Galerie Hengevoss-Dürkop

So unspektakulär Redewendungen im Alltag wahrgenommen und benutzt werden, in der bildlichen Umsetzung ihrer hyperrealistischen Malweise (Acryl) führt Amina Broggi das dramatische und surreale Bildpotential vor und spinnt es in ihren eigenen Imaginationen weiter. So malt sie in der Nähe brechender Wellen am hitzeflirrenden Meeresstrand einen nackten Körper,dessen Kopf im Sand steckt. Close Ups auf nackte Kleinkinderbeine mit buntbemalten Zehennägeln, die auf Zehenspitzen zwischen Eiern tänzeln und in einem zweiten Bild genüsslich Eier zertreten, nehmen das Thema "Einen Eiertanz aufführen" auf. Auf zum Teil großformatigen Leinwänden (200 x 140 cm, 220 x 300 cm) erweckt sie weiter Hirngespinste und Traumwelten zum Leben. In den drei Selbstportraits „Wo Licht ist, ist auch Schatten“ projiziert sie Scherenschnittmuster auf ihr Gesicht, die an Tätowierungen von Urvölkern erinnern. Es geht wie zumeist bei ihr um Licht- und Schattenaspekte des menschlichen Charakters, um verletzen und verletzt werden.

Im Dialog mit der liechtensteiner Künstlerin (geb. 1980), die in Wien lebt, sind Arbeiten von 4 Pariser Künstler zu sehen.

Pascal Dombis (geb. 1965 in Metz) gehört der „Post-Digitalen“ Künstlergeneration an, der für die Herstellung seiner Werke den Computer und Algorithmen benutzt, so auch in seiner Arbeit über den berühmten Satz von Nietzsche "Gott ist tot". Françoise Pétrovitch's (geb. 1964 in Chambery) figurative, Realitäts-, häufig Traumebenen und seelische Zustände vermischenden Zeichnungen und Leinwände greifen Themen der Natur, Kindheit, Identität und Erinnerung auf, so auch in der ausgestellten Tintenlavur "Verdure". Von Lou Ros (geb. 1984), der seine Karriere auf der Straße begonnen hat und durch seine häufig provokanten Themen vor trivialer Kulisse bekannt geworden ist, sind zwei Porträts (Öl/Acryl/Aquarell) zu sehen. Die farbintensive Malerei von Pascal Vilcollet (geb. 1979) zeigt in Schichtungen neben- und übereinander verarbeitete pflanzlichen Motive aus seiner Heimat Mauritius.

Der österreichische Fotograf Reiner Riedler befasst sich mit einem Tabu-Thema, ohne Leiden abzubilden und ohne Menschen, die sich in schwierigen Lebenssituationen befinden zu kompromittieren. Aus der alltäglichen Umgebung isoliert tauchen vor tiefschwarzem Hintergrund medizinische Apparaturen auf und werden in ihrer Funktion, ihrer Ästhetik und überirdischen Schönheit neu interpretiert. Sei es die raumschiffartige CT Apparatur oder die klobige Dialyse Maschine: die Bilder regen zum Nachdenken über Krankheit und Verlängerung des Lebens an. 

The Austrian photographer Reiner Riedler make accessible a taboo topic without depicting any suffering, and without compromising people in difficult circumstances. Propped against a black background and isolated from the context in which they’re used, we get to see clinical instruments in a new light, and get to explore their function, their aesthetics, and their unearthly beauty. From the spaceship-like CT machine to the clunky dialysis machines, this project is a thoughtful meditation on illness and the prolongation of life. It is a visual study of breaking points in medical science and human will.

Die Ausstellung EINSICHTEN III stellt drei Künstler nebeneinander. An der Stirnwand der Galerie dominiert eine Installation von 16 Arbeiten des Hamburger Künstlers Thomas Kälberloh aus seiner Serien „Ikonen“. Thema sind die Abbildung von Personen auf alten Ansichtskarten, die extrahiert, einzeln vergrößert, vor Goldhintergrund auf Aludibond abgebildet, malerisch bearbeitet werden. Aus Gründen der Bildrechte kommen Personen auf Ansichtskarten heute kaum noch vor. Sie bevölkern aber geradezu alte Postkarten, blieben dort aber meist vom Betrachterempfänger unbeachtet. Thomas Kälberloh interessiert sich für diese Staffage-Figuren, für deren Kleidung, ihre Assecoires, ihr Verhalten im Raum und wertet sie als Zeitzeugen zu „Ikonen" auf.

Cony Theis, die seit 2013 Professorin an der Hochschule für Künste im Sozialen in Ottersberg ist, konzentriert sich in ihren Wolkenstudien auf Anregungen der Phantasie durch den Himmel und Wolken in Verbindung mit Reisen, auf die zum Beispiel auch der Schatten eines Flugzeuges fällt. Das eingenässte, mit Ölpigmenten und chinesischer Tusche bearbeitete Transparentpapier übersetzt quasi die Körperlichkeit der Wolken.

Hinzu kommen neue kleinformatige Arbeiten der Düsseldorfer Malerin Barbara Petzold. Sie experimentiert weiter mit Lichtsituationen wie Gegenlicht, diffuses Licht im Unterholz etc, in diesen Bildern mit den Möglichkeiten in dieser Hinsicht der Farbe Violett und Gelb. Der ihr eigene Sinn für Hintergründigkeit kommt auf Gemälden wie „das besondere Kind“ oder „Fische“ zum Tragen, die sich in einer atmosphärisch im doppelten Sinne traumhaften Atmosphäre entfalten. 

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„Ok Dorothy“ beginnt an Punkten der Intransparenz. In der Ausstellung werden Schnittstellen zwischen Mensch und Maschine zum Thema, an denen sich insbesondere (post-)digitale Technologien gegenüber den NutzerInnen verschließen, anstatt die Wechselwirkung zwischen Menschen und Technologien erfahrbar zu machen. In Co-Kreation mit 3D-Druckern, dh. mittels 3D-Druckern, in deren Baupläne der Künstler eingreift, lässt Fabian Hesse Daten zu abstrakten Skulpturen wachsen. Es geht ihm um Transformationen des ursprünglichen Materials, nämlich von immateriellen, ungreifbaren Daten in eine physische Existenz und damit um verschiedene Erscheinungsformen des Realen.

In der Ausstellung sind neue abstrakte und gegenständliche 3D-Drucke zu sehen, sowie Landschaftsbilder auf PVC Planen, die Fabian Hesse mit einem 3D-Scanner „gemalt“ hat.
Der Ausstellungstitel „Ok Dorothy“ nimmt Bezug auf die Figur in einem von ihm in Zusammenarbeit mit der freien Gruppe o-team (Stuttgart) entwickelten Projekts eines „3D biohypermedia Theaters“. Dabei ist die Hauptfigur der Dorothy, eine Anlehnung an Dorothy Gale aus dem Märchen „Der Zauberer von Oz“, Künstlerin und künstliche Intelligenz zugleich. Wie für Dorothy ist für Fabian Hesse zentraler Begriff in seinem Denken „Perspektive“, aus dem griechischen übersetzt „Durchblicken“. Das umfasst die Rolle der Betrachtenden, den Horizont und die Liminalitätsräume des Selbst und der Dinge, räumliche Repräsentationen und bestimmte Verarbeitungen von Zeitlichkeit. Indem die Werke einer fiktiven Künstlerin realisiert werden, spielt Hesse mit den verschiedenen Ebenen zwischen Performance, Dokumentation und Produktion, aber auch mit undurchdringlichen Mechanismen der künstlerischen Gattungen. So blitzen neue Möglichkeitsräume auf, und nicht zuletzt werden emanzipatorische Potentiale der Technologien und des Umgangs damit (?????/ téchne) offenbar.

Fabian Hesse (geb. 1980) Studium an den Kunstakademien in Lyon, Wien und München (bei Prof. Heimo Zobernig und Prof. Olaf Metzel); 2012 Abschluss mit Meisterschüler-Auszeichnung. Seitdem stellt er international aus, zuletzt bei der Wrong Biennale. Er erhielt diverse Kunstpreise (u. a. Debutanten-Preis des Bayerischen Staatsministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst). Demnächst stellt er im Kunstverein Wolfsburg aus.

‘Ok Dorothy’ starts at points of intransparence. The exhibition focuses on interfaces between man and machine where particularly post digital technonolgies close themselves to users instead of making the interaction between man and technologies experiencable. In ‘co-creation’ with 3D printers, i.e. through 3D printers the construction plans of which have been changed by the artist, Fabian Hesse derives abstract sculptures. He is concerned with transforming intangible and ungraspable data into something physical and thus with different manifestations of reality.

The exhibition presents new abstract and figurative 3D prints as well as landscapes on PVC covers ‘painted’ with 3D scanners. The title ‘Ok Dorothy’ refers to ’3D biohypermedia Theater’, a project Hesse developed together with the group ‘o-team’ in Stuttgart. Its protagonist Dorothy is inspired by Dorothy Gale, the main character of the fairy tale ‘The Wizard of Oz’. She is artist and artificial intelligence at the same time. As for Dorothy ‘perspective’ is a central term in Hesse’s thinking. Translated from Greek it means ‘looking through’. This comprises the role of the beholder, the horizon, the liminality spaces of the self and of things, spatial representations and certain processings of temporality. By creating works of a fictional artist Hesse plays with different levels between performance, documentation and production as well as with unreadable mechanisms of artistic genres. New spaces of possibilities flare and emancipatory potentials of technologies and of the ways we handle them become apparent.

Fabian Hesse, born 1980, studied at the art academies in Lyon, Vienna and Munich (at professor Heimo Zobernig and professor Olaf Metzel). In 2012 he got his master’s degree. His works have been exhibited internationally, most recently at the ‘Wrong Biennale’. Hesse received several awards, among them the Debütanten-Preis des Bayerischen Staatsministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst. Soon the Kunstverein Wolfsburg will show his works.

Als Bilder der „Zwänge, der Verkrampfungen, der Ängste, der Bedrohungen“ hat Uwe M. Schneede die Arbeiten von Peter Wehr beschrieben. Und tatsächlich ist man versucht, den Künstler auch mit Blick auf seine neuesten Werke als einen Meister solcher Bildentwürfe zu bezeichnen.

Die von Schneede beschriebenen Werkgruppen zeigen männliche Akte, die teils vor hellem Blatthintergrund teils in bergiger Gegend agierten. In den neuesten Arbeiten handelt es sich um Frauenakte im Halbfigurenporträt vor farbigem Hintergrund. Wieder findet man das gestrichelte schwarze Inkarnat, aber mit stärker betonten Umrisslinien sowohl der Gestalt als auch von Körperteilen. Weitere Kolorierungen mit Rot und Weiß verdichten den Eindruck, dass hier das Innere und Äußere gleichsam sichtbar ist, dass das emotionale Geflecht wichtiger wird, als die tatsächliche Erscheinung. Es sind charismatische Frauen, mit ausdrucksvollen großen Augen, die in einer Mischtechnik u. a. mit Ölstiften und Pastell auf Leinwand gemalt sind, die Hände knochig, manchmal gichtig und abgearbeitet, die Haut sonnenverbrannt, die Zähne zwischen Lächeln und Grimassieren.

Der Ausstellungstitel „Mir bekannte Frauen“ weist auf einen autobiographischen Hintergrund hin. Dabei betont der Zusatz „Eine männliche Perspektive“, dass hier anders als bei den Männergestalten, bei denen persönliche Erlebnisse ebenfalls eine maßgebliche Rolle spielten, der Ausgangspunkt der eines Außenstehenden ist, er betont den Blick auf das andere Geschlecht und meint damit grundsätzliche Überlegungen über Frauen. Es geht um die Mutter, die Schwester der Mutter, die Großmutter und andere Frauen. Dabei wurde nicht Porträthaftigkeit zum Thema, sondern Typisches. Der Künstler blickt auf Rudimentäreres. Und so ähneln sich im Wesen alle diese Frauen auf die eine oder andere Weise. Worte und Halbsätze verlebendigen die Dargestellten. „Wozu Ohrringe?“ wenn das Charisma und die Kraft der Dargestellten solchen Schmuck nicht nötig hat. „Kinder? Zuerst!“, auch wenn sie damals die Kraft so offensichtlich raubten. Es sind flüchtige Worte und Sätze, die die Sicht des Künstlers auf das Schicksal Frau zu sein, widerspiegeln, damals, in der Zeit seiner Jugend, wie heute. Die vorgeführte Perspektive ist nicht von Klischees über weibliche Schönheit geprägt und handelt von keinen männlichen Fantasien. Sie zeigt sich schonungslos und beleuchtet doch ungewöhnlich einfühlsam Frauen, die – wie Peter Wehr zurückhaltend formuliert, ihm bekannt sind.

Den Frauenakten stehen Gemälde von Landschaften gegenüber. Es sind die dunklen, kahlen, steinigen Gebirgszüge und Felder von Fuerteventura, die das Ergebnis von einstigem Raubbau sind und in besonderen Lichtstimmungen dargestellt sind. Die Werke sind in den 90er Jahren in Fuerteventura entstanden, der ehemaligen Kornkammer der Kanaren, wo Peter Wehr die Hälfte des Jahres verbringt. Schon hier spielten Worte und Satzfetzen eine Rolle, die die Malerei in Schwingungen versetzt:  „der Wind, der singt“ „nach der Hitze des Tages, Wind aus dem Norden“, „alles ohne Regen“. Peter Wehr erspürt die Schönheiten dieser Landschaften in Wort und Bild und versucht eine veränderte Bewusstseinslage der Wahrnehmung von Natur sichtbar zu machen.
Peter Wehr, geb. 1934 in Lübeck, studierte an der HfbK in Hamburg und der Akademie für bildende Künste in Stuttgart. 1969 bis 1994 Professur für Gestaltung an der Hochschule für Angewandte Wissenschaften in Hamburg. Lebt und arbeitet als Grafiker und freier Künstler in Hamburg und Fuerteventura. Ausstellungen ausschließlich in öffentlichen Häusern, u.a. (2014) „Fabrik der Künste“, (2010) Casa de los Coroneles, La Oliva, Fuerteventura, (2005) Hamburger Kunsthalle, (2003) El Cotillo, Fuerteventura, u.a.

Uwe M. Schneede has described the works of Peter Wehr as images of “compulsions, tensions, anxieties, (and) threats.”  And in fact when viewing the artist’s latest works one is tempted to characterise him as a master of such imagery.  Schneede was referring to works portraying male nudes, set actively against a background of bright foliage or in the mountains.  But the artist’s newest works display half-length female nudes set against coloured backgrounds.  Again we see sketched out incarnate parts, but ones with more starkly defined outlines.  Further coloration in red and white lend the impression that both the interior and the exterior being are exposed, that the weave of emotions is more important than actual appearances.

These are charismatic women, whose large, expressive eyes are painted in mixed techniques of e.g. pigment sticks and pastels on canvas.  Their hands are boney, worn down and arthritic, their skin, suntanned.  Mouths expressing something between a smile and a grimace, show teeth.  The title “women known to me” indicates the autobiographical inflection.  Whereby, in emphasising the “male perspective” the artist tells us that here unlike his renditions of male figures that rest on personal experience, he has assumed the position of outside observer who focuses on a more fundamental consideration of the ‘other’ sex.
In this it’s all about the mother, the sisters of the mother, the grandmothers, and other women.  These he typifies more than portrays while concentrating on the rudimentary.  And so in some ways each female resembles the other.  Words and phrases animate these beings.  “What for, the earrings?” when the charm and power of the represented obviates their need.  “Children? First thing!” even if it then costs them so much energy.  These fleeting words are ones that the artist sees closely bound to a woman’s fate.  The assumed points of view are not predetermined by cliches about feminine beauty or by male fantasies.  If unsparing the representations illuminate unusually empathetic women, who — in the artist’s reserved formulation — are known to him.

The female nudes stand opposite landscape paintings.  With special lighting effects the landscapes recount the results of ruthless exploitation in the dark, barren, rocky mountain ranges and karstic fields of Fuerteventura.  Peter Wehr spends half of the year in that former granary of the Canary Islands, where he created these works in the 1990s.  Already the he was employing shredded sentences to enliven and elaborate: “the wind, it sings” “after the heat of the day, wind from the North”, “everything without rain.”  In word and image Wehr senses the beautiful aspects of this landscape and attempts to visualise his changed level of consciousness in the perception of nature.

Born 1934 in Lübeck, Peter Wehr studied at the Academy (University) of Fine Arts in Hamburg and Academy of the Arts in Stuttgart.  From 1969 to 1994 he was professor for composition and design at the University of Applied Sciences in Hamburg.  He lives and works in Hamburg and Fuerteventura.  He has exhibited exclusively in public institutions including: (2010“Fabrik der Künste”, (2010) Casa de los Coroneles, La Oliva, Fuerteventura, (2005) Hamburger Kunsthalle, (2003) El Cotillo, Fuerteventura.

