SCHALTWERK KUNST

27.08.2010

11.09.2010

Eröffnung: Freitag, 27.08.2010, 18-21 Uhr

Auf der Suche nach neuen Bildwelten schlägt Nikola Irmer immer wieder ungewöhnliche Wege ein. So hat sie ihr Gespür für Skurriles zu Teilen einer Sammlung von Tierpräparaten und Pflanzenmodellen im Depot des Museums für Naturkunde in Berlin geführt, die der Öffentlichkeit schon lange nicht mehr zugänglich sind. Eine unüberschaubare Vielzahl an Präparaten oft bunter Vögel aus aller Herren Länder, die während der Forschungsreisen im 19. Jahrhundert im Dienste der Wissenschaft nach Deutschland gebracht wurden, drängt sich dort in hohen Regalen und hinter Vitrinenglas. Irmer hat dort im Museum Stunden mit Zeichnen und Fotografieren verbracht und ihr Skizzenmaterial später im Studio malerisch umgesetzt. So ist die Werkgruppe SHELF LIFE mit Gesamtansichten von Regalen und Kabinettschränken voller ausgestopfter Vögel und Skelette in veränderten Perspektiven, Ausschnitten und Fokussierungen auf Details einzelner Tiere entstanden. Auch Modelle verschiedenster Pilzsorten, zu Lehr- und Anschauungszwecken fein und detailgenau nachgebildet, haben den Blick der Künstlerin auf sich gezogen.
Irmer bedient sich einer an die Figur gebundenen, aber dennoch deutlich abstrahierten und schematisierten Malerei. Die realitätsnahe Farbigkeit des Dargestellten wird durch Verwischungen und einen zum Teil gestischen Duktus relativiert.

Nikola Irmer wurde 1970 in Starnberg geboren. 1992 begann sie ihr Studium am San Francisco Art Institute, das sie 1993 an der Glasgow School of Art fortsetzte und mit dem Bachelor of Fine Arts abschloss. Ein im Anschluss daran absolviertes Studium am Hunter College New York City schloss sie mit dem Master of Fine Arts ab. 2003 erhielt Irmer ein Stipendium der Stiftung Kulturfonds. Seit 1995 werden ihre Arbeiten im In- und Ausland in Einzel- und Gruppenausstellungen und auf Kunstmessen gezeigt. Sie lebt und arbeitet in Berlin.
Unsere Ausstellung zeigt erstmals Leinwandbilder und Zeichnungen auf Papier der Berliner Künstlerin in Hamburg.

24.07.2010

07.08.2010

Finissage am Donnerstag, 19.08.2010, 18-21 Uhr.

Eröffnung: Samstag, 24.07.2010, 17-21 Uhr

Wir freuen uns auf den Auftritt des Gitarristen und Sängers Roland Cabezas!

Mit der Ausstellung "music in my eyes" präsentieren wir erstmals die 3-teiligen Porträtserien verschiedener deutscher und international bekannter Musiker der Hamburger Fotografen Michael Bogumil und Steven Haberland. Seit 2009 fotografieren die beiden gemeinsam. Mit ihrer Kamera sind sie hautnah dabei, wenn international bekannte Musiker ihr Stelldichein auf Hamburger Bühnen geben. Neben den feinsinnig inszenierten, markanten Musikerporträts Haberlands stehen die Aufnahmen Bogumils. Als "unsichtbarer Dritter" gewährt er dem Betrachter intime Einblicke hinter die Kulissen des Porträt-Shootings und nimmt ihn mit in den spannungsgeladenen Konzertsaal.
Auf beeindruckende Weise gelingt den beiden Fotografen im Zusammenspiel, den Klang nahezu hörbar ins Bild zu bringen, die Musik sichtbar werden zu lassen. Zu sehen sind u.a. Aufnahmen von Ulrich Tukur, Trombone Shorty und Till Brönner.

Der 1963 in Hamburg geborene Michael Bogumil hat verschiedenen Fotografen im In- und Ausland assistiert und arbeitet seit 1995 als freier Fotograf mit den Schwerpunkten Architektur, Porträt und Reportage. Bogumil wird regelmäßig in Ausstellungen gezeigt ("the nature of skin", 3. Triennale der Photographie, Kunsthaus Hamburg 2005) und wurde bereits mit begehrten Auszeichnungen prämiert (obs-Award 2007, 2. Platz für bestes PR-Bild).

