Evelyn Drewes | Galerie

In unserem Ausstellungsformat lab II/2020 stellen wir Simon Schede vor. Der diesjährige Absolvent der Hamburger Hochschule für Bildende Künste beschäftigt sich in seiner Malerei mit dem Auflösen des Gegenständlichen.

Die Ausstellung Als Phantom hatte ich mich recht gut eingelebt von Li-Wen Kuo bietet einen Einblick in ihr bisheriges Werk. Aktuell ist die Künstlerin in den Deichtorhallen zu sehen und repräsentiert im Rahmen der Ausstellung  Jetzt! eine Position aktueller Malerei in Deutschland. Die Einzelausstellung in unseren Räumlichkeiten vertiefen die Anregungen und Eindrücke der Museumsausstellung und ermöglichen einen breiten Zugang zu ihren mystischen Bilderwelten.

In Abwandlung eines Nietzsche-Wortes könnte man sagen, ein Bild muss noch Chaos in sich tragen, wenn es eine Welt gebären will. In vielen der neueren Arbeiten Kuos scheint genau der Moment eingefangen, in dem das Chaos beginnt, Gestalt anzunehmen. Dieses Gleichgewicht, dieser Balanceakt, der genau den Punkt trifft, an dem sich eine Ordnung zu formieren beginnt, verdankt sich äußerster Präzision. Aber die sichtbar werdende Dynamik gehorcht keinem deterministischen Programm, keinem Schöpfungsplan. Eher hat man den Eindruck, als organisiere sich die Materie selbst. Die dunklen Töne in Bildern wie Welt, Metanoia, Ancestor, In einem dunkeln Wort deuten die Tiefe des Raumes an, in dem sich diese multiple Genesis vollzieht. Wenn Titel wie Wilde Ontologie oder Vorzüge eines Hammers auch für ironische Brechungen sorgen, finden die größeren Formate doch ihre Entsprechung in der größer dimensionierten Thematik. Zu sehen sind diese Arbeiten in der Ausstellung, die in den Räumen von Evelyn Drewes parallel zur „Jetzt!“-Ausstellung in den Deichtorhallen gezeigt wird.

Der Maler Thorben Eggers greift in seinen Arbeiten auf vorgefundenes Bildmaterial zurück, welches er in einen analogen, malerischen Kontext in die Ewigkeit überführt. Thorben Eggers plant seine Kunstwerke am Computer. So transformiert er ein Thema vom Digitalen ins Analoge. Dabei verweist Eggers auf die Vergänglichkeit der Bilder und des jeweiligen Mediums im digitalen Zeitalter. Ihre Inhalte und Logiken sind tief verwurzelt in der Digitalität und dem Schönheitsideal unserer heutigen Zeit. Thorben Eggers malt mit Öl auf geformten Leinwänden, die er eigenständig konstruiert. Diese Zersplitterung der Formen betonen die Figuren und erzielen eine plastische Ebene im White Cube. Die Malereien befinden sich somit an der Schnittstelle zwischen Malerei und Plastik.

Thorben Eggers analysiert in seinen Malereien das digitale Bildmedium in seiner Wirkung und Relevanz. Dem flüchtigen Digitalen kontrastiert das Analoge der Ölmalerei. Das fotorealistische Motiv verschmilzt mit dem Unscharfen und der geformten, zugeschnittenen Leinwand zu einer eigenwilligen, kühlen Dynamik.

(Wilko Austermann)

Die Künstler Andreana Dobreva und Alexandre Karaïvanov betiteln ihre gemeinsame Ausstellung mit einem Zitat des amerikanischen Malers und Moderatoren Bob Ross „Happy painting and God bless”. Dobreva und Karaïvanov könnten in ihrer Technik, Motivik und Thematik nicht unterschiedlicher sein. Von abstrahierten verträumten Portraits hin zu menschenleeren fotorealistischen Detaildarstellungen überdecken sie grundverschiedene Bereiche der flächigen Kunst. Ihre Gemeinsamkeit finden sie in ihrer Freude an der Kreation. Wie Bob Ross im Titel seiner TV-Show The Joy of Painting verrät, ist der Spaß und die Freude am Malprozess ihm von höchster Bedeutung, eine Eigenschaft, die auch die beiden Künstler ausmacht und verbindet. Ross‘ Verabschiedungsfloskel „I’d like to wish you happy painting and God bless, my friend!“ fungiert somit neben dem Titel, auch als Mantra der Ausstellung und betont das positive Gefühl der Künstler bei ihrer Arbeit.

Dunkle Hintergründe, düstere Gesichtszüge, dann plötzliche grelle Farben. Verzerrte Minen, rätselhafte Blicke, geheimnisvolle Szenerien. Andreana Dobrevas Arbeiten existieren in einer ganz eigenen Welt, die ihren individuellen Regeln zu folgen scheint. Der Betrachter braucht einige Augenblicke, um das Sichtbare einzuordnen. Die Künstlerin fängt Momente ein, die mal alltäglich, mal skurril anmuten oder auf eben dieser Grenze oszillieren. Ihre Portraits sind bestimmt von einem eigenen Farbschema, welches erdige dunkle Nuancen mit rosagelblichen Akzenten auf verstörende Art und Weise mischt. Nicht zu vernachlässigen ist auch die teilweise vorkommende ironische Komponente, welche den Werken eine völlig neue Bedeutungsebene zukommen lässt. Das Werk besticht durch eindringliche Darstellungen, wobei sich der Aktionsradius der Künstlerin in dieser Ausstellung auf männliche Protagonisten, deren Alter und Herkunft nicht eindeutig festzulegen sind, beschränkt. Ebenso lässt die Künstlerin offen, wie sich die Szene zeitlich und räumlich verorten lässt. Kontrastierende Bildelemente erzeugen ein geheimnisvolles Moment. Die Künstlerin lässt den Betrachter willentlich im Unklaren. So werden wir zurückgelassen mit einer rätselhaften Faszination.

Alexandre Karaïvanov zieht ziemlich trashige Fotos als Vorlage heran: ausschnitthafte und zugleich voyeuristische Blicke in schmuddelige Zimmerecken, auf Nachttische, S-Bahn-Sitze, unter Waschbecken, in Geschirrspüler, Pissoirs. Manche Motive lassen an Tatort- oder Schadenfotos denken. Immer wird der Blitz draufgehalten und lässt das ohnehin Desolate in einem schalen und zugleich schonungslosen Licht erscheinen. Es stellt sich die Frage, ob solche motivische Schäbigkeit die Adelung durch den Aufwand und die Akribie, welche der Fotorealismus dem Künstler abverlangt, überhaupt verdient. Vertritt man anderseits die Ansicht, dass der Fotorealismus eine heikle Sache ist, weil die bis zur Manie reichende Fixierung auf das Handwerkliche den Künstler verleitet, sich um jeglichen Inhalt herumzumogeln, muss man Alexandre Karaïvanov eine arglistige Verdopplung von Inhaltsleere unterstellen. Dahinter kann aber nur ein künstlerisches Konzept vermutet werden. In den Buntstiftbildern erscheinen zwei Künstlertypen zugleich, derjenige, der uns die hässliche Seite vor Augen führt, unseren Blick auf das stößt, was wir lieber verdrängen oder im Verborgenen halten und derjenige, der sein Können unter Beweis stellen will, in einem hehren, traditionellen Sinn. Zwei gegensätzliche Kunstauffassungen prallen jäh aufeinander und werden doch auch vereint.

Zur Eröffnung der neuen Galerieräume zeigt Michael Peltzer eine neue Werkreihe. In "Drive me crazy“ thematisiert der Maler ikonische Autos der Filmgeschichte. Von Herbie (1968) dem VW Käfer bis zum Batmobil (1966) – Peltzer hegt seit langem eine Faszination für die motorisierten Vierräder aus Kultfilmen. Wer sein Werk kennt, weiß um das wiederkehrende Motiv des Filmstills im Allgemeinen als Vorlage für seine Arbeiten. Aber auch Modellzeichnungen dienten dieses Mal als Recherche für Bilder wie Twinkle Little Star, welches den beunruhigend rot leuchtenden Plymouth Fury aus Stephen Kings Christine (1983) zeigt. Anders als bei den Filmstills von Cindy Shermann geht es Peltzer nicht um das Herunterbrechen visuell pointierter filmischer Realitäten, sondern im Gegenteil um die Überspitzung ihrer Ikonizität.

Das Automobil als Protagonist in der Kunst kann man in Anbetracht der aktuellen Klimadebatte thematisch nicht zeitgemäß finden – für Michael Peltzer ist es jedoch der passende Zeitpunkt sich mit diesem Sujet auseinanderzusetzen. Die Autoindustrie ist im Wandel, es geht um Perspektivenwechsel und Innovation. In der Shareconomy verliert das Auto schon jetzt seine Bedeutung als Statusobjekt, doch in den Herzen der Oldtimerliebhaber wird es seine Rolle als Ikone wohl niemals verlieren. Michael Peltzer rückt ausgewählte Modelle ins Spotlight und widmet ihnen einzigartige Portraits.