Was wäre diese Welt ohne Eros? In einer Zeit, in der pornographische Bilder für jeden jederzeit verfügbar sind, in der das Intime in den Medien und im Internet wie nie zuvor ausgebreitet und verhandelt wird, in der viele in allen möglichen Kanälen sich zur Schau stellen, ist das Thema in der Gegenwartskunst eine eigene Fragestellung und Herausforderung jenseits von Klischees. 7 Künstler stellen aus.

In Glasarbeiten -  1,60 m hohe Stelen, die frei im Raum stehen und an der Wand als Installation präsentierten Scheiben – greift Jörg Länger das Sujet auf. In den ausgestellten Arbeiten ist es das Licht und die Bild-Choreographie auf Glasplatten und der auf diesen collagierten Buntglas-Bruchstücken, das dem Thema feinsinnige Akzente gibt.  Länger verwendet antikes und mundgeblasenes Glas. Erotische Szenen nimmt er aus Vorlagen, unter anderem von griechischen Vasen, die er teils als einzelnes Motiv großflächig in die Mitte stellt und kleinfigurig in mäandernder Form als Ornament über die Fläche wandern lässt. Die Bilder sind in das Glas teils gebrannt, teils sandgestrahlt. Jörg Länger, ursprünglich Berliner, auch den Geistes- und Religionswissenschaften, dem Film und der Fotografie zugewandt, lebt am Chiemsee.

Die Koreanerin Kyung-hwa Choi-ahoi, die nach ihrem Abschluss mit Auszeichnung an der HfbK in Hamburg geblieben ist und heute eine Professur für Zeichnen an der Hochschule der Künste in Bremen innehat, ist vor allem durch ihre fragilen, die soziale Alltagswirklichkeit und Traumsequenzen verarbeitende Tagebuch-Zeichnungen bekannt. Sie bleibt auch bei diesem Sujet in einer surrealen, das Unterbewusstsein ansprechenden Bildsprache. In den ausgestellten Arbeiten zeichnet sie mit Bleistift Details von Bildern des venezianischen Malers Paris Bordone ab. Auf einer anderen gezeigten Zeichnung mit Buntstiften sind die Köpfe eines sich küssenden Paares zu sehen, das im Zeichenblattuntergrund zu verschwinden scheint. Auf einer weiteren Zeichnung hält ein weiblicher stehender Akt mit einem Ball an der Schulter Abstand von einer Wand, in der sich das Gesicht eines Mannes schemenhaft verbirgt.

Ganz im Gegensatz stehen dazu die mit Filzstift auf dünnem Seidenpapier in einem Strich gezeichneten Paare im Liebesakt von Julien Roux. Der Künstler studierte an der École Nationale Supérieures des Beaux Arts Paris bei Annette Messager, schloss ebenfalls mit Auszeichnung ab und lebt und arbeitet seit Jahren in Tel Aviv. Kalligraphisch verkürzt verschmelzen in diesen Zeichnungen Oben und Unten, Innen und Außen, Geschlechtsteile und Glieder in immer neuen Posen.

Mit einer kräftigen Brise Humor geht die Kölnerin Cony Theis in den ausgestellten Zeichnungen (chinesische Tusche auf Transparentpapier) vor. Die Künstlerin, die sich unter anderem durch ihre Ausstellungen zum Thema Verbrechen, Opfer, Tätern, Schuld und Wahrheitsfindung einen Namen gemacht hat und seit 2013 eine Professur an der Hochschule der Künste im Sozialen in Ottersberg innehat, verwendet Bunny Aufnahmen aus alten Playboy Ausgaben. Es sind starke Frauentypen, die sich in ihrer individuellen Ausstrahlung von heutigen Bunnies deutlich unterscheiden und in den dargestellten Szenen vermuten lassen, dass Männer ihnen gerade erlegen sind. Die tatsächlichen Begebenheiten bleiben unklar, sei es, ob der Mann in Rückenansicht, der seinen Mantel öffnet, ein Exhibitionist ist oder warum auf einem anderen Blatt im Hintergrund ein Mann von Polizisten abgeführt wird. Immer dominieren die Frauen als strahlende Gestalten das Geschehen.

Der Deutsch-Nigerianer Ransome Stanley, der in den letzten Jahren immer mehr internationale Anerkennung bekommen hat, geht von Gustave Courbet’s Skandalbild von 1866 „Der Ursprung der Welt“ aus. Doch das, was das Skandalöse war, ist für ihn als Maler heute eher mit diesem Bild verbunden, als das dargestellte Sujet selbst. Es zeigt einen Frauenkörper in starker Untersicht mit der nackten, behaarten Vulva im Zentrum und mit Blick auf eine entblößte Brust. Daher malt Stanley Variationen des Bildes, die auf Courbets Vorlage rekurrieren, in denen aber nicht mehr die Nacktheit, sondern der Blickwinkel die Rolle spielt, mit dem eine ähnliche Aussage erzielt wird.

Für Bea Emsbach sind die mit einem Kolbenfüller und roter Tinte ausgeführten Zeichnungen zum Markenzeichen geworden. Eine Frau in Halbfigur widergegeben bietet ihre langen Haare an und sieht dabei eher fassungslos aus. In einer anderen Zeichnung rekurriert auch Emsbach auf das berühmte Gemälde von Courbet, auf der aber im Gegensatz zu Courbet auch das Gesicht der Frau in starker Untersicht gezeigt ist. Es prägt eine seltsam starre Mimik.  Weisen diese Zeichnungen eine lineare Strichgebung auf, erscheint auf einem weiteren ausgestellten Tintenaquarell das „Noli me tangere“ – Sujet in der Wildnis. Eine unbekleidete Frau, die wie in Emsbachs Serie „Die Anthropologin zuhause“ als Teil eines archaischen Volkes auftritt, breitet ein Laken vor ihrem Körper aus. Ein vor ihr kniender Mann berührt durch das Tuch ihren Körper. Emsbach befasst sich vielleicht am berührendsten mit der Ambivalenz des Themas Eros.

Der jüngste Künstler in der Gruppe, Fabian Hesse, ist in einer Gemeinschaftsarbeit mit der ebenfalls in München lebenden Künstlerin Mitra Wakil zu sehen. Titel des computermanipulierten Datensatzes und in 3 D in Lebensgröße ausgedruckt: “o.T. Kopf”. Er zeigt die Verschmelzung zweier liegender Köpfe, wobei aus der Hälfte des wunderschönen Frauenkopfes ein zartes Geflecht (von Gedanken?)  wabert.

What would the world be without eros?  In an age when pornographic images are readily availabe, when intimacy is broadcast and negotiated in the media and on the web, when many display themselves on all channels — that theme raises questions and poses challenges for contemporary art.  Seven artists respond.

Jörg Länger engages the theme in his glass works – freestanding and wall-mounted stele 1.6 meters tall.   He lends accents to a choreography of light and form by inserting colored fragments of both antique and hand-blown glass.  At times drawing on erotic scenes from Greek vases, his motifs appear large-scale and centered or meander as ornament in small figures across the stele. The images are in part burnt and in part sandblasted into the surface.  Originally from Berlin, where he also follows his interests in the humanities, religion, film and photography, Länger lives on Chiemsee.

After completing her studies with honors at the HfbK, the Korean  artist Kyung-hwa Choi-ahoi, remained in Hamburg and became known through her delicate diary drawings depicting social reality and dream sequences.   She approaches our theme with a surreal ductus addressing the subconscious.  Her exhibited works in pencil extract and elaborate on details from the Venetian painter Paris Bordone.  One drawing in colored pencil pictures a kissing pair, who seem to disappear into the paper, another poses a female nude with a ball on shoulder before a wall bearing the schematic portrait of a man. 

Julien Roux`s love-making pair executed win with single stroke of a felt-tip on tissue paper, presents quite a different picture.   The calligraphic concision of his drawings meld above and below, in and out, sex organs and limbs in ever new poses.  He studied with Annette Messager at École Nationale Supérieures des Beaux Arts Paris graduating with honors.  Tel Aviv is now his home. 

The drawings by the Cologne artist Cony Theis (Chinese ink on transparent paper) are infused with humour.  Extracting bunny images from old issues of Playboy, she presents them as strong feminine types.  Their individual aura clearly distinguishes them from contemporary bunnies, and in the exhibited scenes it seems men might easily succumb to these vintage women.  The actual details of encounters remain unclear, when e.g. a man shown from behind opens his coat.  An exhibitionist? And why, in another drawing, do police lead a man away?  The striking figures of women dominate the scenes.  The artist, who has made a name by thematizing crime, the perpetrators and their victims, guilt and finding the truth, has been a professor at the Hochschule der Künste im Sozialen in Ottersberg since 2013.

In a series of variations Ransome Stanley draws on Gustave Courbet’s scandal-provoking painting of 1866, „The Origin of the World“.  For the artist the scandalous lies more in the point of view than the subject itself.  The naked body of a woman seen from below, with a hairy vulva at center and a view to a bared breast interests the artist not so much as the perspective taken.

Bea Emsbach’s drawings done with piston fountain pen and red ink have become her calling cards.  In one presented drawing the figure of a woman depicted in half-length offers her long hair and appears bewildered.  In another modelled on the famous Courbet painting, Emsbach changes the view to show the woman’s face from below.  Her features are curiously transfixed.  These drawings are characterized by their linearity.  Quite different are her ink watercolors like „Noli me tangere“ – a subject in the wilderness. An unclothed woman appears as member of an archaic people as in Emsbachs series, „The lady anthropologist at Home“.   She spreads a sheet before her body.  A man kneeling before her touches her body through the sheet. Emsbach deals, perhaps most sensitively, with the ambivalence of the erotic.

The youngest artist, Fabian Hesse, is represented by a collaborative work done with another Munich artist, Mita Wakil.  The title of the work done as a computer manipulated data set printed in life-size 3D: „untitled. Head“.  In it one sees two merged heads, whereby from one half of beautiful woman’s head a delicate weave (of thoughts?) wafts outward.

„Ich bin den Berg hinuntergelaufen, um einmal herauszukommen. Als ich bei 40 Grad unten ankam, dachte ich, Du bist wohl verrückt! Um ins Dorf zu kommen, musst Du da wieder hoch. Ein Bus fuhr nur zweimal am Tag, morgens und abends. Wann er kam, war immer ungewiss, wie so vieles in diesem Land. Ich bin schließlich wieder hinauf gelaufen, fluchend.“

Im September und Oktober 2016 war die Düsseldorfer Malerin Barbara Petzold im Rahmen eines Austauschprogrammes in die viel besuchte einzige Künstlerkolonie Israels, das nahe Haifa auf einem Berg gelegene En Hod eingeladen. Dieses Künstlerdorf wurde 1953 von dem Dadaisten Marcel Janco gegründet. Noch heute ist mindestens ein Mitglied der dort ansässigen Familien Künstler oder auch Kunsthandwerker. Immer wieder kamen von hier Preisträger des Israel-Preises, dem wichtigsten Staatspreis des Landes.
Die Düsseldorfer Malerin, war die einzige auswärtige Künstlerin in dieser Zeit in der Kolonie und sah sich mit einer ihr fremden und befremdlich empfundenen Mentalität konfrontiert. Neben der ungewöhnlichen Freundlichkeit und Liebenswürdigkeit der Menschen, so die Künstlerin, stand die Unverbindlichkeit jeder Planung. Ob Begegnungen, Besuche, geplante Unternehmungen wirklich stattfanden, blieb stets ungewiss und entsprach, wie sie feststellte, der allseits verbreiteten Haltung, stets einen Plan B bei sich zu haben. Furcht vor militärischen Auseinandersetzungen war nicht nötig, aber die vielen jugendlichen Soldaten und Soldatinnen im Straßenbild von Haifa oder am nahegelegenen Strand waren beklemmend. Und sie, die sich alleine aufmachte und anfing, Ausflüge zu machen und zu reisen, hielt in ihren Zeichnungen diese Stimmungen fest.

Barbara Petzold ist dafür bekannt, dass sie ihre Bilder in einem langen Malprozess herstellt. Es sind Leinwände, die viele verdünnte Ölschichten aufweisen, die stets in eine Richtung gestrichen wurden. Es entstehen Werke, die besondere Lichtstimmungen wiedergeben, wie etwa die unter einer Straßenlaterne im Nebel, oder neben Fischen im Wasser, Blüten im Unterholz oder auf Waldlichtungen. Dabei spielen Frauengestalten als Projektionsflächen eine bestimmende Rolle.

Mit ihren in EN HOD entstandenen Papierarbeiten bewegt sich die Künstlerin in einem für sie ungewohnten Medium, denn Vorzeichnungen gibt es für ihre Leinwände nicht. Die neuen Zeichnungen zeigen wie ihre Leinwände Momente und Stimmungen, die sie auch hier aus dem Gedächtnis auf das Papier bringt. Die meditativen Malflächen auf ihren Bildern ersetzt in der Zeichnung das leere Blatt. Sie ist nicht mit dem Skizzenblock unterwegs, sondern erinnert sich in dem ihr zugewiesenen Atelier in En Hod an den Abenden und dann auch nach ihrer Rückkehr in Düsseldorf. Es geht um Szenen, die für sie während ihres Aufenthaltes prägend waren. Da ist die Beklemmung gegenüber der orthodoxen, schwarzen Bekleidung mit den hohen Hüte und den Bärten ebenso präsent, wie ihre immer mehr sich entfaltenden Lockerheit der fremden Umgebung gegenüber, da wird angesichts der Menge der umherstreifenden Katzen, der Charakter dieses Tieres zum Thema, wie die unendlich erscheinende Weite der dortigen Strände des Mittelmeeres, an dem sich nur vereinzelt Menschen aufhalten.

“I walked down the mountain to get out for a while. When I arrived at the bottom at a temperature of 40 degrees, I thought, you must be crazy – in order to get to the village you have to climb all the way up again. The bus only ran twice a day, in the morning and in the evening. As so much else in this country, it was always uncertain when it would arrive. In the end, I climbed back up, cursing all the way.”
In the context of an exchange program, the Düsseldorf painter Barbara Petzold was invited to live and work from September to October 2016 in the unique and much visited artist colony En Hod in Israel, which is located on a mountain close to Haifa. The Dadaist Marcel Janco founded this artist community in 1953, and to this day at least one member in each of the families residing there is an artist or artisan. Multiple recipients of the Isarel Award, the country’s most significant state award, have emerged from En Hod.
During her stay in the colony, the Düsseldorf painter was the only non-local artist and she found herself confronted with a mentality that appeared both unfamiliar and somewhat alien to her. As the artist has stated, the remarkable friendliness and graciousness of the local people was accompanied by the completely noncommittal nature of planning processes as such. It invariably remained open, whether encounters, visits, or planned activities would actually take place, which corresponded with the prevalent habit of always having a backup plan to resort to. Although it proved unnecessary to fear military clashes, the sight of the many young soldiers present in the streets of Haifa or on the nearby beach was disconcerting to her. Thus, when she began to embark on solitary sojourns in the vicinity, she captured these impressions in her drawings.
Barbara Petzold is known for producing her works in an extensive and elaborate painting process. Her works take shape on the canvas in multiple diluted layers of oil paint rendered in brushstrokes consistently applied in one direction, depicting particular moods of light, such as the subdued illumination of a streetlamp in the fog, or reflexes appearing next to fish in the water, or upon blossoms in the underbrush, and in forest glades. In this framework, female figures play a defining role as projection surfaces.

With the works on paper she created in En Hod she has adopted a new medium, never having employed preliminary sketches in the production of her paintings before. As do her paintings, her new drawings depict moments and atmospheres, which here as well she renders on paper on the basis of her recollections. In her drawings, the blank sheet of paper takes the place of the meditative pictorial planes of her paintings. During her residency in Israel, she did not record her surroundings with a sketchbook in hand, but rather recalled her experiences in the studio assigned to her in En Hod in the evenings, and also drew upon these later upon her return to Düsseldorf. Her focus lies upon scenarios that left an imprint on her mind during her stay. Her unease towards the orthodox black clothing with high hats and beards becomes equally manifest in her works as does her increasingly relaxed stance towards the initially unfamiliar surroundings, while in the face of the great number of free-roaming cats she explores the character of these animals, and evokes the seemingly infinite expanses of the local, sparsely populated beaches alongside the Mediterranean Sea.