Steven Haberland hat sich auf Musikerporträts spezialisiert, von Klassik über Jazz bis hin zu Rock und Pop und musikalischen Newcomern. Seine Bilder zieren CD-Cover und Plakate und entstehen im Auftrag großer Plattenfirmen oder der Künstler selbst.
1967 in Berlin geboren, absolvierte er zunächst eine Fotografie-Ausbildung und arbeitete als Produktionskoordinator für Fototeams in Los Angeles/USA. Seit 1996 lebt und arbeitet er als freier Fotograf in Hamburg. Er ist regelmäßig in Ausstellungen im In- und Ausland zu sehen, seine Porträts sind in internationalen Musikzeitschriften und Magazinen veröffentlicht worden.

Der Auftritt von Roland Cabezas bildet neben den Fotografien einen musikalischen Höhepunkt. Von Pop über Funk bis Jazz-Fusion - Cabezas ist ein herausragender Gitarrist und Musiker aus Leidenschaft. Er stand bereits mit Größen wie
Toni Braxton, David Knopfler, Laura Pausini, Jan Garbarek und der NDR Big Band auf der Bühne. 2004 tourte er als Support
für Lionel Richie durch Europa, seit 2006 ist er Bandmitglied bei Trilok Gurtu.

10.04.2010

12.06.2010

Finissage in Anwesenheit aller Künstler am Samstag, 12.06.2010, 17-20 Uhr.

Besuch der Ausstellung im Juni nach Vereinbarung.

Unsere Ausstellung mit Arbeiten auf Papier von fünf Künstlern aus Großbritannien und Deutschland zeigt, dass die nicht-illustrative, vom Gegenstandsbezug befreite Malerei weiterhin von großer Präsenz und Aktualität ist.

Rupert Eders (*1968 in Bad Aibling) Arbeiten auf Papier und Leinwand zeugen von einer beständigen Auseinandersetzung mit den Bedingungen und Möglichkeiten der Malerei. Sie lassen sich in lose Gruppen unterteilen, bei denen die malerischen Erfahrungen miteinander verschmelzen und sich in der weiteren Entwicklung zu neuen Bildfindungen verselbständigen. MANHATTAN NOTES ist eine Aquarell-Serie, die im letzten Herbst während einer New York-Reise entstanden ist. Die vielfältigen Blätter zeigen feine Kompositionen aus fließenden Farbflächen und -linien.

Während von den klar definierten, geometrischen Farbflächen in Jon Grooms
(*1953 in Powys, Wales) früher Werkphase eine kontrollierte Strenge ausgeht, entwickeln sich seine neueren Arbeiten unter dem Einfluss der Aquarellmalerei in einer direkten und freien Malweise: Die unscharfen Ränder der Farbfelder und die Farbüberlagerungen lassen kommunizierende Beziehungen entstehen, mit denen Groom die Poesie in die Kunst zurückbringt.

Foto: © Ian McKeever, TWELVE, 2010, Gouache/Papier, 70 x 52 cm

Jede der Siebdruckarbeiten, die Christian F. Kintz (*1968 in Freiburg im Breisgau) zwischen 2006 und 2007 gefertigt hat, ist ein Unikat. Der Künstler setzt mehrere verschiedene Farbflächen leicht versetzt übereinander, wobei der Hauptfarbton der jeweiligen Arbeit aus einer Überlagerung der vielen Schichten entsteht. In den schmalen Farbstreifen am Rand wird die Entstehung als Prozess für den Betrachter sichtbar.

Ian McKeever (*1946 in Withernsea, Yorkshire) zählt zu den bedeutendsten britischen Malern seiner Generation. Seine Werke werden regelmäßig in Europa und den Vereinigten Staaten gezeigt und befinden sich in renommierten Sammlungen. McKeever baut seine Arbeiten mit übereinander liegenden, pastosen und transparenten Farbschichten auf. Das Zusammenspiel dieser zahlreichen Überlagerungen ruft Strukturen unterschiedlicher Prägung hervor und lässt auf geheimnisvolle Weise Licht und Transparenz entstehen. Sein Werk umfasst neben den Papierarbeiten auch Fotografien, Prints und vor allem großformatige Öl- und Acrylbilder, die zueinander in Wechselbeziehung stehen.