Zum Jahresende schwelgen wir in den vielen schöne Erinnerungen und verspüren gleichzeitig eine Aufregung und Neugierde für das Jahr 2020. „Nachts allein im Atelier“ geht nun in die sechste Runde und präsentiert alte Bekannte und neue Gesichter der Galerie. 14 Künstler präsentieren ihre neuesten Arbeiten in einer facettenreichen und lebendigen Ausstellung.

The energy you were looking for.

Kunst bewegt Menschen. Ihre einzigartige Energie flutet Räume und Plätze, verursacht Emotionen und umhüllt das Publikum in ihrer individuellen Erscheinung. Sie wird von den Künstlern aus dem Nichts erschaffen und mit ihrer Arbeit, ihrem Fleiß und ihrer Muse genährt. Mit der Fertigstellung ist das Kunstwerk vollständig aufgeladen und teilt seine Energie mit dem Publikum. Der Funke springt auf den Betrachter über, die Energie verbreitet sich. Hirofumi Fujiwara, Marile Holzner, Michael Klipphahn und Lukas Schneeweiss demonstrieren diese Energie anhand von dreidimensionalen und konzeptuellen Arbeiten und setzen den Energiefluss zwischen Kunst und Mensch in Bewegung.

Hirofumi Fujiwara studierte bei Stephan Balkenhol an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe und widmet sich der figürlichen Plastik. Bei seiner aktuellen Werkreihe "Utopia" beschäftigt er sich mit dem Thema der Utopie. Bei diesen Skulpturen handelt es sich weniger um Modelle des Menschen in der Zukunft, vielmehr schafft er Figuren einer Parallelwelt. In Abgrenzung zu seinen früheren Arbeiten verbindet die Skulpturen dieser Werkserie das Element der Verschleierung. Umgesetzt wird dieser Aspekt des Geheimnisvollen durch den Einsatz transparenter Mauern, die wie ein Schutzwall um die Figuren konstruiert sind. Erst bei genauerem Hinsehen kann man das Wesen jeder einzelnen Figur hinter Plexiglas, Silikontropfen oder Strohhalmen erahnen.

Die Objekte aus Papier von Marile Holzner, so weich und in sich zusammensackend wie eine an die Wand gelehnte Matratze, so starr wie ein verbogener Kamm oder so zäh wie ein Kaugummi – Wie entsteht Form? Wie ein roter Faden zieht sich diese Frage von den frühen Arbeiten bis heute durch das Werk von Marile Holzner, die ihr Studium der freien Kunst an der Akademie der Bildenden Künste München bei Prof. Karin Kneffel absolvierte. Die Resultate der Suche nach Antworten haben sich im Laufe der Jahre verändert und bilden doch ein großes Ganzes, das sich in verschiedene Varianten auffächert und dabei immer wieder überrascht. Selten wird die Frage durch konkret realitätsbezogene Formen beantwortet: Faszinierend ist gerade die oftmalige Formlosigkeit der Objekte. Wie Elemente eines Zeichensystems, das wir erahnen aber nicht gänzlich ergründen können wecken sie Assoziationen an Bekanntes, ohne sich am Ende gänzlich dechiffrieren zu lassen.

Die Kleidungsplastiken von Michael Klipphahn können als Sammlungen poetischer Formen von Körpern und Körperschmuck gelesen werden, die zwischen der trashigen Clubästhetik der 90er Jahre, Fetischobjekten und Merchandiseartikeln aus Museumsshops lavieren. Der Künstler, der an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden bei Ralf Kerbach studierte, betitelt seine gehärteten Kleidungsstücke und Kleidungsobjekte als Phantome, dem medizinischen Begriff für naturgetreue Organnachbildung für Operationsübungen und Demonstrationen. Generell illustrieren seine Plastiken nicht nur die unheimliche Absenz echter menschlicher Akteure, sondern verweisen auf deren Determination als bloßer Projektionsoberfläche. Generell ist das Thema seiner Arbeiten die Glätte als Signatur der Gegenwart, seien es die Smartphone- oder Desktopbildschirme, die Oberflächen fotografischer, plastischer oder malerischer Arbeiten oder die Glätte als Bildmetapher.

Lukas Schneeweiss studierte bei Leni Hoffmann an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. Er arbeitet präzise mit den malerischen Qualitäten von Material und erzeugt dadurch Werke mit dringlich visuellem Wert. Den Betrachtern begegnen einfache Formen, denen eine kalkulierte Geordnetheit zugrunde liegt. Schneeweiss’ Rückgriff auf Typografie entspringt einer poetisch lyrischen Wurzel, die aber nie ins aufdringlich narrative abgleitet, sondern ins Absurdum führt. Konzentriert schöpft der Ästhet aus einem breiten Oeuvre, dabei ist die subjektive Transformation von Erinnerungen, Empfindungen, Verhältnissen und Fundstücken ein wesentlicher Antrieb.

Die 15-teilige Fotoserie „Nature“ ist als Fortsetzung der Arbeit „In Amerika“ von 2014 entstanden, welche u.a. 2017 in der Ausstellung Portraits Hellerau im Hellerau – Europäischen Zentrum der Künste in Dresden gezeigt wurde. Im Rahmen dieser Gruppenausstellung hatte Krauth eine Soloausstellung bei Oberüber Karger, wo die Serie ausgestellt wurde.

Stefan Krauth unternimmt in seinen Bildern Reisen an Orte, die durch seinen Blick fremdartig entrückt erscheinen und damit in gewisser Weise oft auch ein Klischee des Exotischen bedienen, das wiederum– gerade weil es durch seine häufige Wiederholung in den Massenmedien abgenutzt erscheint – als Auslöser und Projektionsfläche wahrer Empfindungen dienen kann. Krauth zitiert diese künstlichen Sehnsuchtswelten, die durch kommerzielle Absichten und hohle Zuspitzungen korrumpiert sind. Es sind Fotografien, die das Fotografieren reflektieren. Ihre technischen Mittel haben eine doppelte Funktion, sie sind Medien der Illusion und kritisieren sich, noch während sie sich über die erreichte Täuschung freuen, selbst. Vielleicht eignen sie sich gerade deswegen so gut zur Navigation. Aber es sind die Verschiebungen in den Koordinaten, für die sich Krauth entscheidet, die ihn über die Grenzen der bekannten Welt hinausführen. Das Abenteuer liegt ganz dicht neben dem scheinbar Vertrauten, es bedarf nur einer Verschiebung des Blicks. Stefan Krauth fotografiert Fotografien, und zum Teil bestehen diese Fotografien aus mehreren Fotografien, die miteinander verbunden werden: eine Landschaft bekommt einen neuen Himmel, eine Figur wird in eine ihr fremde Umgebung versetzt. Manchmal erscheinen Bilder in Bildern, die auf dieFunktion von Bildern als Träger von Sehnsüchten verweisen, so beispielsweiseWerbeflächen oder ein Bild an der Wand eines Zimmers. Immer wieder nehmen Fensterdurch- und Landschaftsausblicke
die Funktion von Bildern im Bild ein.
Entscheidend für seine Arbeitsweise ist eine gewisse Unschärfe, die er durch verschiedene Mittel erreicht. Sie ergibt sich zumeinen dadurch, dass die Fotos von einem Bildschirm abfotografiert werden. [...]
Krauth komponiert seine Arbeiten unter Berücksichtigung von Farbabstufungen und Kontrasten, aber auch oft, indem er einzelne Farben zentral in Szene setzt und sie zu Protagonisten der Komposition macht. In einigen Arbeiten steigern sie sich und beginnen zu leuchten. In ihrer Intensität fordern sie eine Aufmerksamkeitwie die inszenierten Traumwelten der Werbung und der Unterhaltung mit ihren vorfabrizierten Abenteuern. Durch Krauths spezifische Bearbeitung ziehen sich die einzelnen Farbtöne jedoch zu einem Gesamtbild zusammen, in demeine kühle Grundstimmung dominiert. Sie resultiert aus dem fotografischen Prozess und sorgt wie dieser für Distanz. Das ist ein gewollter Abstand, der sowohl eine Sehnsucht auslöst, ihn zu überwinden, und zugleich als Verweis auf den medialen Entstehungsprozess der Arbeiten verstanden werden kann. (Holger Birkholz)

Die Ausstellung "Spoiler 2" zeigt neue Malereien von Tobias Köbsch und Sophia Schama. Die beiden KüstlerInnen stellten 2012 gemeinsam unter dem Titel "Spoiler" in einer Leipziger Galerie aus und knüpfen sieben Jahre später wieder daran an. Schama und Köbsch verfolgen unterschiedliche malererische Ansätze. Während Köbsch seine realistischen Gemälde sorgsam plant und in einem aufwändigen Arbeitsprozess entwickelt, arbeitet Schama aus der malerischen Gerste heraus und gelangt auf diesem Weg zu einer intuitiven und gleichsam hochpräzisen Bildsprache.