Der in München lebende Künstler Stefan Hunstein arbeitet ausschließlich mit fotografischem Material. In den neuen Arbeiten, die er aus seiner Serie „Schön war’s“ weiterentwickelte, befasst er sich einmal mehr mit Ansichtskarten der 50er und 60er Jahre. Er bearbeitet das Bildmaterial in einem von ihm selbst entwickelten und hier weiterentwickelten Verfahren, einem UV Direktprint auf Glas, wobei auf zwei Schichten gedruckt wird. Es entsteht eine besondere Tiefe und Leuchtkraft, die dem Thema, das den Arbeiten seinen Namen gab, nämlich „Utopia“, seine unwirkliche und übernatürliche Aura verleiht. Es geht um eine visuelle Analyse der Aufbruchsstimmung jener Jahre anhand von Straßen- und Architekturansichten und um eine Bewusstmachung der Differenz zu Bildkonzepten unserer Zeit.

Auch Thomas Kälberloh, dessen Atelier in Hamburg ist, geht von alten Postkarten aus. Kälberloh ist Maler. Indem er die vergrößerten, auf Aludibond aufgezogenen Photographien übermalt und markante Stellen verfremdet, spielt er mit dem Thema Erinnerung und Idylle. Zweck der Postkarten war, Wahrzeichen von Landschaften und Städten abzubilden, die zur Erinnerung an Freunde und Bekannte geschickt wurden: „Hier war ich und hier habe ich an Dich gedacht.“ Bei Kälberloh spielt aber nicht die Architektur oder Charakteristika der Landschaft die Hauptrolle, sondern die Figuren, deren Herkunft von Postkarten an der groben Körnung sichtbar bleibt. Sie laufen größtenteils ins Leere, aus einer ungewissen Vergangenheit in eine ungewisse Zukunft.

Valentin van der Meulen lebt in Paris und Brüssel. Ausgehend von Bildern aus den Print-Medien und Bildern aus dem Internet, fertigt er Kohlezeichnungen auf Papier an, die er auf Holzrahmen montiert und die aus der Ferne wie Fotografien wirken. Es sind zumeist Porträts, die aus ihrem Zusammenhang genommen sind und als Close-Up präsentiert werden. Die Zeichnungen bearbeitet der Künstler mit einem breiten, eingekerbten Radiergummi, mit Wasser und Acrylfarben weiter. Auch hier handelt es sich um Auslöschungen, die als virtuose, streng kalkulierte Interventionen wirken. Van der Meulen hinterfragt grundlegendes menschliches Verhalten. Seine Bilder führen zu einer besonderen Wahrnehmung emotionaler Inhalte von Bild und Abbild, etwa wenn es sich wie bei der monumentalen Arbeit „Soleil Noir“ (2,4 x 4m) um ein Gruppenbild von Flüchtlingen handelt.

The Munich-based artist Stefan Hunstein works exclusively with photographic images. As already previously, in the new works that evolved from his series Schön war’s (It was great) he is incorporating postcards of the 1950s and 1960s. Applying a self-conceived technique that was refined for this series, the artist processes the images and renders these in UV direct prints on glass in two superimposed layers. This lends the works, which address the phenomenon of Utopia that also serves as their title, a unique depth and vibrancy, imbuing them with an unreal, supernatural aura. Based upon views of streets and architectural constructions, the works present a visual analysis of the spirit of departure characteristic of these decades, revealing the contrast to the pictorial concepts of our time.

Thomas Kälberloh, who maintains a studio in Hamburg, also proceeds from historical postcards, yet does so as a painter. By overpainting and transforming distinctive areas of enlarged photographs that are mounted on aluminum Dibond, he plays with the subject of memory and the idyll. The traditional purpose of postcards representing landmarks of cities and landscapes and sent as mementos to friends and relatives is to impart the notion: “I thought of you while visiting this place.” For Kälberloh neither a particular architecture nor a landscape plays the main role, but rather the figures take center stage whose derivation from postcards remains visible in the graininess of the images. They largely appear to be proceeding towards nothing, moving from an uncertain past into an indistinct future.

Valentin van der Meulen resides in Paris and Brussels. Proceeding from images gathered in print media and through the Internet, he creates charcoal drawings on paper, which he mounts upon wooden frames and which from a distance evoke the impression of being photographs. They are mostly portraits, which have been detached from their original context and are presented as close-ups. The artist further reworks these with a broad, notched eraser, water, and acrylic paint. Here as well obliterations are employed that appear like virtuoso, strictly calculated interventions. Van der Meulen questions fundamental human behavior patterns. His works lead to a heightened perception of the emotional contents of image and representation, such as in the case of the monumental tableau Soleil Noir (2,4 x 4 m) that depicts a group of refugees.

Das Atelier, der reale Raum der Praxis, Ort des Sammelns und Ausdruck von  Innen- und Außenwelt des Schaffens – diesem alten Thema der Selbstreflexion von Künstlern über Kunst widmet sich Ransome Stanley in seinen neuesten Arbeiten. „Identität“ spielt nicht mehr allein im Hinblick auf seine afrikanischen Wurzeln eine Rolle, wie in seinen beiden vorangegangenen Einzelausstellungen in der Galerie. Es geht um den Genius Loci des Ateliers, um Selbstdarstellung durch die Räumlichkeit und Objekte, die er auf sein Tun bezogen darstellt. Zahlreiche Reisen und die in der Zwischenzeit regelmäßigen Ausstellungen u.a. in London, Johannisburg und Kapstadt ließen ihn immer häufiger zum Wanderer zwischen den Welten und Nomaden werden. So spielte für ihn in letzter Zeit das Atelier als Produktionsstätte, als Ort Rückzugs und des Nachdenkens eine neue Rolle.
Ransome Stanley, geboren 1953 in London,wuchs in Grenzach bei Basel auf. Er studierte an der Akademie in Stuttgart und lebt seit 1986 in München. Vertreten u. a. in der Sammlung Oppenheim, Hypo-Vereinsbank, Weltkulturen Museum Frankfurt a. M., Unisa, University of South Africa; zahlreiche Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen zuletzt: Biennale de Casablanca (Artist in Residence Ifitri/Essaouira), Marokko (2014) Fondation Blanchere, Aix en Provence, F (2015), Kunstverein Aschau, D (2015).

In his latest works, Ransome Stanley is exploring the studio, the original space of art production, a place of contemplation and expression of inner and outer realms of creative work, dedicating himself to the traditional theme of the artist reflecting upon his or her aesthetic practice. Contrary to his two previous solo exhibitions at Hengevoss-Dürkop gallery, ‘identity’ is no longer exclusively explored by the artist in terms of his African roots. He is now engaged in an investigation of the studio as the genius loci, including methods of self-representation through the spatial situation and the objects that he depicts in relation to his work as an artist. Due to multiple journeys and exhibitions that in the meantime regularly lead Stanley to London, Johannesburg, and Cape Town he has increasingly become a nomad and wanderer between the worlds. Thus the studio has gained new significance for him as a site of production and a place of retreat and reflection.

Ransome Stanley, born in 1953 in London, grew up in the German town of Grenzach near Basel, Switzerland. He studied at the Academy in Stuttgart and since 1986 has been residing in Munich. His works are included in various major collections, among these the Sal. Oppenheim Collection, the Corporate Collection of the HypoVereinsbank – UniCredit Bank, Munich, the Museum of World Cultures, Frankfurt/Main, Germany, and the University of South Africa (UNISA), Pretoria. He has participated in numerous exhibitions, most recently in presentations at the Biennale de Casablanca (Artist in Residence Ifitri/Essaouira), Morocco (2014), Fondation Blanchere, Aix en Provence, France (2015), and Kunstverein Aschau, Germany (2015).

Auf das Verhältnis von Abstraktion und Gegenständlichkeit in der Malerei angesprochen, gab Armin Sandig 1961 die Antwort: Er wisse, dass es Leute gäbe, die auf einen Umschlag zur Gegenständlichkeit hofften. Er halte es aber für sicher, dass gerade sie enttäuscht sein werden. Denn so, wie sie sich die Bilder wünschten, würden sie bestimmt nicht sein. Bis zuletzt hat der Künstler eine Figurenwelt vor Augen geführt, die vielfach gebrochen erscheint. Fast wie ein Widerspruch wirkt dazu ihre leuchtend bunte Farbpalette, die auf eine strahlende Welt voller intensiver Lichtempfindungen hinweist.

Armin Sandig (geb. 1929 in Hof/Saale) war 1980 bis 2011 Präsident der Freien Akademie der Künste in Hamburg. Letztes Jahr ist er verstorben. Mehr als drei Jahrzehnte unterrichtete er an der Hamburger Fachhoch-Schule für Architektur, später Hafencity Universität. 1989 wurde ihm von der Freien und Hansestadt Hamburg eine Ehren-Professur verliehen. Regelmäßig hat die Griffelkunst in Hamburg seine Radierungen ediert. Aber Sandig hat nicht nur ein umfangreiches graphisches Werk geschaffen, sondern war auch Maler. Sandigs Bilder sind  in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten, u.a. in der „Sammlung Zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland“.

Bei Cris Pink stehen weiterhin Natur, Wasser und Lichtstimmungen im Vordergrund. Ihre neuen Bilder mit Titeln wie Bird’s Song, Luz de Tarde, Guardiano del Seun?o sind eine persönliche Auseinandersetzung mit dem allgemeinen Thema „Abschied von der Kindheit“. Cris Pink, geboren in Koblenz, lebt seit 30 Jahren in Palma Mallorca. Ausstellungen in Frankfurt a.M., Mainz, Koblenz, Barcelona und Palma de Mallorca. 1994 gründete sie die Designschule „Blau“ in Palma. Daneben unterrichtete sie an der Helwan University in Kairo und der Universidad de las Islas Baleares in Palma de Mallorca.

In den verschiedenen Teilen seiner „kopfüber“-Serie, den Rheinschiffen, Kreuzfahrtriesen, Gondeln in Venedig und Schwimmenden Märkten in Thailand, wandte sich Dirk Brömmel immer mehr rudimentäreren Formen des Schiffskörpers zu. Es handelt sich hier um Flöße auf der Isar in München. Dirk Brömmel, geboren in Bonn/ Bad Godesberg, lebt und arbeitet in Wiesbaden. Nach seiner Ausbildung zum Fotografen und Erhalt des Diploms für Kommunikationsdesign an der FH Wiesbaden, absolvierte er das Studium der Freien Kunst an der Johannes Gutenberg Universität  Mainz mit Auszeichnung. Er wurde durch seine Schiffporträts international bekannt und mehrfach ausgezeichnet. Daneben ist vor allem seine Werkserie „Villa Tugendhat“ bekannt. Mit einem neuen Projekt erlangte er das Christa-Moering Stipendium 2016. Bis zum 15. Mai ist eine umfangreiche Ausstellung des Künstlers in der Architektenkammer NRW in Düsseldorf zu sehen.

Der Titel der Ausstellung RE-MEMBER enthält eine zweifache Anspielung. Er bezieht sich zunächst auf das Thema Geschichte. Die Silbe RE sticht dabei besonders hervor. Wir lesen RE im Sinne von "zurück", respektive "nicht zurück", da die Buchstaben durchgestrichen sind. Und wir lesen "MEMBER", womit der Künstler uns als aktiven Teil der Geschichte hervorhebt. Zudem greift das Durchstreichen der ersten Silbe auch in der Wortgestaltung ein zentrales Stilmittel Valentin van der Meulens auf: Ausradieren und Übermalen. Mit einem breiten eingekerbten Radiergummi und - neuerdings - mit einem breiten Pinsel und farbiger Ölfarbe bearbeitet er seine großformatigen, feinen, wie Fotografien wirkende Kohlezeichnungen. Die dabei entstehenden Spuren wirken wie wilde Gesten, mit denen der Künstler den emotionalen Gehalt erhöht, Zeitläufe erfahrbar machen und anregen will, über die Bedeutung der Vergangenheit in der Konstruktion unserer Gegenwart nachzudenken.

So befindet sich zum Beispiel an der Stirnseite der Galerie ein Porträt von Dwight D. Eisenhower (346 x 220 cm). Es ist eine Referenz an die Abschiedsrede des scheidenden amerikanischen Präsidenten aus dem Jahr 1961 und seinen Warnungen vor einer künftigen Rezession in den USA.

Ein Polyptychon aus 5 Zeichnungen (je 130 x 190 cm), die mit den Primärfarben Rot, Blau und Gelb übermalt wurden, verweisen auf primäre Verhaltensweisen des Menschen gegenüber dem Leben, denen wir uns nur bewusst sind, wenn wir unmittelbar damit konfrontiert werden. Unter künstlerischen Aspekten entsteht zwischen den Kohle-Zeichnungen und der Ölfarbe eine ungewöhnliche Spannung, die noch dadurch gesteigert wird, dass die Ölfarbe in situ  über den Rand des auf Holzrahmen gespannten Papiers hinaus auf die Wand gemalt wurde.

Eine dritte Bildserie bezieht sich auf Paris im November 2015 (je 100 x 80 cm). Es sind Zeichnungen, die aufgrund von Bildern aus dem Internet entstanden sind. Sie zeigen nicht unmittelbar das Geschehen, sondern befassen sich mit Vorstellungen zwischen Alltäglichkeit und Realität, Sorglosigkeit und Aktualität. Und sie fragen danach, was individuell und was kollektiv, was ephemer und was permanent ist.

Valentin van der Meulen (geb. 1979 in Lille) lebt und arbeitet in Paris und Brüssel.

The title of the exhibition, RE-MEMBER, conveys various meanings. On the one hand, it bears reference to the phenomenon of history. In this respect, the prefix “RE” has particular prominence. Due to the fact that the letters are crossed out, we read “RE” in the sense of retrospection versus the obliteration of retrospection. And we realize that by stressing the word “MEMBER” in this manner the artist is placing emphasis on our active roles in the course of history. In addition, the act of crossing out the first syllable formally corresponds to the central stylistic devices of deletion and superimposition employed by Valentin van der Meulen in his work. He revises his delicate large-format charcoal drawings, which resemble photographs, using a broad, notched eraser, recently also a large brush and oil paint in a range of colors in the process. The resulting traces appear like wild gestures, with which the artist enhances the emotional impact of his compositions, simultaneously seeking to make the passing of time perceivable and to induce us to think about the significance of the past in the construction of our present-day reality. 

Thus, the front wall of the gallery features a portrait of Dwight D. Eisenhower (346 x 220 cm). It is to be seen as a reference to the former president’s farewell speech in 1961 and his warning anticipating a future recession in den United States.

A polyptych comprised of five drawings (each 130 x 190 cm), which have been overlaid with the primary colors red, blue, and yellow, alludes to primary human behavior patterns in the context of everyday life, of which we only become conscious when these immediately confront us. Aesthetically, a striking tension develops between the media of charcoal drawing and oil painting, which is still increased by the artist’s practice of painting in situ onto the wall beyond the boundaries of the individual framed compositions. A third series of works makes reference to the events in Paris in November of 2015 (each 100 x 80 cm). It consists of drawings that the artist composed on the basis of images derived from the Internet. They do not depict immediate events, but rather address the interrelationships between the carefree pursuit of everyday life and the stark reality of crisis. In this process, they pose questions regarding the nature of the individual and the collective, of ephemerality and of permanence. 

Valentin van der Meulen (b. 1979 in Lille) lives and works in Paris and Brussels.

Die fotografischen Arbeiten von Stefan Kiess sind keine Fotografien sie sind aus Fotografien gemacht. In einem komplexen Montageverfahren werden Negative zerschnitten, umkopiert, zusammengesetzt, wieder zerlegt, umkopiert u.s.w., sodass schließlich weder Ur- noch Abbilder zu erkennen sind. Der Titel der Ausstellung "obscure places" nimmt auf die seltsam vertraut / unvertraute Wirkung der entstandenen Bilder Bezug.  

Die Montage ist, unter anderem, ein Mittel, die Zentralperspektive zu verlassen und damitden Illusionsraum aufzulösen. In einem Prozess der forschenden Annäherung wird die  Auflösung der Gegenständlichkeit so weit getrieben, daß die Struktur des fotografischen  Materials selbst hervortritt. Materialstruktur und Oberflächenanmutungen schwingen mit- und  Gegeneinander. Es entstehen Formüberlagerungen. Binnen- und Außenform, positive und  negative Formen durchdringen sich, verwandeln sich ineinander.

In diesem Sinne befassen sich die Arbeiten von Stefan Kiess mit dem Repertoire architektonischer Formensprache, aber auch dem bildnerischen Kanon der Abstraktion, um autonome Formen zu entwickeln. Ob das fertige Motiv meist als Teil einer Reihe oder Serie konzipiert dabei kleinformatig oder in monumentalem Maßstab reproduziert wird, ist so der Künstler - eine Frage der Angemessenheit und der Wirkung im Verhältnis zur Bildaussage. In der Ausstellung zeigen wir größere Formate, die aufwendig gerahmt sind.

