirkende Szenen Erinnerungen ein: durch Fenster- und Türenritze dringende grelle Lichtreflexe, die über Treppen und Wände wandern; mit steinernen bis ausdruckslosen Mienen spielen zwei Personen in einem Souterrain Karten; eine Frau in einem kahlen Zimmer beugt ihren Oberkörper aus einem Fenster, das in ein dunkles Nichts führt. Bedrohung und Verlust prägte den Werdegang beider Künstler, für die über viele Jahre der Krieg zu einem unabänderlichen Teil ihres Alltags und ihrer Erfahrungswelt gehörte.