Mit seiner fotografischen bzw. filmischen Bildästhetik spielt Tobias Köbsch, wie andere Künstlergenerationen vor ihm, mit dem Prinzip Illusionismus, dem trügerischen Wirklichkeitsanschein. Doch zielt die technische Brillanz seiner gemalten oder plastizierten Tableaus nie auf täuschende Verführung in imaginäre Welten, sondern auf eine kritische Momentaufnahme des aktuellen Verhältnisses von Bild- und Weltbewusstsein. Anders als die medienreflexive Malerei in den 1970er- und 1980er-Jahren interessiert Köbsch nicht der gemeinsame Abbildungscharakter von Fotografie, Film und Leinwandmalerei. Vielmehr versucht er die ästhetischen Codierungsformen, insbesondere die emotionalisierende Qualität aktueller Zeichenproduktion darzustellen.

(Dr. Joachim Penzel)

Sophia Schamas Bilder sind als hybride Landschaften zu verstehen. Die Natur bei Sophia Schama hat nichts Idyllisches. Tiere treten uns hier ebenbürtig gegenüber, distanziert, nicht schutz- oder hilfsbedürftig. Die Bilder lassen sich als Ausdruck einer Koproduktion von Natur und Gesellschaft lesen. Dass die Natur vergesellschaftet wird, während die Gesellschaftsentwicklung naturwüchsig verläuft, ist ein gedanklicher Komplex, den die Künstlerin mit ihren Motiven immer wieder anreißt, ohne eine endgültige Positionierung vorzunehmen, und so dem Betrachter ermöglicht, seinen eigenen Standpunkt zwischen Natur und Kultur zu hinterfragen. Schamas Bildwelten stecken voll verwirrender motivischer Bezüge. Mit nur wenigen sorgfältig gesetzten Pinselstrichen entstehen komplexe Flächeraum-Verhältnisse. 
(Linda Karohl, Susanne Prinz, Jasper Kettner und Hans Gerd Koch)

Die Ausstellung on paper widmet sich dem Medium Papier, insbesondere dem Papier als Bildträger. Die künstlerische Gegenüberstellung von Ekkehard Tischendorf und Marion Fink, zeigt wie vielfältig und different die malereisch-bildnerische Bearbeitung von Papier sein kann. Der Werkstoff greift auf eine lange, bedeutende Geschichte zurück und kämpft dennoch neben klassischen Medien wie der Leinwand um sein Ansehen. Die besondere ästhetische Eigenschaft und die enorme Vielseitigkeit von Papier wird mithilfe der beiden Techniken der Künstler ins Licht gerückt und setzt das Papier auf sein verdientes Podest.

In Marion Finks großformatigen Papierarbeiten begegnet man abstrakten Szenarien mit Figuren und Objekten bis hin zu Wörtern und Textfragmenten. Ihre Bildwelt spielt mit Aspekten des Realen sowie des scheinbar Unwirklichen und präsentiert sich wie in Momentaufnahmen eines Tagtraums. Philosophische Überlegungen bezüglich der individuellen Konstruktion von Realität und Identität fließen dabei ebenso in ihre Bildfindung wie Einflüsse aus Populär Kultur und Social Media. Collagenhaft verbinden sich die verschiedenen Elemente hin zu Motiven, die dann ebenso puzzleartig ihren Weg aufs Papier finden. Durch die Verwendung einer Glasplatte als Druckkörper (auf den die Ölfarbe zunächst aufgetragen wird, um diesen anschließend mit Körperkraft auf das Papier zu pressen) entstehen dabei in vielen kleinen Schritten die durchschimmernden Strukturen der großformatigen Monotypien.
(Marion Fink)

Ekkehard Tischendorf tritt vor Papier und Leinwand und lässt geschehen. Forschend und fragend, den Blick auf Farbe und Form gerichtet, öffnet er ein malerisches Möglichkeitsfeld, das Vieles in der Schwebe lässt. Der Künstler verfügt über einen reichen Bildervorrat, sodass er dann, im Arbeitsprozess, sich in der Malerei verliert, sich im Wiederholen, Umformen, Transformieren und neu Erfinden von den entstehenden Kompositionen leiten lässt und im Akt des unmittelbaren, intuitiv geleiteten Tuns dichte wie zart wirkende Bildwelten erfindet. Das Gewollte steuert oftmals ins Ungewisse, der Zufallübernimmt die Führung. Dadurch entsteht eine offene und zugleich verdichtete Oberfläche, die ihre Spannung gerade aus der Mehrdeutigkeit ihrer Motive bezieht.
(Günther Oberhollenzer)

Wir freuen uns die Ausstellung „Und alles war in Ordnung“ von Melanie Siegel anzukündigen. Die Künstlerin lässt zwei Welten aufeinander prallen: zum einen die Ordnung architektonischer und geometrischer Bildstrukturen und zum anderen die wuchernde Vegetation und ursprüngliche Welt der Pflanzen. Die Malweise der ehemaligen Kneffel Schülerin, basiert auf imaginären Orten, die sie realistisch, jedoch bei genauerem Hinsehen abstrakt darstellt. Die Bilder demonstrieren die Eingriffe des Menschen in die Landschaft, weisen jedoch gleichzeitig die Rückformung urbaner Gefüge durch die Natur auf. Im Mittelpunkt steht die Faszination um den Schwellenbereich des Landschaftsraums mit seinem Ein-, Aus- und Abgrenzen von Kultur und Natur. Das menschlich Erschaffene und natürlich Entstandene wird auf Melanie Siegels Leinwänden vereint und bildet die Grundlage ihrer ausdrucksstarken Kulturlandschaften.

"Die Linie ist Ursprung des Gegenstand und Nullpunkt der Abstraktion - nicht da und doch das Wesentliche.“ Albert Heisenberg
Torsten Ruehle präsentiert in unserem Ausstellungsformat „lab“ seine Interieurmotive und zeigt neben Ölmalerei auf Leinwand bedruckte Leuchtkästen. Seine Arbeiten basieren auf Fotografien von Wohnzimmern der 50er und 60er Jahre, die, versehen mit vermeintlichem Designermobiliar, das bürgerliche Spießertum darstellen. Auf Grundlage dieser Bilder versieht der ehemalige Arno Rink Schüler die Möbel mit dicken Konturen und arbeitet mit unterschiedlichen Transparenzen und hebt so den kitschigen Eindruck dieser utopischen Szenen hervor.

Wir freuen uns den alljährlichen Rundgang der Galerien im Kontorhausviertel anzukündigen.

Am Freitag, den 22. März 2019 stehen die Galerietüren von 18 bis 22 Uhr offen.

Wir ermöglichen alten und neuen Freunden der Kunst den nächtliche Einblick in die insgesamt 10 Galerien rund um das Chilehaus.

Wir laden insbesondere zum Künstlergespräch mit Robert Sturmhoevel um 20 Uhr in der Evelyn Drewes | Galerie (Burchardstr. 14) ein, bei dem der Künstler anhand seiner Installation"Notes 3" seine Arbeitsweise und sein konzeptuelles Vorgehen erläutert.

Außerdem freuen wir uns die After-show-Party im Pane e Tulipani (Klosterwall 23) anzukündigen, die direkt um 22 Uhr an den Rundgang anschließt.

Wir freuen uns die Austellung "Hinterm Horizont" von Robert Sturmhoevel anzukündigen und das gleichnamige Künstlerbuch vorzustellen. Sturmhoevels Bilder von Traumwelten verbinden Wirkliches mit Unwirklichem und Schönes mit Abgründigem. Die Kinder in seinen Arbeiten, verstärken den Aspekt der Verwechslungsgefahr zwischen Realität und Fantasie und weisen durch ihre Unschuld bedenkliche Themen auf, die manchem Erwachsenen schon gar nicht mehr auffallen. Der Künstler reiste 2017 nach Las Vegas und beobachtete in den fast phlegmatischen Landschaften Farben und Lichtverhältnisse. Las Vegas beschreibt er als einen Spielplatz, der wie ein Fremdkörper in einer kargen, zeitlosen Landschaft liegt und jegliche natürliche Vegetation durch künstliche Lichter in allen erdenklichen Farben ersetzt hat. Diese für den Künstler typische Thematik bringt er mit nichtsahnenden Kindern, und heimatlichen Eindrücken in Verbindung. Das Ergebnis sind Arbeiten, die sich in ihrer Farbigkeit und Bildmotivik keinem der beiden Orte fest zuordnen lassen, doch beide Inspirationsquellen in sich tragen. Robert Sturmhoevel lässt wieder Kinder auf der Leinwand spielen, in Traumlandschaften, die irgendwo im nirgendwo liegen – zwischen Traum und Realität – "Hinterm Horizont“.