In "Obscure places" klingt das Thema der vorangehenden Serie "Auslöschung" nach, die Urthemen der Architektur durchdeklinierte: die bergende Höhle und der Schutzraum, das Sicherheitsbedürfnis des Menschen. Dabei werden auch die Gegenthemen Teil der Arbeit. Der Schutzraum ist nur das Gegenbild des Ausgeliefertseins. Und ähnlich verwandelte der Künstler in der Serie "Finis Terrae" die dialektische Widersprüchlichkeit des menschlichen Daseins in Bildmetaphern: die sprichwörtlichen Ruinen des Fortschritts, die im Zuge von Industrialisierung, Kolonialisierung oder Krieg entstanden sind. Nie ging es Stefan Kiess darum, Bildbeispiele in einem seriell-dokumentarischen Verfahren (Stichwort: Bernd und Hilla Becher) zu dokumentieren, sondern mit eigenständigen Formengebilden die Zweischneidigkeit der Moderne zu spiegeln. Aus fotografischem Material werden im oben beschriebenen Montageprozeß abstrakte Bildmetaphern hervorgebracht. In "obscure places" bekommen die  Formenkombinationen, Atmosphären und grafischen Effekte eine bisher selten in seinem Werk erreichte Verdichtung.

Nach dem Studium der Visuellen Kommunikation und des Foto-Design in Schw. Gmündund Dortmund ( 1974 - 1981 ), arbeitete Stefan Kiess 18 Jahre als freier Architektur - und Industriefotograf.  Seit Anfang der 2000 widmet er sich ausschliesslich künstlerischen Projekten. Er lebt und arbeitet in Köln. Weitere Informationen über die Galerie.

STEFAN KIESS

Obscure Places

Photographic works

Opening: Saturday, June 20, 18 21 h

June 21 July 31, 2015

Triennial of Photography Hamburg 2015

Stefan Kiess’s photographic works are not strictly photographs, but they are composed of photographic images. In complex montage procedures, the artist cuts up negatives, reduplicating, reassembling, disassembling, and again reduplicating these in a multi-stage procedure that ultimately renders the original images and replicas indistinguishable. The title of the exhibition Obscure Places makes reference to the strangely familiar/unfamiliar effect of the resulting images. Among other things, montage serves as a medium to depart from the central perspective and to eliminate the illusionary space. In a process of investigatory approximation, the representation is successively dissolved until the structure of the photographic material itself becomes evident. The material structure and surface appearances both interact with and counter each another, while superimpositions of inner and outer, positive and negative forms mutually interpenetrate and transform one another. In this sense, Kiess’s works address the repertoire of architecture’s formal language, but also the pictorial canon of abstraction, while developing autonomous forms proceeding from these points of departure. The artist’s decision to reproduce the motifs resulting from his complex aesthetic transmogrifications, which are usually conceived as part of a series, in small formats or in a monumental scale is based upon finding the adequate balance of stylistic aspects in relation to the aesthetic content. In the exhibition, we are presenting elaborately framed larger formats.

In Obscure Places, the theme of the artist’s previous series, Auslöschung, (Obliteration) is still resonant, which revolved around fundamentals of architecture: the protective space of the cave, the shelter, and the human need for safety and security. In the process, the related antitheses became part of the work. The shelter or haven was made manifest as the counter-image of helplessness and subjection. In the series Finis Terrae, the artist transformed the dialectical contradictoriness of human existence into pictorial metaphors in a similar manner, pointing to the proverbial ruins of progress, which came about in the course of industrialization, colonization, or war. It has never been Kiess’s objective, however, to document phenomena in an exemplary fashion employing a serial, documentary method (in the manner of Bernd und Hilla Becher, for instance), but rather to reflect the double-edgedness of Modernism with his own unique formal creations. In the montage technique outlined above, he brings forth abstract pictorial metaphors from the photographic source material. In Obscure Places, the artist succeeds in an exceptional compression and conflation of formal combinations, moods, and graphic effects that marks a new level of accomplishment in his work.

 After completing his studies of visual communication and photo design in Schwäbisch Gmünd and Dortmund (1974 1981), Stefan Kiess worked as a freelance architectural and industrial photographer for eighteen years. Since early 2000 he has been exclusively engaged in realizing projects as an independent artist. He lives and works in Cologne.

 For further information please contact the gallery.

In der Ausstellung "Ein Tag im Leben von" befragen drei Künstler -   Fabian Hesse, Thomas Kälberloh und Cousteau Tazuke - durch Übermalen, Transformieren und Überlagern in ihren Arbeiten Grenzen und Bezugssysteme der Kunst.

 Durch die Beschäftigung mit unterschiedlichen Phänomenen des Bildlichen vom klassischen Stillleben bis zur antiquarischen Postkarte bekannter Feriendomizile, erforscht Thomas Kälberloh malerisch deren Auflösung. Hierbei entfernt er sich von der Gegenständlichkeit und nähert sich einer immer größer werdenden Abstraktion an, die einen neuen Interpretationsspielraum zulässt.

Ausgehend von dem Begriff des "asaroton", einer Mosaikform des 2. Jh v. Chr., das den ungefegten Fussboden mit Essensüberresten zum Thema hat, fragt sich Kälberloh: Was passiert, wenn ein Aufbau, ein festgefügtes und in vielen Bezugssystemen eingebundenes Arrangement wie ein "Stillleben" umgestoßen wird und auf dem Boden landet?   Durch dunkel gehaltene Farbtöne erfahren seine Stillleben eine Art der Melancholie, die gleichzeitig eine besonnene Form der Ruhe ausstrahlen. Abstrakte Figuren, die entfernt an eine Tischkante oder Blütenblätter erinnern, sind in konträren Farben aufgetragen und wirken wie durch Nebelschleier gesehen. Kälberlohs Fussböden wirken wie gewischt, auf denen nur mehr geisterhaft die Überreste von Blumensträußen und Tischarrangements zu sehen sind, als ginge es um das Ende des Themas "Stillleben".

 Mit ironischen Mitteln werden auch die Geschichten der auf Flohmärkten gefundenen Postkarten neu erzählt. Durch das Übermalen zentraler Bildelemente wird die eigentliche Intention einer Postkarte, das Erinnern an einen bereisten Ort, gestört. Das Wort "Ansichtskarte" bekommt in Kälberlohs Werk eine zusätzliche Bedeutung: Ansichten und Erinnerungen können neu, hier auffallend unbeschwert, gedacht werden.Dass nicht nur das Bildliche verschwinden kann, zeigt Kälberlohs Werkreihe "Orest", in der er Wörter und Schriften der tragischen Figur der griechischen Mythologie übermalt und so nicht nur das Visuelle, sondern die Erzählung selbst vernichtet. Das Weglassen der Sprache führt auch hier zu einer Neuinterpretation, wobei zugleich das betont wird, was bereits vergessen geglaubt wurde.

 Ähnlich wie Thomas Kälberloh mit seinen Übermalungen betreibt Fabian Hesse ein Spiel mit der Verfremdung. Doch anders als bei Kälberloh geht es hier nicht um ein Auslöschen des Vorherigen, sondern vielmehr um Transformation des ursprünglichen Materials, von immateriellen, ungreifbaren Daten in eine physische Existenz. Hesse experimentiert mit 3D-Druckern und lässt Daten zu abstrakten Skulpturen wachsen. Dazu nimmt er Datensätze aus seinem E-Mail Account, z.B. Spam-Mails, aus Dokumenten von Edward Snowden oder aus einem Smart-Phone und verfremdet sie so, dass keine eindeutigen Informationen mehr bestehen. Im Zusammenspiel mit Open-Hardware Druckern, deren Baupläne er umgestaltet, entstehen computergenerierte Objekte, die wie nicht bestimmbare und nur schwer beschreibbare Skulpturen anmuten. Sie sind fragil, oft aber zugleich auch kantig und wirken teilweise brutal. Es vermischen sich das Exakte mit dem Unbestimmbaren, das Materielle mit dem Immateriellen. Hesses Interesse liegt hier im postmodernen Diskurs um eine Wissensgesellschaft, in der Informationen als Machtinstrument dienen. Der Kampf um Informationen entwickelt sich durch neue Technologien zu einer immer größer werdenden Frage nach Herrschaft und Kontrolle. Seine Werke zeugen vom Wahnsinn der Überwachung, der mit der Gier nach Speicherung von Daten einhergeht, aber auch von der Faszination der Räume des Cyberspace und Internets mit den von ihnen ausgehenden Veränderungen. Der  Künstler agiert als Bildhauer, der nicht mit seinen Händen formt, sondern ihm verfügbare Datenmengen mittels neuer Technologien, wie eben den 3D-Druckern, ein Gesicht gibt, in einem Fall sich mit einem Werk der Bildhauerei auseinandersetzend: Hesse stellt in der digitalen Weiterbearbeitung des archäologischen 3D-Scans der "Venus von Willendorf", der weichen, durch ausladende Formen charakterisierten, berühmten österreichischen Steinzeit-Skulptur, eine Fruchtbarkeitsfigurine des 21. Jahrhunderts gegenüber. Der "Venus von Willendorf Remix" wachsen plissierte, kristallin wirkende Flächen und kompakte Strahlen aus dem üppigen Körper.

Der aus Osaka stammende Cousteau Tazuke arbeitet ebenfalls mit neuen Technologien. Er erkundet Mischformen von Objekt und Malerei. Tazuke ritzt durchsichtige Akrylplatten an, und füllt die entstehenden Hohlräume mit acidhaltiger Farbe aus. Am Ende stellt er sie mit ihrer Rückseite aus, auf diese Weise Vorder- und Rückseite   Positiv- und Negativ-Form     vermischend.  Sichtbar wird ein Netzwerk von streng geometrischen Linien. Die Beziehung zwischen Oberfläche und Raumtiefe wirkt komplex. Mit unterschiedlichen Methoden, wie linear perspektivischen Verkürzungen, Verrücken des Mittel- und Brennpunktes oder einer enormen Anhäufung sich überschneidender Linien, ist jedes Werk auf seine eigene Weise darauf ausgerichtet, grenzenlose Unendlichkeit zu generieren und das Gefühl eines riesigen komprimierten Raumes zu evozieren. Während die geritzten/gemalten Linien in den Acryl- Platten "Endlosigkeit"   beschreiben, zieht die hochglänzende Oberfläche der Stücke den Blick des Zuschauers auf und in das darunterliegende Gitterwerk und zieht allmählich den ihn umgebenden wirklichen Raum in seine Tiefen mit sich.

Fabian Hesse (*1980 in Augsburg) lebt und arbeitet in München. 2004-12 Studium an der AdBK München, Meisterschüler bei Prof. Olaf Metzel, Abschluss Diplom; 2007 - 08 Studium an der AdBK Wien bei Prof. Heimo Zobernig. 2003 - 04 Architekturstudium an der TU Berlin. Er erhielt u.a. folgende Preise/Stipendien: Bayerische Debütantenförderung (2014); BangaloREsidency, Jaaga, Goethe Institut, Bangalore/Indien (2013); Kunstpreis des Bezirks Schwaben (2013); Residency bei Nucleo, Gent (2012). Seine Arbeiten waren zuletzt u.a. in folgenden Ausstellungen vertreten: We are here because…, Weisses Haus Wien; Die Irregulären - Ökonomien des Abweichens, NGBK Berlin (2013); Tacker, Galerie der Künstler, BBK, München (2013); GENERAL EXCHANGE, Transmission Gallery, Glasgow (2012); Rumore, Le Murate und Villa Romana, Florenz (2012); Eure Armut kotzt mich an!, Galerie KUB, Leipzig (2011). Hesse ist zudem Beitragender zahlreicher Publikationen und Wokshops.

Thomas Kälberloh (*1957 in Essen), lebt und arbeitet in Hamburg. 1981-83 Studium an der HAW Hamburg; Ausstellungen u.a. 2014 Werkheim Hamburg, 2013 Kunst im REE, Heizwerk Bille, Hamburg, 2011 Kulturforum Lüneburg, 2009 GLS Bank, Berlin, 2005 Kunstdialog Hamburg-Köln-Berlin, Kleisthaus Berlin.

Cousteau Tazuke (*1982 in Osaka, Japan) lebt und arbeitet in Tokio. 2007 Tama Art Univ., Dep. of Graphic Design, B.A., 2010 Tama Art Univ., Dep. of Painting, M.A., Ausstellungen u.a. 2014 "The Notching Images”, Frantic Gallery Tokio, 2012, "OUT of FLAT” Galerie Hengevoss-Dürkop, 2011 "Alternativ Lines”, Frantic Gallery Tokio, 2010 "Structure beyond Function”, Traditional Japanese Sake Storehous, Kamakura, 2009 "circle”, CCAA, Tokio, "Graduation works Exhibition”, The National Art Center, Tokio.

Press Release

 Ein Tag im Leben von / A Day in the Life of

Fabian Hesse, Thomas Kälberloh, Cousteau Tazuke

Sculptures and paintings

Opening reception: February 12, 2015, 7 9 p.m.    

February 13, 2015 April 4, 2015

Employing the methods of overpainting, transformation, and superimposition, in the exhibition Ein Tag im Leben von / A Day in the Life of, the three artists Fabian Hesse, Thomas Kälberloh, and Cousteau Tazuke challenge the boundaries and reference systems of art in their works.

With a focus on various forms of pictorial representation, extending from classical still lives to old postcards of popular vacation destinations, Thomas Kälberloh is investigating the dissolution of these phenomena in his paintings. In the process, he departs from figuration proceeding to increasingly abstract renditions that permit new scope for interpretation. Ensuing from the "asaroton,” a type of mosaic from the 2nd century BC that depicts an unswept floor soiled with debris of food, Kälberloh asks himself what happens when a construct, a firmly established arrangement such as a still life that is interwoven in many frames of reference is knocked over and lands on the floor? Through the dark tones that define them, his still lives are imbued with a kind of melancholy, while simultaneously exuding a particular tranquility. Abstract figures that faintly recall the edge of a table or the petals of flowers are applied in contrasting colors, appearing as if perceived through a veil of mist. Kälberloh’s floors look as if they had been wiped clean. Wraithlike remnants of flower bouquets and table arrangements are to be seen, as if the artist was evoking the end of the still life as subject matter.

The stories of the postcards found at flea markets, in turn, are retold through ironical means. In overpainting central pictorial elements, the actual intention of a postcard, namely to evoke a site visited on a journey, is disrupted. The term "picture postcard” takes on an additional meaning in Kälberloh’s work: visualizations and recollections can be conceived here in a new, remarkably unburdened manner. The fact that not only pictorial aspects are subject to dissolution is revealed in Kälberloh’s series of works entitled Orest, where the artist has overpainted the words and writings of the tragical figure of Greek mythology, thus not only destroying the visual element, but the narrative itself. Here as well, the omission of language leads to a new interpretation, while at the same time that which had been already been deemed forgotten is emphasized. In a manner similar to that of Thomas Kälberloh’s procedure of overpainting, Fabian Hesse also plays with methods of disruption and alienation. Yet contrary to Kälberloh, the artist’s objective is not an obliteration of a precedent visualization, but rather a transformation of the original material, a transposition of immaterial, intangible data into a form of physical existence. Hesse experiments with 3-D printers, letting data grow into abstract sculptures. For this process, the artist extracts data from his email account, from spam mails for instance, from documents compiled by Edward Snowden, or from his smart phone, modifying them in such a manner that clearly recognizable information no longer exists. Interacting with open hardware printers, whose construction plans he reconfigures, he creates computer-generated objects, indefinable sculptures that are difficult to describe. These are fragile, yet simultaneously frequently angular, partially even appearing brutal, and conflating the precise with the indeterminable, the material with the immaterial. Here Hesse’s interest lies in the post-modern discourse revolving around a knowledge-based society in which information serves as an instrument of power. Through new technologies the struggle for dominance over information is increasingly developing into a question of power and control. His works bear witness to the mania of surveillance that accompanies the greed for storing data, but also testifies to the fascination with the expanses of cyberspace and the Internet, and with the massive changes these have engendered. The artist acts as a sculptor who does not form matter with his hands, but rather gives mounds of data a form through new technologies such as the 3-D printer, in one case explicitly addressing an eminent work of sculpture: In his digital rendition of the archeological 3-D scan of the "Venus of Willendorf”, he counters the famous Austrian Stone Age sculpture characterized by soft, expansive forms with a fertility figurine of the 21st century, from whose voluptuous body pleated, crystalline surfaces and compact rays emerge.