Ivo Ringes (*1951 in Bonn) Arbeiten sind reich an Struktur und Bewegung. Auf farblich unterteilten oder nahezu monochromen Untergründen setzt der Künstler in mehreren Schichten Pinselstriche, die sich zu einem Liniengeflecht zusammenfügen. Er verlässt dabei die feste, vorweg genommene Vorstellung von einem Bild, um der Wahrnehmung im Augenblick des Entstehens einen Raum zu schaffen. Die Farben und Proportionen geben den Rhythmus eines Bildes an
und erzeugen eine Energie, die sich im Raum entfaltet und für den Betrachter unmittelbar zum physischen Erlebnis wird.

05.02.2010

27.03.2010

Besuch der Ausstellung bis Ende März nach Vereinbarung.

Eröffnung: Freitag, 05.02.2010, 18-21 Uhr

Joe Barnes wurde in Detroit, Michigan, geboren und lebt in New York City.
Seit Beginn seines künstlerischen Schaffens erhält er große Aufmerksamkeit und Anerkennung für sein Werk (Emily Lowe Foundation Award, Pollock-Krasner Foundation Grant, Adolph and Ester Gottlieb Foundation Grant). Seine Arbeiten werden umfassend in Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland, in anderen europäischen Ländern sowie den Vereinigten Staaten gezeigt, und befinden sich weltweit in privaten und öffentlichen Sammlungen, einschließlich Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York, und Osthaus Museum, Hagen.

Joe Barnes kreiert durch die Ausdruckskraft der konzentrierten Farbe monochrome Bilder von einer höchst eindringlichen Präsenz. Die vielen lasierenden Farbschichten auf quadratischen oder rechteckigen Bildträgern steigern den Farbwert zu einer außergewöhnlichen Intensität und beginnen bei längerer Betrachtung zu vibrieren. Diese Vibration erzeugt sowohl eine meditative Ruhe als auch eine emotionale Kraft, mit der die Arbeiten den Raum beherrschen.
Auch wenn Spuren des Malvorgangs oder Leinwand- und Papierstrukturen zu erkennen sind, geht es dem Künstler vor allem um die Gleichmäßigkeit in der Gesamtwirkung, bei der die pure, verdichtete Farbe sehr kraftvoll ist. So können die stets monochromen Leinwandbilder und Arbeiten auf Papier als Meditationen gesehen werden, die vom Betrachter erfahren werden. Die leuchtenden, pulsierenden Farbkörper vermitteln den Eindruck räumlicher Tiefe, was durch das Zusammenwirken von Bildformat und farbiger Substanz gesteigert wird.
Der Künstler bevorzugt kleinere Formate, um den jeweiligen Farbton zu fokussieren und dem Betrachter eine konzentrierte Erfahrung zu ermöglichen. Einige Bildträger sind mehrere Zentimeter tief, was diesen Werken zusätzlich einen objekthaft-plastischen Charakter gibt. Die Farben entziehen sich stets einer komplexen, kulturell festgelegten oder individuellen Bedeutungszuweisung.

Wir freuen uns die Arbeiten von Joe Barnes erstmalig in Hamburg präsentieren zu können!

13.12.2009

27.01.2010

Besuch der Ausstellung im Januar 2010 nach Vereinbarung.

Empfang: Sonntag, 13.12.2009, 15-18 Uhr

Zum einjährigen Ausstellungsjubiläum lassen wir das Jahr noch einmal Revue passieren mit einer Auswahl an Werken der bisher gezeigten KünstlerInnen
Isabella Berr, Nicholas Bodde, Rupert Eder, Jon Groom, Ivo Ringe und wagen einen verheißungsvollen Ausblick auf das kommende Jahr mit Arbeiten von Joe Barnes und Christian F. Kintz.

06.11.2009

21.11.2009

Besuch der Ausstellung ab 23. November nach Vereinbarung.