Neben der Ausstellung "Hinterm Horizont" stellen wir gleich zu Beginn des neuen Jahres eine neue Künstlerin in unserer Watchlist vor. Nicole Baumfalk lässt das Stillleben neu aufblühen und schafft einen Spagat zwischen Kitsch und Tradition. Stillleben, die im 17. Jahrhundert der Obrigkeit vorbehalten wurden, bringt sie in leuchtenden Farben und in altmeisterlicher Maltechnik zurück. Sie hinterfragt in der außergewöhnlichen Motivik den Geschmack des Betrachters. Kunstblumen aus Discountern, Fundstücke von Flohmärkten, Kunststoffvasen etc. findet sich möglich bunt und knallig in ihren Arbeiten wieder, welche sie mit Prunkrahmen aus Kunststoff versieht. Mit einem Lächeln verweist  Baumfalk auf den Edel-Kitsch und gleichzeitig hält sie an einer Tradition fest, die ihre Faszination noch nicht verloren hat.

Die Galerie freut sich die alljährliche Abschlussausstellung „Nachts allein im Atelier #5“ zu präsentieren. Erstmalig in dieser Ausstellungsreihe, die bereits in die fünfte Runde geht, werden neben den Künstler/-innen der Galerie auch Gastkünstlern/-innen ihre Arbeiten ausstellen.

Insgesamt 16 Künstler und Künstlerinnen füllen die Galerieräume mit Farben und Formen. Jeder von ihnen interpretiert Kunst ganz individuell und so verschmelzen verschiedene Techniken und Ideen in eine abwechslungsreiche und spannende Ausstellung. Die Galerie lässt gemeinsam mit den Künstlern und Künstlerinnen ein erfolgreiches Kunstjahr ausklingen und startet in ein neues, vielversprechendes 2019.

Nach einer zwei jährigen Schaffensphase des Künstlers Lev Khesin, freuen wir uns sehr die Einzelausstellung Morphologie anzukündigen. In der Ausstellungen werden erstmalig neue Arbeiten, hauptsächlich großformatige Exponate gezeigt. Lev Khesin arbeitet in Schichten aus Pigmenten und halbtransparentem Silikon. Dieses Zusammenspiel von Material und Technik in Kombination mit Perspektive und Licht erzeugt unterschiedlichste Bildwirkungen und einzigartige Betrachtungsmomente. Zu der Ausstellung erscheint das Künstlerbuch „Morphologie“ über den Distanz Verlag.

In der Watchlist zeigen wir die farbreduzierten Schreibmaschinenarbeiten von Arno Beck. Das Werkzeug des Künstlers ist die heute noch kaum verwendete Schreibmaschine, mit der er die Grenzen zwischen Malerei und Typografie auflöst und Elemente des Analogen und Digitalen verbindet. Landschaftliches Ambiente im Look eines Gameboyscreens aus den 90ern – der Künstler verbindet Gegensätze und kreiert daraus neue Bilderwelten.

Aus der Klasse Daniel Richter (Akademie der bildenden Künste Wien)
Vernissage am 7. September, 18 - 21 Uhr

Kurator: Günther Oberhollenzer (Kurator des neuen Kunstmuseum in Krems, der Landesgalerie Niederösterreich)

Wie positioniert sich die Malerei in einer Welt, in der sich die Rolle des Bildes grundlegend gewandelt hat? Lange Zeit hatte sie das Monopol auf das große, farbige und wirkungsmächtige Bild. Doch dann wurde sie von der Fotografie als neues Leitmedium des Bildes abgelöst. Dennoch blieb die Malerei bis weit in das 20. Jahrhundert das unumstrittene Hauptmedium der Kunst. In den letzten Jahrzehnten hat sich das aber nachhaltig verändert. Die Wahrnehmung der Welt ist multimedial geworden. Auch in der Kunst. Und doch, ein Blick in Kunstakademien und Ateliers, ein Gang durch Galerien und Kunstmessen genügt, um festzustellen: die Malerei ist, allen Unkenrufen zum Trotz, lebendiger denn je. So auch in Wien, wo der deutsche Maler Daniel Richter seit 2006 an der Akademie für bildende Künste Malerei unterrichtet. Fünf Künstler und eine Künstlerin aus seiner Klasse bespielen die Ausstellung in der Evelyn Drewes Galerie mit einer großen Bandbreite an malerischen Ausdrucksformen und Themen. Dabei zeigen sie auf, dass das gemalte Bild nichts von seinem vitalen künstlerischen Potenzial verloren hat. Im Gegenteil, ihre authentischen wie glaubwürdigen, mit Leidenschaft umgesetzten malerischen Bildwelten lassen erkennen, dass die Malerei wohl immer eine der unmittelbarsten Ausdrucksformen künstlerischer Kreativität und Vorstellungskraft bleiben wird.

(Günther Oberhollenzer)

Der Titel ist Programm: Mit „vis à vis“ wird in der Barlach Halle K eine spannende Begegnung initiiert – ein Wiedersehen zwischen einstigen Schülern und ihren Lehrern. Die einstigen Schüler haben sich mittlerweile als Galeriekünstler ihren eigenen, individuellen Weg in die Kunstwelt geebnet. Einen Weg, den der eine mehr, der andere weniger stark beeinflusst durch seinen Mentor beschritten hat. Der Selbstfindungsprozess junger Künstler ist neben der künstlerischen Praxis eine der zentralen Herausforderungen des Kunststudiums. Das Loslösen vom kreativen Vorbild wird zum Balance-Akt zwischen Selbstfindung und Emanzipation. Dieser andauernde, individuelle Prozess spiegelt sich heute in dem breiten Spektrum künstlerischen Schaffens wieder. Sowohl auf dem nationalen als auch auf dem internationalen Kunstmarkt spielen Werdegang und Ausbildung bei einem renommierten Lehrer eine entscheidende Rolle für die künstlerische Entfaltung. So kann sich das Studium als Prädikat erweisen das Türen öffnet, aber auch Erwartungen schürt.

Die Gruppenausstellung schafft mit der Begegnung zwischen Galeriekünstlern und ihren ehemaligen Professoren eine Gegenüberstellung, ein Neben- und ein Miteinander, welches diesen Balanceakt einer jeden Künstlerbiografie wieder spiegelt. So vereint die Ausstellung unterschiedliche künstlerische Positionen, Konzepte und Herangehensweisen, indem sie sowohl Arbeiten der Galeriekünstler als auch Werke von Akademieprofessoren, in Dialog setzt.

In der Ausstellung exchanging realities begegnen sich mit den Bildern von Alex Feuerstein und Li-Wen Kuo zwei individuelle malerische Sichtweisen. Sie setzen sich nicht nur in Dialog miteinander, sondern laden auch den Betrachter zur gemeinsamen Realitätsbefragung ein. Der Austausch öffnet einen Raum multipler Realitäten so wie umgekehrt die multiplen Realitäten einen Raum zum Austausch öffnen.

Alex Feuerstein nutzt abstrahierte Situationen, um den Betrachter auf die Suche nach Bedeutung, Assoziation und subjektive Wahrnehmung zu schicken. Zusammen mit der individuellen Erwartungshaltung und Prägung entsteht eine neue Variabel die einen unkalkulierbaren Spielraum schafft. Bei der Wahl seiner Motive interessiert den Künstler vor allem das Alltägliche - unspektakulär anmutende Momentaufnahmen und vage Erinnerungen ohne Kontext welche in ihrer Banalität eine gewisse Absurdität transportieren.

Diesen Szenerien fügt er regelmäßig „Requisiten“ hinzu, welche der Person im Bild attributhaft zugeordnet werden. In dem Anliegen eine Vorstellung zu projizieren, werden Bildobjekte mehr wie Symbole als konkrete Abbildung arrangiert. Und um allen Elementen seiner Vorstellung eine gleiche Wertigkeit zuzuordnen integriert Feuerstein sie malerisch im Ganzen ohne sich perspektivischen und logischen Begrenzungen unterzuordnen.

Wiederholt setzt der Künstler weiche, organische Texturen harten, monochromen Farbflächen entgegen. Ohne diesen eine hierarchische Gliederung zu geben, entsteht eine Verflechtung von Figur und Umgebung. Einen zentralen Teil seiner Arbeit stellt der Auftrag von Farbflächen dar und das Abtragen dieser Farbe durch Klingen, Malmessern und durch Schleifen der Oberfläche.  So entsteht - durch scharfe Ränder und weiche Strukturen zugleich - die Grundlage für Feuersteins mehrschichtige Malbeweise.

Li-Wen Kuo hängt einem starken Individualitätsbegriff an. Das Prinzip der Serialität ist ihrer Arbeit fremd. Selbst dort, wo man Variationen zu entdecken glaubt, ist jedes Bild aus sich selbst gewachsen, besitzt sein eigenes Kraftzentrum, das es organisiert. Dennoch speisen sich alle Bilder aus derselben Lichtquelle, die fast immer als Glanz an die Oberfläche tritt. Wo sie es nicht tut, ahnt man ihre hintergründige Gegenwart, als suche sie eine Stelle, um aus dem Bild hervorzubrechen. Mit Illusion hat dieser Schein nichts zu tun.