Cousteau Tazuke, who was born in Osaka and resides in Tokyo, also employs new media in his works. He explores hybrid forms conjoining sculpture and painting. Tazuke cuts notches into transparent acrylic panels and fills the resulting cavities with acidic pain. Finally, the layered objects are presented from the back, thus bringing together front and reverse sides, positive and negative forms, and revealing an intertwining grid of strict geometrical lines. The interrelationship between the surface and the spatial depth of the objects is highly complex. Based upon various methods, such as linear perspective contraction, a shifting of the vanishing or focal point, and an enormous accumulation of intersecting lines, the works are designed to generate the notion of boundless infiniteness and to evoke the impression of a gigantic compressed space in their respective individual manner. While the incisions/painted lines on the acrylic panels evoke "infinity,” the high-gloss surfaces of the sculptures draw the viewer’s attention to and into the underlying grid, absorbing the surrounding real-life space into its depths as well.

 Fabian Hesse (*1980 in Augsburg) lives and works in Munich. Studied 2004 2012 at the AdBK Munich (Prof. Olaf Metzel, graduate diploma, 2012); 2007 2008 at the AdBK Vienna (Prof. Heimo Zobernig); Architectural studies 2003 2004 at the TU Berlin. Awards/grants, among others: Bayerische Debütantenförderung (Bavarian Debutant Award, 2014); BangaloREsidency, Jaaga, Goethe Institute, Bangalore / India (2013); Kunstpreis des Bezirks Schwaben (Art Award of the District of Swabia, 2013); Residency at Nucleo, Gent (2012). Recent exhibitions: We are here because…, Weisses Haus Wien Die Irregulären Ökonomien des Abweichens, NGBK Berlin (2013); Tacker, Galerie der Künstler, BBK, Munich (2013); GENERAL EXCHANGE, Transmission Gallery, Glasgow (2012); Rumore, Le Murate and Villa Romana, Florence (2012); Eure Armut kotzt mich an!, KUB Gallery, Leipzig (2011).

Thomas Kälberloh (*1957 in Essen), lives and works in Hamburg. Studied 1981-83 HAW Hamburg; Exhibitions, among other venues at Werkheim Hamburg (2014), Kunst im REE, Heizwerk Bille (2013),Kulturforum Lüneburg (2011), GLS Bank, Berlin (2009), Kunstdialog Hamburg-Köln-Berlin, Kleisthaus Berlin (2005).

Cousteau Tazuke (*1982 in Osaka, Japan) lives and works in Tokyo. B.A. in 2007 at Tama Art University, Department of Graphic Design; M.A. in 2010 at Tama Art University, Department of Painting. Exhibitions of his work (selection): The Notching Images, Frantic Gallery Tokyo (2014), OUT of FLAT, Galerie Hengevoss-Dürkop (2012), 2011 Alternative Lines, Frantic Gallery Tokyo (2011), Structure beyond Function, Traditional Japanese Sake Storehouse, Kamakura (2010), circle, CCAA, Tokyo (2009), Graduation Works Exhibition, The National Art Center, Tokyo (2007).

Kyung-Hwa Choi-Ahoi

"Mutterkorn"

Zeichnung

Eröffnung der Ausstellung: Freitag, den 12. September 18 bis 21 Uhr

Einführung: Dr. Daniel Koep (Assistenz Direktor, Hamburger Kunsthalle)

Ausstellungsdauer 13. September bis 4. Oktober 2014

Saisonstart der Galerien im Kontorhausviertel [www.galerienimkontorhausviertel.de]

Mit verlängerten Öffnungszeiten am Samstag/Sonntag 13. / 14. September 12 17 Uhr

Die Koreanerin Kyung-Hwa Choi-Ahoi   führt in ihren ausgestellten Arbeiten das Thema der Garten- und Pflanzen-Zeichnungen fort.  Diese resultieren aus Tagebuchzeichnungen, die in der Zwischenzeit 6000 Blatt umfassen und für deren erstes Konvolut die Künstlerin 2001 als Hochschulabsolventin an der HfBK in Hamburg den Karl-Ditze Preis bekam.

Wiederkehrende Sujets ihrer Tagebuchblätter sind seit den Anfängen der Aufzeichnungen Träume und damit die surreale Welt, die durch Worte, Satzfetzen oder kürzere zusammenhängende Anmerkungen kommentiert sind.   Es geht dabei weniger um Verarbeitung von Erlebtem als um Wort- und Bildschöpfungen, die ein lyrisches Eigenleben führen. In den letzten Jahren unternahm Choi-Ahoi anatomische Studien in der Pathologie.   Auch hier war es das Interesse an der Welt hinter der Oberfläche, die sie suchte.    

Ein dreimonatiger   Atelier-Aufenthalt im Park vom Schloss Ritzebüttel in Cuxhaven lenkte ihre Beobachtung verstärkt auf die Natur und Pflanzenwelt. Sie war fasziniert von der Ähnlichkeit des Aufbaus von Pflanzen und von menschlichen Körperteilen.   Füße, Münder, Nasen, Ohren fanden seither Eingang in ihre Pflanzenzeichnungen und stehen neben und anstelle von Rispen, Blüten und Knospen. Erst bei genauerem Hinschauen wird deutlich, wie sehr sie Themen miteinander verwoben hat.    

In der Anlage sind die Zeichnungen botanische Studien, die auf den ersten Blick wissenschaftliches Interesse signalisieren und auf den zweiten Blick wie Bilder halluzinatorischer Zustände wirken.   Es war denn auch diese Wirkung von "Mutterkorn", ein Getreidepilz,   auf die der Titel der Ausstellung abhebt. In geringer Dosis wirkt Mutterkorn als Arzneimittel , wird   zB Frauen nach der Geburt verabreicht . In der falschen Dosierung wirkt es tödlich und führte in der Vergangenheit zu Massensterben, wenn es im Getreide unentdeckt blieb.   In den Garten- und Pflanzenbildern der Künstlerin erscheint die Gefahr noch in anderer Form: als   Stachel, als Nadel, als Dorn. In der Vielfältigkeit der Bezüge, der Präzision der Zeichnung, der teils irritierenden perspektivischen Umsetzung, die über die Zusammensetzung surrealer Bildelemente hinaus, den Bildern eine irreale Stimmung verleiht, erinnert die Bildsprache der Künstlerin an die metaphorische Ebene mittelalterlicher Kunst.  

Anlässlich der Ausstellung erscheint das Künstlerbuch "lieber geld" Textem Verlag.  Kyung-Hwa Choi-Ahoi gehört zu den Gewinnern des Sella Hasse Kunstpreises 2014, der am 10. September im Künstlerhaus FRISE verliehen wird.

Eine der ältesten Gattungen in der bildenden Kunst, die niemals an Aktualität verloren hat, ist das "Porträt". Der Wiener Fotograf Reiner Riedler führt uns einen interessanten Fall vor Augen. Es geht um Porträts von uns allen bekannten Filmen wie "Casablanca" von Michael Curtiz (1942), "Der blaue Engel" von Josef Sternberg (1929), "Ginger e Fred" von Federico Fellini(1986) etc. Allerdings ist nicht eine signifikante Szene ausgesucht oder etwa mehrere Szenen kompiliert worden, sondern die jeweilige Filmrolle in ihrer Materialität an sich abgebildet.  Wir habe leuchtende, häufig vielfarbige Scheiben vor Augen, mit gestrichelten oder gekörnten kreisförmigen fragilen Linien, die auf ein Inneres zulaufen, das in der Mitte wie durch eine Linse Licht ungehindert durchdringen lässt. Es ist die teils auffällige Ähnlichkeit mit der Iris eines Auges, dass die Darstellung personalisiert, mystifiziert, mit einer eigenartigen Lebendigkeit durchdrungen zeigt. Diese nimmt umsomehr zu, als man die Titel der Filme auf sich wirken lässt. Der kühle bläuliche Schimmer von "See it now: A Conversation with   J. Robert Oppenheimer" von Don Hewitt (1955) lässt vor unserem inneren Auge das Bild Marlene Dietrichs aufscheinen, mit der diese Konversation geführt wurde. Das gleißende Hellgelb der "Alice im Wunderland" (1951), das im Kontrast zu einem verschatteten dunklen Ring und Verstrebungen steht, erinnert an die zauber- und märchenhafte Mystik dieses Films. Das Schwarz des "Nosferatu" (1922) nimmt das Grauen und die Nacht im Film von Friedrich Wilhelm Murnau auf, das warmgoldene Beige, Grün, Rot und die gröberen schnurartigen Linien von "Fitzcarraldo" (1982) lässt an den Urwald im Film von Werner Herzog denken. Diese eigenartig individuelle Ästhetik, die mit Charakteristika der jeweiligen Filme übereinzustimmen scheint, entstand als Reiner Riedler die Filmrollen gleichermaßen mit weissem Licht hinterleuchtete und dann abfotografierte. Die Porträts scheinen eine eigene Seele zu haben, der Fotograf machte das Unsichtbare sichtbar.    

Das Projekt ist in Zusammenarbeit mit dem Filmarchivar Volker Ernst entstanden und die Filme stammen allesamt aus dem Archiv der Deutschen Kinemathek in Berlin. Ein Grundgedanke war der, der vermutlich das Porträt überhaupt hat entstehen lassen, dass nämlich der Vergänglichkeit der Sammlungsgegenstände entgegengearbeitet werden und zu ihrem Gedächtnis beigetragen werden kann. Denn   das Filmmaterial, zumeist Zelluloid oder Celluloseacetat, wobei ersteres zudem leicht entflammbar ist und nur in gekühlten Räumen aufbewahrt werden kann, löst sich bedingt durch den Alterungsprozess langsam auf.

Die Serie war bis zum 27. April in der Deutschen Kinemathek. Museum für Film und Fernsehen zu sehen.

english version:  

 Reiner Riedler,  The Unseen Seen. The Discovery of the Film Reel Portrait.  Photography  

A catalogue has been published in conjunction with the exhibition. The Serie has been shown till April 27 in Deutsche Kinemathek. Museum für Film und Fernsehen.  

The portrait is one of the traditional genres in the history of art, which has never lost its pertinence. The Viennese photographer Reiner Riedler confronts us with a very intriguing type of portrait. He presents to us portraits pertaining to popular movies that all of us are familiar with, such as Michael Curtiz’s Casablanca (1942), Josef Sternberg’s The Blue Angel (1930), and Federico Fellini’s Ginger and Fred (1986). However, the artist has not chosen a significant frame or created a compilation of various scenes, but has rather depicted the film reels of the movies in question in their materiality as such.    

We thus see luminous, often multi-colored discs with hatched or grainy, fragile, circular lines that proceed to an inner zone through the midst of which light can freely enter as through an ocular lens. The partially striking similarity to an eye’s iris personalizes, mystifies, and imbues the representation with a peculiar aliveness. The latter effect is still enhanced in view of the titles of the films. The cool bluish shimmer of Don Hewitt’s See it now: A Conversation with J. Robert Oppenheimer (1955) evokes before our inner eye the image of Marlene Dietrich, with whom this conversation was conducted. The bright yellow of Alice in Wonderland (1951), which forms a contrast to a dark, shadowed ring and bars, recalls the magical, fairytale mysticism of this film. The blackness rendered in the case of Nosferatu takes up the horror and the nocturnal darkness in the film of Friedrich Wilhelm Murnau (1922). The warm, golden beige, green, and red as well as the coarser, cord-like lines of Fitzcarraldo (1982) are reminiscent of the jungle in Werner Herzog’s famous movie. The strangely individual aesthetic that seems to correspond so closely to the characteristics of the given films, is a result of Reiner Riedler’s technique of backlighting the film reels with white light before photographing them. The portraits appear to have a soul of their own; the photographer has rendered the invisible visible.    

The project was realized in collaboration with the film archivist Volker Ernst. All of the depicted film reels stem from the archives of the Deutsche Kinemathek in Berlin. One of the central concepts it conveys, in which presumably the emergence of the portrait as such is also rooted, is the notion that one might counter the transience of the collected films and keep their memory alive. The film material, which often consists of celluloid or cellulose acetate, the former of which is also easily inflammable and can only be stored in cool places, slowly dissolves in the process of aging.

Von rechts nach links:  Berlin Blues by Rosa von Praunheim, Der blaue Engel by Josef von Sternberg, Ginger e Fred by Federico Fellini, The Great Dictator by Charles Chaplin, Diasec/Aludibond, 2014, je 60 x 60 cm oder 100 x100 cm

Eine besondere Herausforderung   seiner "kopfüber" von Brücken aus fotografierten   Schiffsporträt-Serie   stellen für Dirk Brömmel Kreuzfahrtschiffe dar. Durch ihre immense Höhe und Länge können sie nur wenige Brücken in Europa passieren und bedeuten   für den in Wiesbaden lebenden Künstler meist eine weite Anfahrt bzw. Anflug. Nicht immer spielt dann das Wetter mit, so dass der Künstler auf der Brücke stehend auch schon mal nur das Nebelhorn hört und nichts sieht oder der Regen macht jede Aufnahme unbrauchbar. Wegen kurzfristiger Fahrplanänderungen erscheint das erwartete Kreuzfahrtschiff   zuweilen auch nicht. Erschwerend kommt für die Aufnahmen bei gutem Wetter dazu, dass diese hohen Brücken schwanken,   anders als etwa die Rheinbrücken, von denen aus Dirk Brömmel diese so erfolgreiche Serie 2002 mit Aufnahmen von Industriekähnen und Touristenschiffe wie die "Wappen von Köln" oder die "Rheinenergie" startete. Auf die Rheinschiffe folgten die Gondeln von Venedig, Schiffe auf dem Kaiserkanal in China, die Schwimmenden Märkte in Kambodscha.    Die Kreuzfahrtschiffe bisher realisierte er die Queen Elizabeth und die Queen Mary 2 blieben darunter immer eine besondere Aufgabe.   Das fertige Werk besteht  immer aus einer Vielzahl von Aufnahmen, bei den Kreuzfahrtschiffen sind es hunderte, mit denen der Künstler die Oberfläche der Schiffe abtastet, sie zusammensetzt   und schliesslich als platte Aufsicht vor farbigen Hintergrund frei schweben lässt.   Im Endergebnis   entstehen zeitlose, wie Metaphern wirkende Bilder, deren Darstellungsgegenstand   sich durch die fehlende Perspektive, durch die mal stumpfe, mal   leuchtende Farbigkeit des Hintergrundes, in ihrer Wesenhaftigkeit verändern.    Die einzelnen Werke erzählen weniger Geschichten über den Alltag auf Schiffen, als dass sie erstaunliche Bildkompositionen vorführen, wie sie der Passagier, Bootsführer oder der Betrachter am Ufer und auch von Brücken kaum wahrnehmen kann.   Die Ozeanriesen schnurren zu eleganten, überraschend lanzettförmigen schmale Gebilde zusammen, deren Oberflächen mit ihren Pools, Tennisplätzen und Liegestuhlgruppen   eine Binnenstruktur aufweisen, als sei es darum gegangen, ein Bild zu komponieren, das dann auch ganz schwerelos wirkt.        

In der Ausstellung zeigen wir unter anderem die gerade entstandene Arbeit über die   MS Europa in Arbeitsproben und   dem 3m langen A Format der 3er Edition. Zudem präsentieren wir Ihnen das gerade erschienene Buch "Dirk Brömmel kopfüber", das gestaltet   von sechs verschiedenen Werbeagenturen wie ein Künstlerbuch wirkt und zudem   ein komplettes Werkverzeichnis der   "kopfüber Serie" enthält.      

Dirk Brömmel, geb. 1968 in Bonn/ Bad Godesberg, Ausbildung zum Fotografen;   Diplom   für Kommunikationsdesign FH Wiesbaden; Studium der Freien Kunst an der   Johannes Gutenberg Universität   Mainz (Abschluss mit   Auszeichnung); div. Preise u. Auszeichnungen, u.a.   zuletzt   beim "Europäischen Architekturfotografie-Preis 2011", EVO Kunstpreis 2011, zahlr. Ausstellungen u.a. , Haus der Kunst in Brünn   (ÄŒSR) 2011; Fotofestival "PhotoPhnomPenh 2011", Kambodscha; Goethe Inst. Bulgarien 2011; Museum für Konkrete Kunst Ingolstadt 2010; Kunstverein Freiburg 2008; Haus der Kunst München 2007.