Eröffnung: Freitag, 06.11.2009, 18-21 Uhr

Nicholas Bodde knüpft mit seinen geometrisch-reduzierten Arbeiten unverkennbar an die Tradition der ungegenständlichen Kunst an und überführt die Ideen konkreter Malerei in eine farbintensive Bildwelt. Kennzeichnend dafür sind klare, stets horizontal ausgerichtete Farb-Linien und -Flächen auf geometrisch geformten Bildträgern.
Der Künstler arbeitet in einer weit gefächerten Palette an reinen Farben und eigenen Mischungen, wobei viele Farben immer wiederkehren, sich aber nie in derselben Arbeit wiederholen. Bodde konfrontiert verschieden gewichtete Farbenergien, lässt sie sich gegenseitig mal intensivieren, mal mindern. Dabei entstehen immer wieder neue Farbklänge: manche Nachbarschaften gehen eine harmonische Verbindung ein, bei anderen Kombinationen beginnen die Flächen zu schwirren und entwickeln ein dynamisches Eigenleben, springen zwischen nah und fern hin und her.
Was auf den ersten Blick wie monochrome, dichte Farbbahnen anmutet, legt bei genauerer Betrachtung die Vielzahl der verwendeten Materialien und Techniken, sowie die Reihenfolge des Farbauftrags offen. Auf den nur wenige Millimeter dicken Aluminiumplatten, einem an sich strukturlosen Malgrund, entsteht eine reliefhafte Oberfläche aus vielen Schichten Öl- und Acrylfarbe, Kunststofffolie und Sprühlack. Die jeweilige Art des Auftragens hinterlässt sichtbare Spuren und so zeugen die feinen Strukturen vom Malen mit dem Pinsel, vom Rakeln, Sprühen und Kleben, vom Rollen und Glätten der Farben, und geben den künstlerischen Entstehungsprozess preis. In Hinblick auf Farbkorrelationen und Oberflächenstrukturen hat der Künstler in den letzten
15 Jahren eine eigene Bildästhetik entwickelt, die von unendlichen Kombinationsmöglichkeiten gespeist wird.

Nicholas Bodde (*1962 in New York) lebt und arbeitet in Bremen, wo er von 1982-89 an der Hochschule für Künste bei
Prof. K.-H. Greune und Prof. W. Schmitz Malerei studiert hat.
Seit 2000 nimmt er regelmäßig an den bedeutenden internationalen Kunstmessen teil und stellt im In- und Ausland aus.
Unsere Ausstellung zeigt erstmalig Arbeiten des Künstlers in Hamburg.

28.08.2009

24.10.2009

Besuch der Ausstellung vom 14.09. bis zum 24.10.2009 nach Vereinbarung.

Eröffnung: Freitag, 28.08.2009, 19-21 Uhr
Um 20 Uhr findet die Lesung Fragen ans Wasser von Gisela Müller statt.
Die Schriftstellerin und Verfasserin "nomadischer Texte" zeigt im Dialog zur Ausstellung Stadtraumtexte in den Straßen von Eimsbüttel.

Isabella Berr lässt den Betrachter ihrer fotografischen Arbeiten im Ungewissen über das Gesehene. Während die Stärke der Fotografie traditionellerweise darin besteht, den Augenblick dokumentarisch festzuhalten, werden bei Berr feste Körper, Konturen und Details bis zur Auflösung verschleiert. Verbleibende narrative Elemente sowie die Andeutung von Orten und Räumen führen ins Unbestimmbare. Dabei bewegen sich die Bilder fortwährend im Spannungsfeld von Gegenständlichkeit und Abstraktion.
Ähnlich der literarischen Erzähltechnik scheint Berr Elemente der Wirklichkeit, wie Orte, Daten, Figuren, Ereignisse und Zusammenhänge zugunsten eines fiktionalen Geschehnisses zu verändern. Sie verfremdet und verkleidet das Gesehene und stellt dem Wirklichen das ihm innewohnende Mögliche gegenüber. Der Betrachter befindet sich dabei stets an der Schnittstelle von Erlebtem, Erinnertem und Geträumtem.
Auffällig ist die starke Präsenz des Menschen. Seine schemenhaften Konturen füllen Plätze, Orte in der Natur und Innenräume, häufig im Moment der Bewegung oder des Handelns wie in einem Standbild eingefroren. Die Identitäten von Mensch und Ort bekommen einen neuen Zusammenhang, einen anderen Ausdruck.
Während durch die Unschärfe viele Details wie weg geschmolzen oder miteinander verschmolzen sind, treten andere bildkompositorische Elemente, Formen und Proportionen, umso deutlicher hervor. Vertikale Linien durchziehen viele der Bilder mit einem abstrakten Muster und erschaffen eine Prägnanz im Unbestimmten. Die Vertikalen rhythmisieren die Bilder und verleihen ihnen gleichzeitig – noch gesteigert durch die häufige Verwendung von extremen Querformaten – einen filmähnlichen Ablauf. Diese sich im ständigen Wechsel befindenden Gegenpole von Statik und Bewegung, Unschärfe und Prägnanz erzeugen einen dauerhaften Schwebezustand.