Was ist das Sichtbare, was ist das Unsichtbare? Looming nennt man im Englischen das schemenhafte Auftauchen eines Objekts. Weit entfernt oder durch Nebel gesehen. Schwer fassbar und von zweifelhafter Identität. Solche loomings ereignen sich in Kuos Bildern. Nicht immer sind das Verschwimmen der Kontur oder die Transparenz der Form für die Verunsicherung des Blicks verantwortlich. Es gibt etwas, das sich entzieht. Es liegt hinter der Fülle, die man sieht, verborgen.

Die Strenge der einzelnen Komposition korrespondiert mit einer Freisetzung des Bildgehalts. In ihrer grundsätzlichen Offenheit etablieren die Bilder ein Verhältnis zum Betrachter, das seinen Grund in sich selbst hat. Was Kuo mit ihrer Arbeit anstrebt, ist die Unerschöpflichkeit dieses Verhältnisses.

Die Sonderfarbe, eigentlich ein Begriff aus der Drucktechnik, wird bei Johannes Kersting poetisch umgedeutet. Sie ist ein Spezialfall des Visuellen, ein irritierender Querschläger, der außerhalb des gewohnten Systems steht, eine sonderbare Farbe. Kerstings Anliegen ist es, Sehroutinen aufzubrechen und mit Bildern zu konfrontieren, deren Beschaffenheit keine eindeutige Antwort auf die Frage zulässt, ob es sich um abgebildete Realität, konstruierte Ordnung oder fragmenthafte Montage handelt. Hierbei „stößt die Wahrnehmung in eigentümlicher Weise auf sich selbst.“ In einem medialen Schwebezustand fließen sowohl Elemente der Fotografie, der Malerei als auch der Objektkunst ein. Ausgangspunkt des künstlerischen Prozesses ist dabei meist die Fotografie, deren schöpferisches Potential an ihrem Wirklichkeitsgehalt gemessen wird und eben an der Farbigkeit:

„Was nachklingt, ist ein diffuses Unbehagen. Es gilt zu attestieren, dass in den fotografischen Bildwerken von Johannes Kersting die Farbe als ein Moment der Spannung mitschwingt, die unsere Orientierungslosigkeit auf subtile Weise widerspiegelt. Gerade hierin liegt eine Faszination.“

Denn innerhalb der Fotografie, aber auch darüber hinaus offenbaren Farben die Fähigkeit, das Raumgefüge zu stören oder gar auszuhebeln und das Realitätsversprechen der fotografischen Abbildung auf die Probe zu stellen. Der Malerei wird in dieser Hinsicht mehr Freiheit zugestanden, doch wird auch sie auf die Gesetzmäßigkeiten unserer Wahrnehmungskonventionen hin abgeklopft.

Wörtlich genommen steckt in dem Begriff der 'Sonderfarbe' auch das 'Sonderliche', das meint auch das 'Besondere', das 'Außergewöhnliche'. Und außergewöhnlich ist Farbe in Fotografie in solch einer Prägnanz und Strahlkraft, wie Johannes Kersting sie einsetzt; besonders ist auch der Einsatz der Farbe in den architektonischen Gefundenheiten, die Kersting in seinen Kompositionen verarbeitet und die sich überall finden lassen: im Stadtraum, an einem rostigen Gestänge, im überraschenden Chiaroscuro einer verwitterten Wand oder dem ausgeblichenen Kunststoff eines Werbeschildes. Diese Elemente bergen einen erstaunlichen Moment der Irritation in sich, löst man sie fotografisch aus ihrem realen Kontext. Sie sprengen in Kerstings 'erweiterten Fotografien' wiederum nicht nur metaphorisch, sondern ganz wörtlich den Rahmen des Bildes und werden zurück in der physischen Welt zu Überläufern der Abbildung.

Kleine, alltägliche Beobachtungen, Details unspektakulärer Nutzarchitektur und ungewohnte Lichtsituationen fügen sich zu einem rätselhaften Puzzle der Betrachtung zusammen, neue Bildfindungen der virtuellen Realität, des digitalen Raumen tun ihr übriges um die Verständigkeit des Betrachter zu unterwandern. Letztendlich bleibt festzuhalten, daß „Johannes Kersting einem Erkundungswillen folgt, den spezifischen Tradierungen von Malerei und Fotografie neue Aspekte abzuringen und in einen befreiten Bildbegriff zu überführen.“

Die Architekturmalerei von Daniel Behrendt zeichnet sich durch eine charakteristische Intensität aus. Seine thematischen Schwerpunkte findet er in der Illustration Städtebaulicher Landschaften. Diese dienen nicht als Portraits geographischer Lokalitäten, sondern um Milieus zu skizzieren und spezifische Stimmungen und Atmosphären festzuhalten.
Das Abgebildete in Behrendts Arbeiten soll deutlich aus der Ölfarbe heraus entstehen. Durch das Aufbauen von Schichtungen, was unter anderem auch dazu führt, dass die Struktur der Leinwand in den Hintergrund tritt, soll Materialität deutlich werden.
So nüchtern seine Bilder auf den ersten Blick erscheinen, sie schaffen eine offenkundige Präsenz. Er findet Würde und Geheimnis in dem, was der Beobachter als anspruchslose und herzlose Architektur der Gegenwart bewertet. Die Mauer, der Putz, die Pigmente, das Fenster, der Vorsprung – ihre physische Präsenz ist frappierend, ganz ohne Anspielung und Maskerade.

Die Ausstellung versteht sich als Bestandsaufnahme zeitgenössischer figurativer und abstrakter Positionen deren Künstlerinnen und Künstler eine innere Lust für und auf die Malerei verbindet. Die Herkunft dieses Drangs, die Sucht nach Farbe, der Geruch von Pigmenten und das Gefühl des Pinsels in der Hand, mag nicht einem aphrodisierenden Parfum, wie bei Patrick Süskind, entspringen; es mag tief in der Seele ruhen oder in einem zerebralen Winkel rumoren, wichtig ist nur – das Gefühl ist da.

Als weiteres vereinendes Element leben und arbeiten die sechs Künstlerinnen und Künstler alle in Dresden und stellen zum ersten Mal als Kollektiv zusammen aus. Dass Gunnar Borbes Medium nicht nur die Malerei ist, sondern auch die Fotografie, spiegelt sich in seinen Werken wieder. Meisterhaft fängt er das Spiel aus Licht, Schatten und Reflexion auf und schafft so virtuose Momentaufnahmen und Schnappschüsse. Seine Arbeit balanciert an der Grenze der Augentäuschung  und ist gekennzeichnet von einem intensiven Detailnaturalismus. Die Gemälde von Henriette Grahnert scheinen manchmal stark abstrakt, jedoch nicht immer. Sie jongliert gekonnt mit traditionellen Malereitraditionen und umschifft die klassische Abstraktion und konkrete Malerei sowie minimalistische Traditionen und Bad Painting, amerikanische Farbfeldmalerei und Pop Art. So schafft Sie es Gegensätzliches (und Widersprüchliches) zu vereinen.

Eric Kellers Bilder zeigen nicht nur Orte und Menschen, auch Stadt- und Landschaften sowie Porträts zählen zu seinen Motiven. Es geht dem Künstler jedoch nicht nur um die Illustration eines Ortes oder einer Person, sondern um das Aufzeichnen erlebter Momente, Stimmungen und Sequenzen. Während seine früheren Werke noch vergleichsweise detailreich und konkret waren, zeigen die jüngeren Arbeiten eine zunehmende Reduktion. Charakteristisch ist auch die „homogene Färbung“ seiner Bilder. Michael Klipphahns Bilder wirken wie ein eingelöstes Versprechen; so lässt er den Bruch zwischen virtuellen und realen Bildwelten bzw. -vorlagen sichtbar werden. Seine Arbeiten zeugen von einer surreale Überwirklichkeit des Malerischen, so dass der Betrachter sich fragen muss, ob er auf eine Hyperrealität oder ein Trompe-l’œil blickt. Mit seiner fotografischen bzw. filmischen Bildästhetik spielt Tobias Köbsch, wie andere Künstlergenerationen vor ihm, mit dem Prinzip Illusionismus, dem trügerischen Wirklichkeitsanschein. Doch zielt die technische Brillanz seiner gemalten oder plastizierten Tableaus nie auf täuschende Verführung in imaginäre Welten, sondern auf eine kritische Momentaufnahme des aktuellen Verhältnisses von Bild- und Weltbewusstsein. Ekkehard Tischendorf schafft Bildwelten in einem Spannungsfeld zwischen Traum und Fiktion, allegorischen wie gespenstischen Momenten und romantischen Motiven. Für den Künstler geht es dabei nicht um den Anspruch einer realistischen Abbildung der Alltagswirklichkeit. Statt die Realität abzubilden, schafft er eine ganz neue, seiner Imagination entsprungene Welt, mit eigenen Gesetzmäßigkeiten - wenn auch in Anlehnung an die Lebenswelt des Betrachters. Komposition, Kolorit und Farbauftrag erzählen ihre eigene Geschichte(n).