Dirk Brömmel, MS EUROPA, photography

Opening reception and book presentation of Dirk Brömmel. kopfüber (Kerber Verlag, Bielefeld, 2014)  

In the context of his ship portrait series photographed "headfirst” (or "kopfüber”) from a vertical angle while positioned on bridges, cruise ships present a particular challenge to Dirk Brömmel. Due to their immense height and length, they can only pass under very few bridges in Europe. The artist, who resides in Wiesbaden, must therefore often travel or fly long distances to his destinations. Occasionally he is confronted with adverse weather, so that at times he might only hear a foghorn while standing on a bridge, unable to actually see the passing ship, or rain will render the shots unusable. Occasionally the expected cruise ship does not show up because of last-minute changes in the timetable. The fact that these extremely high bridges sway poses a further difficulty in the photographic process. Dirk Brömmel did not have to face this problem in the case of the Rhine bridges, which marked the starting point of his successful series in 2002 with photographs of industrial barges and tourist boats such as the Wappen von Köln or Rheinenergie. The representation of Rhine ships was followed by Venetian gondolas, boats on the Grand Canal in China, and floating markets in Cambodia. The works depicting cruise ships, of which the artist has thus far realized representations of the Queen Elizabeth and Queen Mary 2, have a special status in this series as a whole.  

Each ship portrait consists of a multitude of photographic images. In the case of the cruise ship works, the artist takes hundreds of photos, scanning the boats’ surfaces and conflating the images into a flat high-angle view freely suspended before a monochromatic background. In this manner, the artist creates timeless images that appear like metaphors. Due to the lack of perspective and the alternately bright or blunt coloration of the background, the depicted objects are intrinsically transformed into abstractions. The individual works do not document daily routines on board ships, but rather visualize astonishing pictorial compositions, which the passengers, the boatmen, or also the viewers standing on the waterfront or on a bridge are normally unable to perceive. The ocean liners are condensed into surprising, elegantly narrow, lance-shaped forms with surfaces delicately structured by pools, tennis courts, and groups of deck chairs, enhancing the compositions’ weightless, airy character. Among other works, the exhibition will feature recently completed photographic sketches and a three-meter-long A-format of an edition of three created in the context of the artist’s larger work series on the MS Europa. We will furthermore present the new publication Dirk Brömmel. kopfüber. Produced in the style of an artist’s book and designed by six different advertising agencies, it contains a complete index of the works comprising the kopfüber series.  

Dirk Brömmel, b. 1968 in Bonn/ Bad Godesberg; professional training as a photographer; diploma for communication design at the FH Wiesbaden; studied fine arts at the Johannes Gutenberg University, Mainz (diploma with distinction); has earned various awards, most recently the European Architectural Photography Prize 2011 and EVO Art Award 2011; numerous exhibitions, among other venues, at the Brno House of Arts (CZ), 2011, the photography festival PhotoPhnomPenh 2011, Cambodia, the Goethe Institute Bulgaria, 2011, the Museum for Concrete Art and Design in Ingolstadt, 2010, Kunstverein Freiburg, 2008, and Haus der Kunst, Munich, 2007.

Der Hamburger Bildhauer Martin Schneider arbeitet seit über 20 Jahren überwiegend mit industriellem Holz, mit MDF. Es sind tonartig wirkende Reliefs, die da entstehen, koloriert mit Acrylfarbe, meist nicht tiefer als 3 cm, die eine erstaunliche Räumlichkeit und Dichte entfalten. In seiner letzten Einzelausstellung "Obamas People"   war Thema das   Beraterteam von Barack Obama, dem eine Fotostrecke aus dem Stern zugrunde lag. Der Betrachter sah sich in der installativen Präsentation wie auf einer Bühne dem Gremium gleichsam gegenüber.

In "looking over my shoulder" scheinen wir auf Wasser zu blicken. Menschen auf Flößen tauchen aus dem Nichts der weißen Wand auf. Daneben erscheinen auch Tiere, denen man Wasserflaschen umgebunden hat, damit sie nicht untergehen. Hinzu kommen Bunker, die in den USA als Zufluchtsort vor Tornados angeboten werden. Es sind Bilder, die der Katastrophenberichterstattung des Tsunamis in Japan und   Überschwemmungen in China, Pakistan und anderen Ländern entnommen sind, Bilder, die wegen ihrer ikonenhaften Bildanlage oder   gehalts von Redakteuren ausgewählt und Eingang in die Presse im Falle der Bunker Werbematerial - bekommen haben. In den Arbeiten von Martin Schneider werden sie weiter gefiltert und zu zeitlosen Metaphern. Es sind Bilder, wie der Künstler sagt, die uns tagtäglich überschwemmen, die ihn teilweise verfolgen und die er so in seinen Arbeiten zu bannen versucht - oder die er zurückholt, damit wir sie nicht vergessen. Was entsteht sind "Prototypen des Menschen, der sich über Wasser halten will". Losgelöst aus ihrem ursprünglich meist gewaltigen Szenario entwickeln sie in diesen Arbeiten eine eigene Würde und Kraft.

Für weiteres Pressematerial stehen wir Ihnen gerne zur Verfügung!

 Martin Schneider: Looking over my shoulder (sculptural reliefs).

Opening reception: Thursday, January 23, 2014, 6 to 9 p.m.

For over twenty years, the Hamburg sculptor Martin Schneider has been working predominantly with industrial wood, MDF. His clay-like mural reliefs, which are usually no more than 3 centimeters deep and are tinted with acrylic paint, have an amazing plasticity and density. His most recent solo exhibition at the gallery, entitled Obamas People, was based upon a photo spread in the German illustrated magazine Stern and thematically revolved around the advisory team of US-President Barack Obama. The presidential aides in the artist’s installation were facing the viewers as if these were situated upon a stage.

In Looking over my shoulder, we appear to be confronted with a water surface. People on rafts emerge on the white walls as if from a void. Next to these, animals are to be seen upon which water bottles have been attached to keep them from sinking. In addition, bunkers are depicted, which are provided as tornado shelters in the United States. All of these images have been derived from news coverage on catastrophes dealing with the tsunami in Japan and floods in China, Pakistan, and other places, images, which due to their iconographic character or content have been specifically chosen by editors and have found their way into the press, or in the case of the bunkers, into advertising material. In his works, Martin Schneider further filters these images and transforms them into timeless metaphors. As the artist points out, these haunting images flood our minds every day. He attempts to ban them in his works, or to retrieve them in order to keep us from forgetting them. He thus creates "prototypes of people who are trying to keep their heads above water.” Detached from their often originally extreme contexts, these are given their very own dignity and strength in his works.

Further press material is available upon request!

Die gestische, dem abstrakten Expressionismus zugehörige Malerei von Cris Pink nimmt in ihrer neuesten Serie "offshore" gegenständlicheren Charakter an. Zugrunde liegen Aquarelle von Landschaften in Küstennähe. Sie stellen ihre unmittelbare Umgebung Cris Pink lebt seit 30 Jahren auf Mallorca ebenso dar, wie Aquarelle, die die Künstlerin auf Reisen anfertigte, etwa in Patagonien. Die charakteristischen Physiognomien dieser Landschaften verlieren sich aber durch den Auftrag zahlreicher dünner Ölschichten auf der Leinwand, lösen sich in Licht und Farbe beinahe auf.

Gemeint ist hier wie in ihren früheren Werkserien nicht die äußere Erscheinungsform. Die materielle Erscheinung, so die Künstlerin, bedingt sich durch das Unsichtbare der inneren Erfahrung. Dazu gehört vor allem die Darstellung der Materialität des durchsichtigen, in steter Bewegung befindlichen Elements Wasser mit seinen unendlichen Variationen der Spiegelungen des Lichtes und der Umgebung auf der Oberfläche wie die Erfahrung des Flüchtigen, Vergänglichen und Symbolischen der Substanz in seiner flüssigen, gasförmigen und festen Form. Wir wissen, dass in der Psychologie seit C.G. Jung das Wasser für Gefühle und all das steht, was sich dem Verstand entzieht. Tränen sind im Märchen das Wasser der Seele, die auch zu Eis erstarren können und für Unbeweglichkeit und Gefühlskälte stehen. "Sich im Wasser spiegeln" steht für die Selbsterkenntnis, nicht nur immer selbstverliebt wie Narziss. Spiegelflächen schlechthin galten als Durchgang in die Welt der Toten, ein Grund, weshalb die Sitte entstand, im Haus von Verstorbenen die Spiegel zu verhängen. Im Glauben der Germanen sind die Seelen der Ungeborenen und Verstorbenen im Wasser beheimatet, worauf noch heute die etymologische Bedeutung des Wortes "Seele" hinweist. So finden wir einen ungeheuren Reichtum an Mythen in Märchen, in der Literatur, der Kunst und der Religion vor, ein Reichtum, an den die Künstlerin in ihren Wasserbildern anknüpft.

Cris Pink studierte Modedesign in Hamburg und Kunstpädagogik in Mainz. Seit 1983 lebt sie in Spanien. Ausstellungen in Frankfurt a.M., Mainz, Koblenz, Barcelona und Palma de Mallorca. 1994 gründete sie die Designschule "Blau" in Palma. Daneben unterrichtete sie an der Helwan University in Kairo und der Universidad de las Islas Baleares in Palma de Mallorca.

Cris Pink,  offshore

Paintings

Opening reception: Friday, November 8, 2013, 7—9 p.m.

Introduction: Isabelle Hofmann (art critic and author, Hamburg)

Duration of the exhibition: November 9—December 21, 2013

In her latest series,  offshore, Cris Pink’s gestural paintings that are strongly linked to Expressionism reveal figurative characteristics. They are based on watercolors of landscapes in coastal areas, representing the artist’s immediate home environment—she has been residing on the Island of Majorca for thirty years—as well as sites that she has visited on journeys to Patagonia and other places. Yet due to the application of countless thin layers of oil paint on the canvas, the specific physiognomies of these landscapes almost appear to dissolve into light and color. As was already the case with regard to her earlier painting series, this is not a matter of the works’ external manifestation. As the artist explains, the material appearance is determined by an intrinsic experience. This applies particularly to the representation of the changing materiality of the translucent element of water that is constantly in motion in its infinite variations of reflecting the light and the world surrounding it on its surface, incorporating the experience of the ephemeral and the symbolic quality of the substantial in its liquid, gaseous, and solid forms. Since C.G. Jung’s psychological writings on archetypes, we are aware of the fact that water stands for emotions and the regions that evade the analytical sphere of the mind. In fairytales, tears represent the water of the soul, which can freeze like ice, indicating immobility and coldness; the mirror reflection in a pool of water refers to the self-realization that one should avoid the vain self-love of Narcissus. Mirror images per se were interpreted as passageways into the realm of the dead, from which the custom developed to cover the mirrors in the houses of the deceased. According to the beliefs of the Germanic peoples, the souls of the unborn and deceased are endemic to the water: a concept that still reverberates in the etymological meaning of the word ‘soul’. Thus, we find a tremendous wealth of related myths in fairytales, literature, art, and various religions, to which the artist makes reference in her water paintings.

Cris Pink studied fashion design and art education in Hamburg and Mainz. She has been residing in Spain since 1983 and has participated in exhibitions in Frankfurt/Main, Mainz, Koblenz, Barcelona, Palma de Majorca, and elsewhere. In 1994, she established a private school of design in Palma. She also teaches at the Helwan University in Cairo and the Universidad de las Islas Baleares in Palma de Majorca.

Vernissage Donnerstag, den 6. September 19 - 23 h, der Künstler wird anwesend sein.

In der Malerei von Ransome Stanley wird auch ohne Kenntnis seiner Vita intuitiv eine seltsame Spannung zwischen Fremdheit und Vertrautheit spürbar. Diese zeigt sich nicht nur in der Reihung, Streuung oder   Gegenüberstellung von gefundenen, aus ihrem Zusammenhang gerissenen Motiven aus Zeitschriften, der Werbung und alten Büchern. Es sind vorgefundene Motive, die ebenso an Szenen der Kolonialzeit anknüpfen wie an einem flirrenden Straßenbild der Gegenwart. Nicht nur diese Stückelungen, sondern auch die Malweise, der luzide, gleichzeitig haptische Aufbau der Malfläche und die meisterhaften Porträts berühren. Afrika scheint nah und fern zugleich. Nah, weil die ästhetische Ausdrucksweise des Künstlers durch seine Ausbildung an der Kunstakademie in Stuttgart sich in einem uns vertrauten Diskurs über Kunst   entwickelt hat. Niemand käme auf die Idee, sich zu fragen, ob man hier ethnologische Artefakte vor sich hat. Fern, weil   die Bildsprache auf Inhalte und Aussagen hindeutet, die uns letztlich unverständlich bleiben. Was sollen die Fragmente von Buchstaben über eine dunkelrote Fläche gestreut vor dem Profilporträt eines Schwarzen mit Brille? Was soll die Maske eines brüllenden Zebras über dem Kopf eines weiblichen Aktes? Es ist, als hätte Stanley, der 1953 in London geboren wurde, der nach dem frühen Tod seines nigerianischen Vaters in Grenzach bei Basel aufgewachsen ist und der erst vor wenigen Jahren das erste Mal den afrikanischen Kontinent betreten hat,   sich einen eigenen Kosmos geschaffen. Der Ausstellungstitel "Fremdenzimmer" , ein Begriff, der  wie "Frauenzimmer", "Zimmerherr" oder "Herrenzimmer"  immer seltener benutzt wird und mehr und mehr durch "Gästezimmer" oder "Ferienwohnung" ersetzt wird, bezeichnet treffend die Welt, die uns in diesen Bildern entgegen tritt. Hier sollen wir uns nie heimisch fühlen. Diese Welten  der warmen, lichtdurchfluteten Ölbilder  wie der schwarzen, durch Glanzreflexe illuminierten Kohlezeichnungen, rühren an   Sehnsüchten eines Zuhauses, in dem wir nicht vorgesehen sind und das uns überzeugend  als eine in sich ausgereifte Welt entgegentritt.

In "Carte Blanche" werden Fotoarbeiten der beiden jungen Künstlerinnen Eva Valente (geb. 1986) und Katharina Lepik (geb. 1981) gezeigt. Erstere studiert derzeit an der Columbia University in NY,   zweitere an der Armgartstrasse in Hamburg. Beide stellen sehr junge  Stellungnahmen zum Medium Fotografie vor. In E. Valentes Arbeiten, die durch den Umgang mit neuen und filmischen Medien stark geprägt sind, geht es um Dynamik und um "offsides". Es handelt sich um Werke, in denen die Künstlerin mit off-Tönen arbeitet, die in Schatten und Reflektionen von Licht entstehen. Den Bildern liegen Erfahrungen mit gemalten und gezeichneten Vorstufen zugrunde sowie Aufnahmen aus New York, ihrem dortigen Atelier und Fotografien aus den Tropen. Tatsächlich spielt das Motiv für die Künstlerin, die in ihrem Leben viel gereist ist, jedoch kaum eine Rolle; sie interessiert die Authentizität und Anonymität eines Moments, das Unbewusste und Unterbewusstsein.

Von Katharina Lepik, die bereits in mehreren Ausstellung vertreten war, sind zwei Serien zu sehen. In "Verschwisterungen" geht es um die Frage der Identitätsfindung als ein Prozess der Spiegelung. Es sind Selbstbildnisse mit ihr sehr vertrauten und unbekannten Personen in Innen- und Außenräumen, wobei sie ihre Modelle in Kleidung und Pose sich selbst angleicht. Es ist ihre eigene Verarbeitung der Tatsache, dass sich Zeit unseres Lebens unsere Individualität in Bezug auf andere konstituiert. Ihre Serie "Weiss" beeinhaltet eine Sammlung von 26 Fotografien, die in einem Künstlerbuch zusammengefasst sind. In dieser spielt sie mit den Klischees dieser Farbe, die einen festgelegten Kanon vorweisen kann, und schafft sich eine eigene Symbolik.

Eva Valente wurde 1986 in Hamburg geboren; sie studierte an der AMD in Hamburg, an der Freien Akademie der bildenden Künste in Essen, an der HfbK in Hamburg und lebt seit zwei Jahren in NY.

Katharina Lepik wurde 1981 in Augsburg geboren; sie studierte Germanistik und Romanistik an der Albert-Ludwig Universität in Freiburg, absolvierte danach ein Bacholorstudium für Fotografie an der Hochschule für angewandte Wissenschaften in München und studiert derzeit an der HAW, Hamburg (Masterstudium bei Ute Mahler).

Zur Eröffnung der Ausstellung am Donnerstag, den 24. Mai 2012, 19.00 - 21.00 Uhr laden wir Sie herzlich ein.