Isabella Berr (*1963) lebt und arbeitet in München.
Unsere Ausstellung zeigt erstmalig Arbeiten der Künstlerin in Hamburg.

08.05.2009

25.07.2009

Besuch der Ausstellung vom 25.05. bis zum 25.07.2009 nach Vereinbarung.

Eröffnung: Freitag, 08.05.2009, 18-21 Uhr

Ivo Ringe schafft in seiner Malerei einen reduzierten, gegenstandsfreien Bildraum, in dem sich die sinnliche, unmittelbare Wahrnehmung des Betrachters entfalten kann. Seine Arbeiten sind reich an Struktur und Bewegung. Auf nahezu monochromen oder farblich unterteilten Untergründen setzt der Künstler in mehreren Schichten Pinselstriche, die sich zu einem Liniengeflecht zusammenfügen. Dabei entsteht eine sich in alle Richtungen fortsetzende Bewegung, die das Bild und den umliegenden Raum dynamisiert. Bei einigen Arbeiten scheint diese Struktur über die Bildränder hinweg zu wachsen, um sich dort endlos auszudehnen. Bei anderen Werken bilden die Farbstriche eine in sich geschlossene Form mit einer netzähnlichen Binnenstruktur. Diese wirkt monumental, scheint optisch aus dem Bild hervorzutreten und ähnelt somit fast Skulpturen. Die gestischen Farbstrukturen überlagern sich und ziehen den Blick des Betrachters in die Tiefe eines komplexen, mehrdimensionalen Raumes.
In seinem künstlerischen Schaffen verlässt Ringe die feste, vorweg genommene Vorstellung von einem Bild, um seiner Wahrnehmung im Moment des Entstehens einen Raum zu geben. Darum spricht er von seiner Kunst auch als einer "Malerei des Augenblicks". Die Wahl der Farben für ein Bild variiert sehr, je nachdem, wie der Künstler das Werk gewichten will. Die Farbzusammensetzungen sind Schicht für Schicht übereinander gelegte und mit großer Erfahrung austarierte Mischungen und werden für den Betrachter zum sinnlichen Erlebnis.

Ivo Ringe (*1951 in Bonn) lebt und arbeitet in Köln.
In den 70er Jahren hat er an der Kunstakademie in Düsseldorf bei Joseph Beuys Bildhauerei studiert, im Anschluss daran freie Grafik bei Rolf Sackenheim als Meisterschüler.
Unsere Ausstellung zeigt erstmalig Arbeiten des Künstlers in Hamburg.

13.02.2009

25.04.2009

Besuch der Ausstellung vom 02.03. bis zum 25.04.2009 nach Vereinbarung.