Liebe, Sehnsucht und Ektase waren immer beliebte Motive und Gegenstand in Kunst und Literatur. Über das Wesen der Aphrodite stritten sich schon Homer und Platon, über ihre Gestalt Botticelli und Rubens. Mindestens genau so lange hegen die Menschen eine Faszination dafür, in einem geliebten Menschen korrespondierende Gefühle auszulösen. Parallel versuchen Künstler seit je dieser Apotheose in Form einer Welt visueller und sensorischer Freuden und Verwünschungen zu reflektieren. Die Evelyn Drewes Galerie freut sich die inhaltliche Annäherung ihrer Künstler á jour und auf eine spannende Ausstellung.

Bromance –die Wortschöpfung aus Brother und Romance- und somit ein Anglizismus für Männerfreundschaft. Eine Studie stellte kürzlich die These auf: „Der beste Freund macht Männer zufriedener als die Partnerin.“

Wie können wir uns also solch eine Männerfreundschaft in der Kunst vorstellen? Die beiden Künstler Christian Holtmann und Piotr Rambowski waren Meisterschüler von Karin Kneffel an der Hochschule für Künste in Bremen. Seit vielen Jahren teilen sie sich ein Atelier und sehen sich so täglich. Das Projekt dieser Ausstellung entstand aus der Idee das Atelier in die Galerieräume zu übertragen und dem Besucher damit Einblick in den Prozess und die Routine hinter den Bildern zu gewähren. Ihre Kunst, die auf den ersten Blick nicht viele Gemeinsamkeiten birgt, eint eine wechselseitige Beeinflussung. Gespräche, Einfälle und Gemütszustände die dem Alltag entspringen, werden intuitiv und unterbewusst Teil ihrer Arbeiten. Ähnlich wie in einer Beziehung entsteht so eine Metamorphose die durch eine gegenseitige Einwirkung begründet ist.

Die Evelyn Drewes Galerie zeigt erstmalig beide  Künstler in einer direkten Gegenüberstellung. Wir freuen uns auf eine Ausstellung mit ganz viel Gefühl gezeigt von Christian Holtmann und Piotr Rambowski.

Die Evelyn Drewes Galerie zeigt die beiden Künstler Nico Mares und Michael Peltzer erstmals in direkter Gegenüberstellung. Beide haben an der Kunstakademie Münster unter anderem in den Klassen von Günther Keusen und Daniele Buetti studiert.
Gemeinsam haben sie, dass sich ihrer Malerei an der Grenze zwischen Motiv und Abstraktion bewegt. Da auch Ordnung und Zufall in ihrer Malerei eine große Rolle spielen,  sieht
Prof. Dr. Ferdinand Ullrich – er hat über beide Künstler geschrieben – in beiden Arbeiten „eruptive Kräfte“.

Ihre malerische Prägung haben sie hingegen von ganz unterschiedlichen Lehrern erhalten. Bei Michael Peltzer stammt diese aus der Zeit in der Klasse von Michael von Ofen (Münster), bei Nico Mares hingegen aus den Jahren an der Kunstakademie Düsseldorf bei Siegfried Anzinger. Während Peltzers Motive in Auflösung begriffen zu sein scheinen, treten die von Mares aus der scheinbar ungestalteten Malmasse kaum heraus.

Wir freuen uns auf eine spannende Ausstellung mit neuen und alten Arbeiten beider Künstler.

Robert Vellekoops Malerei gelingt der Balanceakt zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit mit einer bemerkenswerten Mühelosigkeit. Ohne sich für eine Seite entscheiden zu müssen, schafft er Bilder die sich in Form von monotonen Stillleben und Landschaften einer radikalen Reduktion Piktogrammen annähern.

Ein repetitives Motiv findet sich in den leuchtenden Laternen, die alsI-Tüpfelchen Straßenränder säumen und deren Licht sich gegen die klirrend kalte Umgebung  zu wehren scheint.  Die Schauplätze, die sich durch einen monochromen Hintergrund auszeichnen, haben fast dystopischen Charakter und schaffen es so, trotz ihrer enormen Abstraktion eine starke Emotion beim Betrachter hervorzurufen.

Ungewöhnlich ist auch das Trägermaterial auf dem Vellekoops Arbeiten entstehen. Er arbeitet mit Tischlerplatten, auf welche er mehrere Acryl- und Lackschichten aufträgt, nur um sie dann wieder abzutragen, zu übermalen, abzuschleifen und darüber zu lasieren. Die Struktur des Holzes die ihm als Bildgrund dient, führt zu einer Unberechenbarkeit und Zufälligkeit die im Gegensatz zu dem systematischen Bildaufbau zu stehen scheint. Gerade diese Verbindung schafft aber einen surrealen Moment, der nicht weiter von einem Piktogramm entfernt sein könnte.

Seine Bilder erinnern auf den ersten Blick an Landschaften kosmischer Art. Der Entstehungsprozess dahinter ist ähnlich komplex wie der Bildaufbau – nachdem Robert Lanz die Leinwand grundiert folgen noch zahlreiche Schichten. Mitunter wird das Material angegriffen, abgeschabt oder beklebt. Die zumeist dunkle Farbpalette wird mit fein glitzernden Kristallen überzogen. Der dadurch entstehende, schimmernde Perlmutteffekt wirkt wie körnige Asche. Nicht selten toppt ein japanisch anmutender Tuscheschleier seine Bilder, durch dessen Vernebelung die Sicht des Betrachters getrübt wird.Zwar tragen Lanz Arbeiten selten einen Titel, wenn der Maler sich aber doch für einen Namen entscheidet - zum Beispiel bei seinen Arbeiten „Fokushima“ und dem Porträt „Andy Warhol“ – passiert das ganz bewusst. Der Betrachter überträgt seine Assoziationen auf das Bild, erweitert dadurch seine eigene Reflexion und taucht so in die Gedanken- und Gefühlswelt des Künstlers ein.

Die Evelyn Drewes Galerie freut sich bereits zum vierten Mal ihre Jahresabschluss-Ausstellung „Nachts allein im Atelier IV“ zu präsentieren. Die Künstlerinnen und Künstler der Galerie zeigen eine Auswahl ihrer neuen Arbeiten.

Der Schwerpunkt der Ausstellungsreihe liegt auf zeitgenössischer Malerei und spiegelt damit auch den künstlerischen Fokus der Galerie wieder. Während gedanklich unter dem Begriff der kontemporären Malerei schnell Limitationen auftreten können, so zeigt einem der künstlerische Output wiederum die Weite der kreativen Auslegungsmöglichkeit.

So verschieden die Künstlerinnen und Künstler auf den ersten Blick scheinen, sie eint eine Vertrautheit mit den Räumen der Galerie. Sie wissen wie das Licht einfällt und wohin das Auge des Besuchers als erstes blickt. Sie kennen die starken Flächen, prominente Wände und Ecken, aber auch die weniger einfach zu bespielen sind. Sie wissen wo eine Leinwand glänzt und wo eine Installation stehen muss. Sich diese Räume zu teilen, die gesammelten Erfahrungswerte zu nutzen und so eine sanfte Harmonie ihrer künstlerischen Positionen zu schaffen, ist Teil des Konzepts.

Das Jahr nähert sich seinem Ende, das Licht wird blasser, die Nacht setzt eine feste Klammer um den Tag und schafft so den Raum und die Ruhe für die Künstler ihre Arbeit reflektieren zu können. Die Galerie wird abermals zu einem Gemeinschaftsatelier ihrer Künstler und freut sich, alle zuhause zu wissen.

Leiko ikemura gilt als eine der bedeutendsten Künstlerinnen unserer Zeit mit internationaler Anerkennung. Bereits seit den 1980er Jahren ist sie fester Bestandteil bei renommierten Biennalen und Ausstellungsprojekten in namenhaften Museen und Kunstinstitutionen. Ihre Werke sind in den öffentlichen Sammlungen wie Centre Pompidou, Kunstmuseum Basel, Museum Kunst Palast Düsseldorf und im Nationalmuseum für Moderne Kunst in Tokyo vertreten. Mehr als 20 Jahre war Leiko Ikemura als Professorin an der Universität der Künste in Berlin tätig. Im Oktober kommt die Künstlerin für ein gemeinsames Ausstellungsprojekt mit einer Auswahl ihrer Meisterschüler der vergangenen Lehrjahre nach Hamburg. In der von ihr kuratierten Gruppenausstellung „Wir Magier“ werden sowohl Werke von ihr als auch ihren ehemaligen Studenten gezeigt. 