Es spricht Belinda Grace Gardner (Kunstkritikerin, Hamburg)

Der österreichische Fotograf Reiner Riedler (geb. 1968, lebt und arbeitet in Wien), der unter anderem für die "New York Times", den "Spiegel" oder "Le Monde" fotografierte, ist für seine Dokumentarfotografie vielfach  ausgezeichnet worden. Bevor sich Riedler ganz der Fotografie widmete, begann er 1991 ein Ethnologie-Studium in Wien, das er bald darauf für einen Platz im Kolleg für Fotografie an der Höheren graphischen Lehr- und Versuchsanstalt in Wien, kurz "Die Graphische" genannt, eintauschte. Dennoch scheint Riedler bis heute etwas von seinem Ausflug in die Wissenschaft der Völkerkunde geblieben: das besondere Interesse für Menschen und ihre bisweilen seltsamen Kulturtechniken und -praktiken.

In seiner Serie "fake holidays", die die Galerie Hengevoss-Dürkop in einer Soloshow ausstellt, begibt sich Riedler mit seiner Kamera in Freizeitsparks und Ferienanlagen auf der ganzen Welt. Die Menschen, die Riedler dort fotografiert, verbringen ihren Urlaub in nachgebaute Parallelwelten, etwa im Tropical Island Berlin Brandenburg oder im Movie Park Bottrop. Man muss einfach gesehen haben, wie Riedler ganz ohne Werturteile dem Mensch im nachgebauten, gefälschten Urlaubsparadies begegnet: dem Pärchen etwa, dass voll Sehnsucht vor einer Himmel-Leinwand bester "Truman Show"-Manier auf einer Brücke steht, oder auch dem Mann mit Ernie-Skimütze, der in der Indoor-Skihalle buchstäblich auf dem Trockenen läuft. Riedler hat einen zutiefst menschlichen, mal berührenden, mal humorvollen Blick auf die Tatsache, dass nicht jeder Chinese nach Paris, nicht jeder Brandenburger nach Neuseeland reisen kann, sondern sich mit einer billigen Fälschung begnügen muss. Ganz nach dem Motto des 21 Jahrtausends: think global, act local!

Riedlers Arbeiten waren unter anderem 2010 im Centre Pompidou in Paris ("Dreamlands") zu sehen, das Buch zur Serie erschien 2009 im Moser-Verlag.

 Vernissage: Freitag, 13. April 2012, 19 bis 21 Uhr, es spricht: Dr. Ilka Kloten (Moser Verlag, München)

 Am Montag, den 7. Mai 2012, findet in der Galerie ein Gespräch mit dem Künstler statt, organisiert von den "Freunden des Hauses der Fotografie".

In Kooperation mit der Tokioer Frantic Gallery werden Arbeiten von drei Künstlern gezeigt, die für eine neue Generation in der japanischen Kunstszene stehen. Es handelt sich um drei Persönlichkeiten, die ihre künstlerischen Interessen gleichermaßen obsessiv verfolgen. Atsushi Takahashi zeigt die menschliche Natur in ihrer Ambiguität, in einem Zwischenzustand zwischen Klarheit und Dunkelheit, sei es bei einem Neugeborenen oder einem alten Mann. Cousteau Tazuke entwickelt paradoxe Topologien, wobei es um Revolutionierung der linearen Perspektive und dem Zugang zum "Bild" geht. Macoto Murayama verschreibt sich exzessiven Beschreibungen von Blumen und schafft dabei einen umfangreichen Corpus botanischer Diagramme. Für ihre jeweiligen Themen haben sie aussergewöhnliche Techniken entwickelt. Takahashi quetscht Ölfarbe aus der Tube auf die Leinwand, ohne auch im weiteren einen Pinsel zu benutzen und "malt" auf diese Weise gitterartige Bilder in leuchtenden Farben. Tazuke ritzt transparente Acrylplatten auf, füllt sie mit Farbe und stellt die Rückseite des Werks aus. Murayama nutzt 3ds Max Software um digitale Pflanzen zu erschaffen, die von möglichst allen Seiten in ihrer Größe und Details gezeigt werden. Alle drei Künstler arbeiten grenzüberschreitend und führen in der Ausstellung "Out of Flat!" neue Möglichkeiten in Malerei und Zeichnung vor. Die Ausstellung wird kuratiert von Entomorodia curatorial net/work. Vernissage: Freitag, den 3. Februar 2012. Künstler und Kurator sind anwesend.

Jaqueline TaÑ—b (geb. 1968; lebt und arbeitet in Straßburg), von der zum ersten Mal Arbeiten in der Galerie zu sehen sind, geht in all ihren Werken Malerei und Zeichnung - immer wieder von der Mehrdeutigkeit von Konstruktion und Dekonstruktion aus. Die in der Ausstellung gezeigten Zeichnungen aus der Serie "La Maison de Matriona" sind durch den gleichnamigen Roman von Solschenizyn aus dem Jahr 1959 inspiriert. Der Anblick eines alten Fachwerkhauses, das als einziges Gebäude auf einem in Schutt und Asche gelegten Firmengelände im Elsass stehen blieb, wurde für sie zur Metapher der Hauptfigur des Romans und der Erzählung.

Neben den neuesten Arbeiten aus seiner "kopfüber" Serie Lastkähne auf dem Kaiserkanal in China ist von Dirk Brömmel (geb. 1968; lebt und arbeitet in Wiesbaden) ein monumentales "Baum-Porträt" ausgestellt. Es handelt sich um eine Platane, die im Rheingau in Eltville steht. Wie in seiner Villa Tugendhat Serie geht es um die Sichtbarmachung von Geschichte, hier allerdings nicht einem architekturhistorisch und politisch höchst bedeutenden Gebäude, sondern einem durch die Natur geschaffenen "Konstrukt".

Norbert Frensch (geb. 1960; lebt und arbeitet in Frankfurt a.M.) war mit seiner Serie von schwarzen empfindlichen Leinwänden (Öl und Dammar) bekannt geworden, die nur Lichtreflexe auf eine Schale aufhellten. In den letzten Jahren experimentierte er mit Lasuren auf Papier weiter und verlagerte das Thema der Lichtreflexe auf abstrakte Wellenformen (Öl auf Leinwand). Es sind Werke aus allen drei Werkkomplexen vertreten.

Vernissage am Freitag, den 11. November 2011. Die Künstler sind anwesend.

Die Künstlerin (geb. 1980) studierte an der Universität für angewandte Kunst in Wien. In ihrer Malerei befasst sie sich zumeist mit abgründigen Situationen des Lebens. In ihrem neuesten Bildzyklus "human kind" geht es um Porträts von Personen der verschiedenen Lebensstufen Kindheit, Jugend, Reife, Alter, in denen sie die Empfindung von persönlicher Freiheit und die durch Natur und Gesellschaft bedingte "Deformierung" in spektakulären Bildkonzeptionen aufeinanderprallen lässt.

Ausstellungen u.a. "exitus. Tod altäglich", Künstlerhaus Wien, "ich gegenüber" Österreichisches Kulturforum Wien, "Neuankäufe - Junge Malerei", Sammlung Essl Klosterneuburg, "lost and found", Galerie Hengevoss-Dürkop

Vernissage am Freitag, den 24. Juni 2011, 19 bis 21 Uhr

Marco Eberle (geb. 1968; lebt und arbeitet bei Bern) nimmt "Holzdruck" in seiner "Brennholzserie" wörtlich, indem er die Struktur der Oberfläche nur durch seine eigene Körperkraft (ohne Presse) ausführt. Die Einfachheit dieser Drucktechnik über seine Körperkraft, wie auch die Reduktion des Stilmittels auf das Wesentliche in einem Holzdruck/schnitt stehen in einem Dialog mit dem einfachen, mitunter existentiellen Bedürfnis nach Wärme/Feuer und der Handlung des Holzspalten, Holzschichten und Einfeuern. Die ca. 75 Blätter tragen einen individuellen Titel, den des jeweiligen Brennwertes (Kilowattstunden). Marco Eberle ergänzt den Druck wie bei einer Faltanleitung eines Bastelbogens mit einer feinen Graphitzeichnung von Klebefalzen. Durch die Möglichkeit des Ausschneidens und Faltens zu einem dreidimensionalen Papierbrett, schliesst sich der Handlungskreis: aus Brennholz wird Asche und der Originalholzdruck zu einem Papierbrett. Die Arbeit spiegelt eine alltägliche Facette des Seins Marco Eberles in den Wintermonaten wider, die Bretter eine "Auswahl" seines persönlichen Feuerholzes.

Claudia Hoffmann (geb. 1956; lebt und arbeitet in Hamburg) geht in ihren Papierarbeiten von Eindrücken in der Natur aus: das Schattenspiel unter Linden, das Flackern von Sternen am Firmament. Sie konzentriert sich auf die diesen Naturschauspielen zugrundeliegenden Ordnungsstrukturen: bei den Lindenblättern das Flirren ovaler Formen, bei den "Guides", den Sternenbildern, die Überlagerungen und Anhäufungen von Strahlen. Solche Elemente und besondere, spannungsreiche Gruppierungen löst sie aus dem Gesamtbild heraus und komponiert abstrakte Bilder. Dabei schneidet sie manchmal die Flächen auf und führt so wieder eine dritte Dimension wieder ein, manchmal ist der Hintergrund glatt und unbestimmt, dann wieder lässt sie ihn in stürzende und sich faltende Ebenen kippen. Eine reduzierte Farbgebung der geometrischen Formen inszeniert zusätzliche Empfindungen von Wärme, Licht oder unendlicher Weite. Claudia Hoffmann, die Bildhauerin ist und als solche denkt, versteht sich als Konstrukteurin von Bildern, die keine Geschichten erzählen wollen, sondern nur Form haben.

Shahram Shahmiri (geb. 1947; lebt und arbeitet in Hamburg) interessiert sich für die An- und Abwesenheit der Dinge, für Schatten, für die Form der Zeit, die in all seinen Arbeiten Objekte, Kurzfilmen und Fotografien, brüchig erscheint. So formvollendet die Dinge in seinen Arbeiten daherkommen, lustvoll auf Flohmärkten fotografiert und in neue bunte surreale Szenarien zusammengeschnitten, oder wie in der Fotografie der 20er Jahre, allein die Wirkung dramatischer Lichtregie verarbeitend, es ist die Ansicht eines Fremdgebliebenen auf Bekanntes, von jemandem, der spät nach Europa kam.

Vernissage, Freitag 15. April 2011, 19 - 21 Uhr

Gallery reception, friday 15 april, 19 - 21 p.m.

For further information please contact the gallery

Vernissage am Freitag, den 18. Februar 2011, 19 bis 21 Uhr

Das neue Jahr beginnt die Galerie mit einer Accrochage. Darin werden Arbeiten aus der Serie "Glaskinder" der liechtensteinischen Künstlerin Amina Broggi zu sehen sein, die sich ungewöhnlichen Themen des Lebens in schriller Ästhetik nähert.

Dirk Brömmel, dessen monumentales Porträt der Queen Mary 2 im norwegischen Bergen entstand, setzte in dieser Serie "kopfüber" aus bis zu hundert übereinander gelagerten Fotos am Computer die eine Sicht zusammen, in der die Aufsicht sich in ein zeitloses Memorandum verwandelt. Daneben zeigen wir eine Auswahl aus seiner Serie "Villa Tugendhat", in welcher Brömmel die Anfänge der von Mies van der Rohe 1930 erbauten Villa wiederauferstehen lässt, indem er Privataufnahmen der Auftragsfamilie mit seinen eigenen Aufnahmen der Originalschauplätze überlagert.

Ephemere Lichtmomente sind von Anfang an Hauptthema der Arbeiten der Düsseldorfer Malerin Barbara Petzold. In einer ihr eigenen Technik, u. a. der Überlagerung vieler verdünnter Ölschichten, erreicht sie besondere diffuse Lichtverhältnisse, wie sie im Zwielicht von Morgen und Abenddämmerung, im Gegenlicht, im Nebel, im Wasser oder im Unterholz vorkommen.

Von dem französischen Künstler Julien Roux, der in der Zwischenzeit in Tel Aviv lebt, sind 50 skizzenhafte Tagebuchzeichnungen, die sogenannten "Carnets de Voyage de New York" zu sehen. Politsatire trifft auf humoristische Szenen des Alltags, der Künstler begegnet den Stadtmenschen und hält sie in skurrilen, poetischen oder ironischen Momenten fest.

Die MDF-Reliefs des in Hamburg lebenden Künstlers Martin Schneider stammen aus seiner Serie "Obama"s People". Von Pressefotos ausgehend verweist er auf Bilddifferenzen, die sich durch die Übersetzung in ein industriell gefertigtes Material wie MDF ergibt.

In zahlreichen Ausstellungen, unter anderem "Häute Porträts", "Zeitrichten" und "Kunstwerk Archiv", verfolgte die Kölner Künstlerin Cony Theis immer wieder in verschiedenen Facetten ihr Hauptthema, das der Frage nach der Identität. Mit der zweiteiligen Arbeit "Tag und Nacht" und der sienesischen Reiterin (chinesische Tusche/Ölpigmente auf Transparentpapier) zeigt die Galerie ihre bisher größten Zeichnungen.

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In der letzten Ausstellung des Jahres 2010 zeigt die Galerie eine Gruppenausstellung, darunter zum ersten Mal in der Galerie und zum zweiten Mal in Deutschland Arbeiten von Marco Eberle. Der in Bern lebende und arbeitende Künstler, der bei Franz Eggenschwiler studierte, vertritt einen konzeptionellen Ansatz. Seine Serie "möglicher morgendlicher Zustand" sowie die während seines Atelierstipendiums in Berlin entstandenen "Schmutzbilder" bilden einen Kontrapunkt zu den Aktstudien der Bildhauerin Doris Bühler (Vaduz) und der figürlichen, sich immer wieder mit seiner afrikanischen Identität beschäftigenden Malerei von Ransome Stanley (München). Das Medienmix wird ergänzt durch eine neue Filzinstallation von Llaura I. Sünner (Hamburg), einer lebensgroßen Wendeltreppe.

In our final exhibition of the year 2010, we will present a group exhibition, which will feature Marco Eberle’s work for the first time in the gallery spaces (and for the second time in Germany). The artist, who studied with Franz Eggenschwiler and resides and works in Bern, follows a conceptual approach. His series möglicher morgendlicher Zustand (Possible Morning State) as well as the Schmutzbilder (Dirt Pictures), which he produced in the course of an artist-in-residence program in Berlin, form counterpoints to the nude studies of the sculptress Doris Bühler (Vaduz) and the figurative paintings of Ransome Stanley (Munich), who addresses his African identity in his work. The mix of various media is complemented by a new felt installation created by Llaura I. Sünner (Hamburg): a life-sized spiral staircase.

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Vernissage:

Mittwoch, 27. Oktober 2010, 19.00 bis 21.00 Uhr

Einem Schwarm gleich sind kleine bunte Dreiecke in die Zeichnungen der neuen Serie "Triangular Colorful Constructions" des französischen Künstlers Julien Roux (geb. 1978) eingefallen. Sie bauen sich zu mächtigen Konstruktionen auf, scheinen einen anonymen Anzugträger auf seinem Weg durch die Stadt genauso einzukreisen, wie sie das Kleid eines traurigen Königs bevölkern oder sich in den Blick eines reichen, Zigarre rauchenden Magnaten schieben. Ganz wie ein Vogel- oder Fischschwarm schliessen sie sich auf einzelnen Blättern der Serie zu übergeordneten Gebilden zusammen und lösen sich auf den nächsten Blättern wieder auf, stellen sich ganz in ihrer Form aus oder verstecken sich im Gewirr der Flächen und Linien. Die farbigen Dreiecke erinnern an die prismatischen Zersetzungen der Welt beim Blick durch ein altes Kinderspielzeug, das Kaleidoskop. Doch löst Julien Roux diese Formen vom kindlichen Spiel, wenn sie zum erotischen Sinnbild der weiblichen Scham werden oder zu Wurfpfeilen, die in den Bereich der politischen Satire und der Gesellschaftskritik führen. Themen, denen sich Julien Roux in früheren Arbeiten immer wieder gewidmet hat. Im Kontrast zu Rouxs bevorzugtem Einsatz von schwarz und weiß wirkt diese Farbinvasion mal kraftvoll, mal bedrohlich, mal poetisch, vor allem aber als faszinierende Verbindung von konzeptionellem mit gegenständlichem Bildgut. Als Symbol der europäischen wie der nordamerikanischen Kulturgeschichte, begegnet das Dreieck als Pyramide, als Trinität oder schlicht als geometrische Abstraktion. Doch die kleinen Wiedergänger scheinen endlos wandelbar. Ganz ruhig verweilen sie dann manchmal wie kleine Falter auf dem Pullover eines schlafenden Jünglings und werden zu reiner Poesie.