Eröffnung: Freitag, 13.02.2009, 18-21 Uhr

Rupert Eder setzt sich in seinen Leinwandbildern und Aquarellen mit den Bedingungen und Möglichkeiten der Malerei auseinander. In der beständigen Wiederholung und Variation offenbart sich seine unverkennbare Bildsprache von Farbe, Form und Komposition. Eder knüpft an die Tradition der gegenstandsfreien Malerei der Moderne an, einer Kunstform, die sich losgelöst von der wirklichkeitsbezogenen Darstellung auf das Wesentliche konzentriert. BLACK BOOK ist eine Folge von Aquarellen, in die Eders künstlerische Erfahrungen vorangegangener Arbeiten mit einfließen, bei denen zugleich aber auch neue Formfindungen weitere Sinnstrukturen entstehen lassen. Zuvor hat sich der Künstler der literarischen CUT UP-Technik bedient, bei der Texte wortwörtlich zerschnitten und auf eine andere Weise wieder zusammengefügt werden. Das Zerreißen der ursprünglichen Form fand bei Eder erst auf mehreren Bildträgern statt, die vor Malbeginn gegeneinander verschoben wurden. Bei den neuen Aquarellen geschieht das Auseinanderreißen und Wiederzusammenfügen der Form auf einem Papier. Die vielfältigen Blätter zeigen für das Medium charakteristische Kompositionen aus fließenden Farbflächen und feinen, transparenten Überlagerungen, aber auch für das Aquarellieren weniger typische linear-zeichnerische Bildelemente, die sich aus der "Schnitttechnik" heraus entwickeln. Die Wechselwirkungen vom intensiven Schwarz der Formen und den zarten, hell-wässrigen Partien sowie die Formvariationen decken den Reichtum auf, der der Reduktion zugrunde liegt.
Der durch den Titel BLACK BOOK angedeutete Bezug zur Sprache bezeichnet eine Lesart auf malerischer Ebene und steht als Synonym für das Eindringen in einen zuvor noch nicht erforschten künstlerischen Raum. Der Betrachter blickt auf eine Bildwelt, die durch die Verrückung der Form und die eindringliche Intensität der Farbe geheimnisvoll, fast fremdartig wirkt. Das partiell ausgesparte Weiß des Papiers scheint durch und wird bewusst zum Teil der Komposition, wie auch die rohe Leinwand bei Eders Ölbildern und der Spalt zwischen den Bildträgern seiner mehrteiligen Arbeiten. Durch die Intensität einiger Farbfelder erreicht der Künstler, tief in die Fläche einzudringen und einen dreidimensionalen Raum ohne perspektivische Mittel entstehen zu lassen. Die Ölbilder und Aquarelle sind gleichermaßen geprägt von einer nachhaltigen Präsenz, mit der sie im Raum wahrnehmbar sind.

Rupert Eder wurde 1968 in Bad Aibling geboren. Er lebt und arbeitet in Dießen am Ammersee.
Von 1991-95 studierte an der Philosophischen Hochschule der Jesuiten in München (M.A.).
Diese Ausstellung zeigt erstmalig Leinwandbilder und Aquarelle des Künstlers in Hamburg.

05.12.2008

31.01.2009

Besuch der Ausstellung vom 05.01. bis zum 31.01.2009 nach Vereinbarung.

Eröffnung: Freitag, 05.12.2008, 18-21 Uhr

Jon Grooms Oeuvre umfasst Leinwandbilder, Aquarelle und wandfüllende Arbeiten (Wandmalerei und großformatige, mehrteilige Aquarelle). Er hat sich der ungegenständlichen Malerei verpflichtet und konzentriert sich auf ein reduziertes Vokabular, dessen Wiederholung einen Vergleich zu einer Mandala oder einem Mantra zulässt. Die strenge, geometrische Form stellt für ihn eine wirkungsvolle Möglichkeit dar, sich nicht treiben zu lassen, wie er sagt, sondern die Ratio vorzuschalten. Und dennoch strahlen seine Bilder eine extreme Emotionalität aus, die im Farbenspiel zutage tritt und den Betrachter in den Bann zieht.
Er wurde 1953 in Powys, Wales, geboren und studierte am Cardiff College of Art (B.A.) sowie an der Chelsea School of Art (M.A.) in London. Im Anschluss daran ermöglichte ihm das Boise Stipendium der University of London einen Amerikaaufenthalt. Er verbrachte eine längere Zeit in London, New York, Mexiko, Italien und Indien. Seit 1978 wird Groom auf breiter internationaler Ebene ausgestellt. 1994 zeigte die Städtische Galerie im Lenbachhaus München einen umfassenden Überblick über sein Werk. 1997 stellte er im Luis Barragan Museum in Mexiko City aus und unlängst zeigte das Ludwig Museum Koblenz seine großformatigen Bilder. In diesem Jahr waren Grooms Arbeiten bei Osborne Samuel, London, in der Ausstellung "Masterpieces of Modern British Art: Selected works from the Derek Williams Trust and National Museum of Wales" zu sehen. Er lebt und arbeitet in München. Seit 5 Jahren bereist er intensiv Indien.