Leiko Ikemura greift in Ihrem künstlerischen Schaffen Teile der westlichen Kunstgeschichte, als auch die Formsprache der japanischen Kultur auf.  Dabei spielt sie mit Asymmetrien und Doppeldeutigkeiten, betont Aspekten des Geheimnisvollen und der Verwandlung. Ihre Motive scheinen Phantasiewelten entsprungen, entstanden aus der Kraft der Imagination. Dabei bewegen sich die Werke stets zwischen den Polen rationaler Kontrolle und spontaner Eingebung. Das Resultat eines solchen Spannungsverhältnisses sind unbegrenzte Räume, utopische Landschaften und imaginäre Menschenbilder, die in einer magischen Aura münden.

Das Magische spielt auch in den Werken der 14 Künstlerinnen und Künstler eine zentrale, und vor allem verbindende Rolle. So ist der Titel „Wir Magier“ als programmatische Ansage zu verstehen: Objekte, Motive und Figuren verschwinden und wandeln sich, sodass im Prozess der Auflösung etwas gänzlich Neues entstehen kann. Andere Positionen verweisen durch die Schaffung magischer Atmosphäre und geheimnisvoller Energiekörper stets auf die Quelle der Imagination. 

Gleichermaßen verweist „Wir Magier“ aber auf die Rolle der beteiligten Künstler. So müsste die Ausstellung genau genommen „Wir Künstler“ heißen, doch vielleicht sind sie ja die wahrhaftigen Magier unserer Zeit? Ihnen gelingt es mit der Kraft ihres kreativen Schaffens, Bildwelten und Stimmungen zu kreieren, die den Betrachter emotional berühren und auf gewisse Weise verzaubern können. Ähnlich den Bestrebungen der Alchimisten modifizieren Künstler alltägliche Materialien und triviale Objekte so, dass sie einen neuen, wertvollen Gehalt bekommen und ein unergründliches Eigenleben zu entwickeln scheinen. So wie sich auch die Magie den Erklärungsversuchen der faktischen Wissenschaft zu widersetzen versucht, ist auch das Wesen und die Bedeutung von Kunst nicht eindeutig definierbar.

Teilnehmende Künstler: Sabine Banovic, Fritz Bornstück, Mariechen Danz, Lea Gilloire, Lennart Grau, Leiko Ikemura, Rona Kobel, Kevin Kopacka, Robert Lanz, Elke Markhöfer, Helena Petersen, Christian Pilz, Achim Riethmann, Zurab Sheqelashvili, Michael Wutz

Inspirieren lässt sich Hirofumi Fujiwara von der Vielfalt der Menschen, die ihm in seinem alltäglichen Leben begegnen. Beim Beobachten dieser facettenreichen Persönlichkeiten erhebt der Künstler jedoch weniger den Anspruch einer detailgetreuen Wiedergabe. Vielmehr ist er auf der Suche nach Einzelheiten der vielen, unterschiedlichen Menschen, die ihr für seine künstlerischen Projekte sammelt. Die Kollektion aus unterschiedlichen Charaktereigenschaften und Persönlichkeitsmerkmalen, die jeden Menschen individuell auszeichnen und aus verschiedenen Perspektiven vielfältig rezipiert werden können, dienen ihm anschließend als Motivkatalog für seine Werke. So nutzt er die Beobachtungen, um ebenso individuelle Figuren zu kreieren. Jede der naturalistischen Skulpturen aus Ton und Kunststoff unterscheidet sich in kleinen Details von den Anderen und ist demnach in zweifacher Hinsicht ein Unikat.

Bei seinem neusten Projekt beschäftigt sich Hirofumi Fujiwara mit dem Thema "Utopia". Bei diesen Skulpturen handelt es sich weniger um Modelle des Menschen in der Zukunft, vielmehr schafft er Figuren einer Parallelwelt. In Abgrenzung zu seinen früheren Arbeiten verbindet die Skulpturen dieser Werkserie das Element der Verschleierung. Umgesetzt wird dieser Aspekt des Geheimnisvollen durch den Einsatz transparenter Mauern, die wie ein Schutzwall um die Figuren konstruiert sind. Erst bei genauerem Hinsehen kann man das Wesen jeder einzelnen Figur hinter Plexiglas, Silikontropfen oder Strohhalmen erahnen.

Angetrieben von der Freude an der Verbindung von körperlichen, visuellen und intellektuellen Verständnissen entstehen die Arbeiten von Mena Moskopf. Ein sehr wichtiger Aspekt ist dabei das Innehalten und Hervorheben des Moments. Die Lust an Blicken und das Spiel in der Beobachtung stößt einen Prozess des Erkennens in einer fluiden, schnelllebigen und von Bildern übersättigten medialen Zeit an.

Die Vorlagen der malerischen Arbeiten sind daher aus dem realen sowie dem digitalen Leben gegriffen. Ausschlaggebend für die Auswahl der Fotografien und Screenshots von Personen, sind deren Intensität im Ausdruck. Die Situationen stammen hauptsächlich aus alltäglichen Begebenheiten und rufen Fragen über die veränderte Selbst- und Fremdwahrnehmung hervor. In der zeichnerischen Malerei wird dieser Moment des Innehaltens der medialen Bilderflut entgegengesetzt. Der Augenblick wird eingefangen und entweder so belassen oder beschnitten und neu zusammengefügt. Er wird seziert um ihn darzustellen und zu ergründen. Dabei behalten die Arbeiten in ihrer Umsetzung eine Leichtigkeit, die dem Betrachter neben einer wissenschaftlichen eine rein sinnliche Herangehensweise ermöglicht.

Die Ausstellung "the human aspect" versteht sich als Versuch einer Bestandsaufnahme zeitgenössischer, figurativer Positionen, wobei der Schwerpunkt bzw. die gemeinsame Schnittmenge der Arbeiten in ihrer emphatiegetragenen Reflexion der Realität besteht.
Nach der zweiteiligen Präsentation der Ausstellung in den Räumen der Galerie Ursula Walter in Dresden im Oktober 2016 und Mai 2017 freuen wir uns, nun die Arbeiten in der Barlach Halle K in Hamburg in einer Gesamtshow zeigen zu können.

Teilnehmende Künstler:
Nikolas Brade, Gunnar Borbe, Sven Braun, Michelangelo Contini, Anna Eckold, Valérie Favre, Thomas Fißler, Grit Hachmeister, Holger John, Eric Keller, Tim Kellner, Michael Klipphahn, Peter Klitta, Marc Lüders, Nadine Rennert, Anne Schönharting, Kathrin Tschirner, Nadine Wölk, Edgar Zippel

Katharina Fritsch ist eine der bedeutendsten Künstlerinnen Deutschlands und studierte selbst an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf als Meisterschülerin des Malers und Zeichners Prof. Fritz Schwegler. Bald wandte sie sich jedoch von der Malerei ab und erlangte seit den 1980er Jahren vor allem mit ihren Objekten und Installationen internationale Anerkennung. 1995 vertrat sie Deutschland bei der Biennale in Venedig und 2001 war sie an einer Ausstellung in der Tate Gallery, London beteiligt. Seit 2010 hat Katharina Fritsch eine Professur für Bildhauerei an der Kunstakademie Düsseldorfhttps://de.wikipedia.org/wiki/Kunstakademie_D%C3%BCsseldorf inne. In ihren Werken beschäftigt sie sich insbesondere mit den Klischees der Alltagswelt in der Gegenwart und Mythen.

Trotz ihrer Ausrichtung auf Bildhauerei bietet die Klasse ein breites Spektrum an künstlerischen Darstellungsformen aus der Fotografie, diversen Druckverfahren, Collagen, Installationen, Skulptur, Malerei und Objekten. Was die diversen künstlerischen Ansätze eint, ist schwer zu benennen, lässt sich jedoch anhand des Titels „Salz“ näher erläutern.

„Salz“ birgt unterschiedlichste Assoziationen: Das Salz in der Meeresluft einer Hafenstadt, Salz als Würze und gleichzeitig lebensnotwendiges Mineral, das Salz in der Suppe und das Salz in der Wunde. Das Salz auf dem Frühstücksei. Alltägliches, Genuss und Notwendigkeit treffen in diesem Begriff aufeinander und bieten somit ein breites Spektrum an künstlerischen Entfaltungs- und Interpretationsmöglichkeiten. Jeder der Künstler bedient sich in seiner Arbeitsweise aus einem unterschiedlichen Potpourri an Gewürzen. Jeder salzt, aber jeder salzt anders. Nichtsdestotrotz gibt es ein gemeinsames Verständnis und eine gemeinsame Basis von der aus sich die künstlerischen Positionen entwickeln: Eine Prise.