Julien Roux (geb. 1978 in Salanches, Frankreich) studierte in der Klasse von Annette Messager an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. 2004 erhielt er ein Diplom mit Auszeichnung sowie den Collin Lefranc-Preis für gegenständliche Malerei. Während seiner Reisen nach China, Südkorea, New York und Israel entstanden viele seiner Zeichnungen, wobei jeder Ort sein Werk auf besondere Weise prägte. Zur Zeit lebt und arbeitet der Künstler in Tel Aviv.

Im Frühjahr 2009 fertigte Roux eine monumentale Zeichnung auf der Stirnwand der Galerie an, seine jüngste Wandzeichnung entstand 2010 für die Kunstmesse "Freshpaint" in Tel Aviv. Wie in seinen ausgestellten Zeichnungen der Serie Apocalypses, handeln auch die monumentalen Wandarbeiten von New York, der Stadt als Moloch.

Exhibition

Julien Roux

Triangular Colorful Constructions

Drawings

Opening reception:

Wednesday, October 27, 2010, 7-9 p.m.

Duration of the exhibition: October 27-November 27, 2010

In the new series Triangular Colorful Constructions of the French artist Julien Roux (*1978) small, vibrantly colorful triangles have invaded the drawings in a swarm-like density. Accumulating into massive constructions, they seem to equally encircle an anonymous businessman on his way through the city, to populate the robes of a melancholy king, or to obstruct the view of a rich tycoon smoking a cigar. Just like a swarm of birds or fish, they merge in individual drawings of the series into superordinate conglomerates, only to dissolve again in the following works, displaying themselves entirely in their respective form, or concealing themselves in a maze of lines and expanses. The multi-colored triangles recall the prismatic deconstructions of the world on looking into the ocular of a traditional toy, the kaleidoscope. And yet, Julien Roux removes these forms from the childlike game at the instance in which they are transformed into erotic symbols of the vulva or arrows leading into the sphere of political satire and socio-criticism, themes, which Julien Roux has repeatedly addressed in earlier works. In contrast to Roux’s favored use of black and white, at times the invasion of colors appears powerful, then again threatening or poetic. First and foremost, however, it represents a fascinating interconnection of conceptual and figurative imagery. As a symbol of both European and North American cultural history, we encounter the triangle in the form of a pyramid, as the Trinity, or simply as a geometrical abstraction. And yet these small revenants seem to be endlessly mutable. Occasionally, they will dwell in perfect stillness like little butterflies on the sweater of a sleeping youth, thus becoming pure poetry.

Julien Roux (born in 1978 in Salanches, France) studied in the class of Annette Messager at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. In 2004, he received his diploma with honors and was awarded the Collin Lefranc Prize for figurative painting. He produced a large number of drawings in the course of his travels to China, South Korea, New York, and Israel, whereas each place influenced his work in its specific manner. He is currently residing and working in Tel Aviv, Israel.

In spring 2009, Roux created a monumental drawing on the front wall of the gallery; his latest wall drawing was realized in 2010 in the context of the art fair Freshpaint in Tel Aviv. As in the exhibited drawings of his series Apocalypses, his monumental wall drawings also revolve around New York and the metropolis as a destructive force.

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Vernissage anlässlich der Saisoneröffnung der Galerien im Kontorhausviertel:

Freitag 10. September 2010, 19.00 bis 21.00 Uhr

Die Künstlerin ist anwesend.

Vor der letzten Einzelausstellung von Bea Emsbach in der Galerie im Jahr 2007, schrieb Christoph Schütte: "Bea Emsbach, (...) kennt sich mit albtraumartigen Visionen (...) aus. Ganz aus der Linie entwickelt und mit roter Tinte aufs Papier gebracht, verweisen die vielfach verkabelten, von Bandagen umschlungenen und augenscheinlich auf den Bäumen wachsenden Figuren der mit dem Darmstädter Sezessionspreis ausgezeichneten Künstlerin auf Meister der Renaissance ebenso wie auf die Schöpfungsphantasien einer von den Möglichkeiten der Genmanipulation berauschten Gegenwart." (FAZ, Kultur, 21. März 2007) In ihrer neuesten Serie "Hautsache" sehen wir die Künstlerin verwandelt - nicht in ihren Bildgegenständen, aber in ihrem Ausdruck. Nach wie vor arbeitet sie mit roter Tinte, nach wie vor begegnen wir jenen Gestalten, die an Naturvölker ferner Welten erinnern, die ebenso aus der Frühen Neuzeit wie aus einem Science Fiction Roman entstammen könnten. Bea Emsbach wendet sich hier jedoch dem Aquarell zu und entwickelt dabei eine ganz eigene Technik mit dem Kolbenfüller, nur gelegentlich verwendet sie den Pinsel. Die neuen Arbeiten erreichen eine atmosphärische Verdichtung und Fragilität, die das Ikonenhafte der älteren Blätter hervorhebt, welche im Vergleich wie Schaubilder im mittelalterlichen Sinne wirken.

Bea Emsbach (geb. 1965) lebt und arbeitet in Frankfurt a. M. Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u. a. im Kunstverein Basel, Kunstverein Bonn, Kunsthalle Kiel, ZKM Karlsruhe, Kabinett der Zeichnung Kunstfonds Bonn, Fridericianum Kassel; Kubinhaus Zwickledt, Kunstverein Linz, Kunstsammlung Städtisches Museum Jena; Kunsthalle Göppingen; zahlreiche Publikationen, u.a. die Monographie "Beutezüge im Bodensatz der Wissenschaften", Verlag für moderne Kunst, Nürnberg 2002 und "Haushaut", Städtisches Museum Jena 2008.

PRESS RELEASE

Exhibition

Bea Emsbach

Hautsache

Drawings

Galleries in the Hamburg Kontorhaus quarter launch new

exhibition season

Opening reception at Gallery Hengevoss-Dürkop on September 10, 2010, 7-9 p.m.

The artist will be present.

Duration of the exhibition: September 11-October 7, 2010

Bea Emsbach’s work, which was last presented in the gallery in a solo show in 2007, has been aptly characterized by the German critic Christoph Schütte. In his article published in the same year (Frankfurter Allgemeine Zeitung, March 21, 2007) Schütte remarks that "Bea Emsbach (…) is well-acquainted with nightmarish visions. (…) Developed entirely on the basis of the line and rendered on paper with red ink, the figures created by the artist and recipient of the Darmstadt Secession Award, which are frequently entangled in cables and bandages and appear to be growing on trees, refer to masters of the Renaissance as well as to the creation fantasies of a present-day world intoxicated by the possibilities of genetic engineering.” In her latest series Hautsache (the title revolves around a pun on the German words for ‘thing’ and ‘skin’) a transformation has taken place—not with regard to the subject matter of the works but to the expressive means the artist employs. She still works with red ink, and we still encounter the familiar figures, which evoke the indigenous populations of distant worlds, and could just as well stem from the early modern period as from a science fiction novel. In this case, however, Bea Emsbach employs watercolor as a medium, only occasionally using the paintbrush, and developing her own distinctive technique for applying the watercolors with a piston fountain pen. The new works are atmospherically highly condensed and fragile, emphasizing the iconic character of the earlier works, which by contrast have the aura of medieval diagrams.

Bea Emsbach (b. 1965) lives and works in Frankfurt/Main. Solo and group exhibitions at the Kunstverein Basel, Kunstverein Bonn, Kunsthalle zu Kiel, ZKM Karlsruhe, Kabinett der Zeichnung, Kunstfonds Bonn, Fridericianum Kassel, Kubinhaus Zwickledt, Kunstverein Linz, Kunstsammlung Städtisches Museum Jena, and Kunsthalle Göppingen, among other venues; numerous publications, among others, the monograph Beutezüge im Bodensatz der Wissenschaften, Verlag für moderne Kunst, Nuremberg, 2002, and Haushaut, Städtisches Museum Jena, 2008.

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Vernissage: Donnerstag, 27. Mai 2010, 19 bis 21 Uhr

Die Künstlerin ist anwesend

Nach den erfolgreichen Einzelausstellungen "Look at me" und "Waldstücke" präsentiert die Galerie Hengevoss-Dürkop neue Arbeiten der Düsseldorfer Malerin Barbara Petzold. Thematisch knüpfen diese an die vergangenen Serien an, erneut begegnet der Betrachter denselben Frauen und Mädchen. Wie eine moderne Ophelia liegt eine junge Frau im rosafarbenen Kleid auf einer Astgabel, ihr Gesicht nicht mehr als ein Hauch, der sich hinter den Farbschichten verliert. In einem dunklen Raum läuft eine blauviolette, schmale weibliche Gestalt links aus dem Bild und blickt über ihre Schulter einem Vogel hinterher, der aus seinem Käfig geflohen ist. In ihrer eindrücklichen Technik der Schichtung von opaken und transparenten Farbflächen lässt Petzold die Figuren durchs Bild schweben oder bettet sie in ein schemenhaftes Umfeld, so dass der Eindruck entsteht, man hätte sie nur flüchtig im Vorbeifahren gesehen. Die Farben in Petzolds Bildern spielen die eigentliche Hauptrolle, sie geben und sie nehmen die Form, sie verstecken und sie entblößen, sie zeichnen Licht und Schatten, sie schaffen und sie verschleiern Raumverhältnisse. Petzolds virtuoser Umgang mit Farbe deckt sich mit den Inhalten, die vom Kind-Sein genauso handeln wie vom Erwachsenenleben, vom Spiel mit Pusteblumen wie von Hochzeitsbanketten, von Goldfischen wie von Geishas, von Verletzungen, Bedrohungen und Angst, wie von selbstverliebter Inszenierung und selbstbewusstem Posieren.

Barbara Petzold, geb. 1971, studierte an der Düsseldorfer Kunstakademie (bei Prof. Rissa). Einzel- und Gruppenausstellungen u.a. in der Kunsthalle Koblenz, camera artis, München, Bartlemas Chapel Oxford, Oranjekerk, Amsterdam, Temporäre Kunsthalle Friedrichshain, Berlin, Margo Art Gallery Moskau.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Barbara Petzold, paintings

Opening reception: may 27 2010

Duration of the exhibition may 28 to july 8, 2010

"Mysterious women inhabit Barbara Petzold’s pictorial worlds. One might encounter these on the street, at the beach, in bars, in the water, in the forest, in commonplace and less commonplace locations: magical beings, which seem to emerge floatingly from the realms of color created by delicate schemes of light. […]

The painting technique contributes to the fragility and sensuality of the figures. In a time-consuming procedure, involving complex brushwork, the color is applied onto the surface in multiple layers. Whether using deep blue, brown, or violet, in the case of the enclosed spaces to be seen in the early series, or the subtle yet intensive green hues to be found in the open spaces of nature represented in the more recent series, the tones of color employed by the artist evoke the notion of keen, unfathomable depths. The paintings appear like an interface between the real world and a world of dreams. The colors are both vivid and transparent. They oscillate, like twilight, between shadow and light. […]

Even if they may appear dreamy and fairytale-like at first glance, these paintings can also be questioned with regard to female identity and the perception of women in present-day society. Which role models are hidden behind these representations? Are these women consciously acting as seductresses or are they involuntary vehicles for projections and wishful thinking? […]

The women Barbara Petzold creates are caught up in dreams, but never absent, elusive, yet not insubstantial. They are simultaneously seductive and vulnerable. Their bodies are like dreams, memories, or fantasies. And just like these, they might disappear at any moment.”

[Anja Szech, in: Cat. "Hidden Persuasions" 2010, S. 2]

Barbara Petzold, born in 1971, studied at Düsseldorfer Kunstakademie ( Prof. Rissa). Solo- and group exhibitions (selection) at Kunsthalle Koblenz, camera artis, München, Bartlemas Chapel Oxford, Oranjekerk, Amsterdam, Temporäre Kunsthalle Friedrichshain, Berlin, Margo Art Gallery Moskow

For further information please contact the gallery.

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Vernissage : Donnerstag, 25. März 2010, 19.00 bis 21.00 Uhr

Der Künstler ist anwesend.

Nach der erfolgreichen Schiffporträt-Serie "kopfüber" zeigt die Galerie Hengevoss-Dürkop in ihrer zweiten Einzelausstellung mit Dirk Brömmel die "Villa Tugendhat" (Brünn/Tschechien). 1930 von Mies van der Rohe errichtet, zählt die Villa heute zu den bedeutendsten Bauten der Moderne. In seinen Fotografien lässt Brömmel die Anfänge der Villa wiederauferstehen, indem er Privataufnahmen der Auftragsfamilie mit seinen eigenen Aufnahmen der Originalschauplätze überlagert. Die Villa der Familie Tugendhat, die 1938 zunächst in die Schweiz emigrierte, ist nach wechselhafter, politisch einschlägiger Geschichte seit 1994 der Öffentlichkeit zugänglich und heute soweit wie möglich in ihren Originalzustand zurückversetzt. Die Werke bekommen in der Überblendung von historischer Privataufnahme und moderner Architekturfotografie, die zunächst an die Becher-Schule erinnert, eine eigene Faszination.

Nominiert für den Merck-Preis der Darmstädter Tage der Fotografie 2010.

Ein Katalog zur Ausstellung ist erschienen.

Opening reception in the presence of the artist: Thursday, March 25, 2010

Duration of the exhibition: March 26 to May 2, 2010

After presenting his successful ship portrait series kopfüber (headfirst), in the second solo exhibition dedicated to Dirk Brömmel Hengevoss-Dürkop gallery will show the artist’s latest photographic series Villa Tugendhat (Brno/Czech Republic). Constructed in 1930 by Mies van der Rohe, today Villa Tugendhat is considered one of the architectural epitomes of modernism. In his photographs, Brömmel revives the early history of the villa by superimposing his own representations of the site upon the private images photographed by the original owners of the building. After a complex history determined by the dark events of the Nazi era, the villa owned by the Tugendhat family, which emigrated to Switzerland in 1938, has in the meantime been largely reconverted into its original condition and has been accessible to the public since 1994. In the conflation of historical private images and modern architectural photography, which call to mind formal aspects of the Becher School, the works create their own, very unique fascination.

Nominated for the Merck Award in the context of the Darmstädter Tage der Fotografie, 2010.

A catalogue is available.

For further information please contact the Gallery.

VISIONS

Dirk Brömmel Stefan Kiess Barbara Petzold

Fotografie und Malerei

Vernissage 11. September 19-21h

Die Schiffsporträts von Dirk Brömmel umfassen auch eine Serie zu venezianischen Gondeln. Von den Brücken Venedigs setzt der Wiesbadener Künstler aus vielen Aufnahmen auf die vorübergleitenden Gondeln jene eine ideale glatte Aufsicht zusammen, die das Deck mit Gondoliere und Passagieren in eine zeitlose Ikone verwandeln. Vor weissem oder schwarzem Hintergrund freigestellt, hinter Acryl montiert bekommen die Farben eine Brillanz, die alle Vorstellungen morbider Eleganz der Stadt auf erfrischende Art umdeutet.

Die "fotografischen Arbeiten über Architektur" von dem Berliner Künstler Stefan Kiess haben seit Jahren nicht mehr bestimmte Bauten zum Thema. Schon in seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie im Rahmen der ersten Triennale der Fotografie in Hamburg, in der er den Ausblick aus den 3m hohen Industriefenstern auf die City Hochhäuser 1 : 1 an der gegenüberliegenden Galerien-Wand nicht rekon-, sondern dekonstruierte, begann er seine Negative in Montagen zu "Bildern" im klassischen Sinne zu verarbeiten. Die in der Ausstellung präsentierte Reihe "Finisterre" (2007 ff) meint in keinster Weise mehr einen geographischen Ort. "Finisterre" ist nur noch Thema, die Vorstellung des Endes der Welt, das Kiess mit Signaturen des Untergangs der Architektur beschreibt. Die vom Künstler selbst produzierten Fotografien, Silbergelatine Prints auf Baumwollkarton mit Selentönung sind andererseits so hochwertig, dass das Thema wie ein "Et ego in Arcadia", eine Erinnerung an die Vergänglichkeit und den Tod in einer überschwelgenden Gegenwart erfahren wird.

Ephemere Lichtmomente sind von Anfang an Hauptthema der Arbeiten von der Düsseldorferin Barbara Petzold. In einer ihr eigenen Technik, u. a. der Überlagerung vieler verdünnter Ölschichten, wobei die meist weibliche Dargestellte immer wieder mit der Hintergrundfarbe überstrichen wird, erreicht sie besondere diffuse Lichtverhältnisse, wie sie im Zwielicht von Morgen und Abenddämmerung, im Gegenlicht, im Nebel, im Wasser oder im Unterholz vorkommen. In ihrer neuesten Serie "Dutch Bride" spielen erstmals persönliche Erlebnisse eine Rolle.