Teilnehmende Künstler:
Anna Lena Anton, Sven Raik Bernick, Jonas Blum, Nina Buchheim, Kai Cui, Hakan Eren, Yutao Gao, Klara Kayser, Mingu Kim, Sean Mullan, Johanna Mußenbrock, Conrad Müller, Anja Neumann, Denise Werth

"hYBriD" liest sich als eine Art Chiffre, wie auch die code-ähnlichen Titel der Werke von  Achim Riethmann. Gleichzeitig verweist die Kombination von Groß- und Kleinbuchstaben aber auch auf die allgemeine Bedeutung des Wortes „Kreuzung“ und „Mischung“. Hybridität ist ein vielseitig angewendetes Phänomen in Bereichen von Wissenschaft, Wirtschaft und Kultur und lässt neue Potenziale in den Interaktionsmechanismen unterschiedlichster Elemente entstehen. 

Durch verschiedene strategische Mittel implizieren auch die feingliedrigen Aquarelle Riethmanns einen hybriden Charakter. Die Detailgenauigkeit der Motive verweist auf eine realistische Darstellungsweise. Die medialen Vorlagen aus Zeitungen, Presse und Zeitschriften vermitteln in ihrer Ausschnitthaftigkeit jedoch bereits die Zwiespältigkeit  der Abbildung von „Realität“. Dies verstärkt sich vor allem durch das diskrepante Verhältnis von Raum und Fläche. Der Raum bleibt leer. Gezeigt werden die fragmentarisierten Körper der Figuren, die ohne einen klaren Anhaltspunkt im Raum existieren. Zu dieser künstlerischen Strategie sagt Achim Riethmann selbst: „Die  verwendeten Fragmente schaffen im Kontrast  zu nicht dargestellten Bildelementen sowohl inhaltlich als auch formell ein Spannungsfeld für thematische sowie räumliche Interpretationen. Ausnahmesituationen stellen in Ihrer Dramatik oft auch einen Wandel dar, von einem Zustand in einen anderen. Dieser Wechsel, dieser Moment des Entstehens aus etwas altem fasziniert mich. In meinen Arbeiten spielt diese Spannung zwischen dem Auflösen, dem Verschwinden und dem Kreieren die zentrale Rolle, sowohl in der Wahl meiner Motive, als auch in der Art der Darstellung."

Melanie Siegel hatte bereits letztes Jahr an der Meisterklassenausstellung von Karin Kneffel „meistern“ in unserer Galerie teilgenommen. Nun freuen wir uns, sie dieses Jahr in unserer Ausstellungsreihe „Watchlist“ präsentieren zu können.

Melanie Siegel widmet sich in ihren Arbeiten einer neuen Art der Landschaftsmalerei, die als urbane Landschaftsmalerei bezeichnet werden könnte. Ihre Motive entnimmt sie ihrer alltäglichen Umwelt und hält sie photographisch oder zeichnerisch fest. Im Atelier fügt sie den vorgefundenen Motiven imaginäre Details hinzu, setzt Fragmente unterschiedlicher Herkunft in einen neuen Zusammenhang,  um sich so dem individuell wichtigen Bildmoment zu nähern und auf diese Weise vertraut und fremd zugleich wirkende Situationen entstehen zu lassen. Diese Transformation erinnert an die Romantik und generiert eine Verknüpfung von Wirklichkeit und Imagination.

"TROY" ist ein Verweis auf die der griechischen Mythologie entsprungenen Sage um das Trojanische Pferd, das einst den griechischen Soldaten mit List und Strategie zum Sieg über ihre Gegner verhalf. "TROY" kann ebenso gut als Metapher auf die Kunstwelt übertragen werden. Denn neben dem Schaffensprozess und der Rezeption kreativen Guts beinhaltet die Kunst weitaus mehr, eine Art gesellschaftlichen Wert, eine Zugehörigkeit zu einem bestimmten Klientel und oft nur das Vorgeben, die Kunst in ihrer Tiefe ergründet zu haben. Dennoch ist der Titel bewusst offen gehalten. So könnte man ihn ebenso als Kombination von vier an einander gereihten Buchstaben deuten, die ähnlich wie die vier Künstler nebeneinander präsentiert werden, in ihrem Wesen ganz unterschiedlich sind, doch gemeinsam einen neuen Wert schaffen. "TROY" lässt Spielraum für Assoziationen und Interpretationen, ebenso wie die Arbeiten der vier Künstler, die eine Richtung vorzugeben scheinen und doch unbegrenzte Möglichkeiten der Rezeption erlauben.

Vier künstlerische Positionen mit ganz unterschiedlichen Darstellungsformen, Techniken und Konzepten. Und dennoch verbindet sie ein ironisches Spiel mit alltäglichen Gegebenheiten, trivialen Objekten und der Semantik unserer Zeit. Typografie und Symbole stehen im Zentrum der Malerei, Collagen und Installationen von Christian Holtmann und Sebastian Dannenberg. Sie setzen die uns täglich begleitenden Elemente aus Werbung, Medien und Popkultur in neue Kontexte. Daniel Wrede teilt die Auseinandersetzung mit Eigenschaften und Erscheinungen von Alltäglichem. Dabei widmet er sich weniger der Schrift und ihrer Bedeutung, als vielmehr den gegebenen Objekten unserer Lebenswelt. Der Künstler verändert ihr Erscheinungsbild und schafft mit der bewussten Ästhetisierung einen neuen Bedeutungsinhalt. Jochen Mühlenbrinks Malerei beinhaltet all diese Aspekte. Seine Bildsujets sind geprägt von Elementen des künstlerischen Alltags, in dem er beispielsweise Verpackungsmaterialien, Keilrahmen oder handelsübliches Klebeband fotorealistisch bis ins noch so kleinste Detail abbildet.

Eingschüchterte Wesen, eingebettet in zerbrechliche Seelenräume einer surrealen Welt. So könnte man die künstlerische Handschrift Tesfaye Urgessas in nur wenigen Worten umschreiben. Kunsthistorische Bezüge zu Francis Bacon, Egon Schiele oder Lucien Freud lassen sich vermuten, führen aber nicht zum Kern seines künstlerischen Schaffens. Denn aufgrund intensiver biografischer Bezüge, stehen Urgessas Werke auf einem sehr viel komplexeren und vielschichtigeren Fundament.

In Äthiopien aufgewachsen, führt in sein Studium der Malerei nach Stuttgrt. Fern von der Heimat wird der Künstler in Momente voller Ausgrenzung, Fremdheit und Ungleichbehandlung mit einem Gefühl der Ohnmacht konfrontiert. All diese persönlichen Gefühle und Ereignisse verarbeitet der Künstler in seinen großformatigen Werken in Öl auf Leinwand, die ohne Vorzeichnungen ganz intuitiv entstehen. Nicht immer muss es sich dabei um traumatische Erlebnisse handeln. Manchmal reicht schon eine beiläufige Bemerkung, eine kurzweilige Erinnerung, die den entscheidenden Impuls für eine neue Arbeit geben. Zu seinem künstlerischen Schaffen sagt Urgessa selbst: "Ich versuche so zu malen, wie ich zu einem Freund spreche, mit dem ich alles teilen kann. Als Maler lasse ich mich, wenn ich ins Atelier gehe, jeden Tag aufs Neue von dem überraschen, was während des Schaffensprozesses passiert. Es macht mir nichts aus, keine geordneten Gedanken oder Ideen zu haben, während ich arbeite - auch wenn ich sie bereitwillig annehme, wenn sie sich ergeben. Für mich basiert der ganze Prozess des Malens darauf, aus eigener Erfahrung zu wissen, dass es nichts gibt, was ich male, das nicht in irgendeiner Weise mit mir selbst und meinem Umfeld zu tun hat."

Die Protagonisten seiner Gemälde sind im wahrsten Sinne des Wortes "nackt". Nicht nur die tatsächliche, augenscheinliche Nacktheit lässt die mageren, blassen Figuren, die sich nur aus wenigen, groben Pinselstrichen bilden, verletzlich und ängstlich erscheinen. Auch die seelische Labilität der dargestellten Wesen betont der Künstler durch die Konstruktion von sensiblen Seelenräumen in surrealen Welten. Mittels farbiger Flächen, schriller Muster und starker Perspektivwechsel erschafft er die idealen Schauplätze seiner kantigen Figuren. Dem Betrachter kommt eine besondere Rolle zu. Ihm wird als Voyeur, dessen neugieriger Blick von oben in die sensiblen Seelenräume eindringt, das Innerste dieser verletzlichen Wesen offenbart. So wird der Betrachter als Akteur in den Rezeptionsprozess eines jeden Werkes mit eingebunden.

Neben dem starken narrativen Gehalt seiner Bilder ist es die Balance zwischen schwerer und leichter Formgebung, heller und dunkler Farbigkeit, konkreten Bildbestandteilen und abstrakten Form- und Farbelementen, welche eine unverwechselbare Komposition und einen einzigartigen Stil des Künstlers ergeben.

In diesem Jahr eröffnen wir die Ausstellungsreihe der "Watchlist" mit einem Schüler Stephan Balkenhols von der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. Daniele Dell'Evas Werke waren bereits mit in der Klassenausstellung "veni, vidi" in unserer Galerie zu sehen. Nun hat er die Möglichkeit in einer Einzelausstellung seine aktuellen Arbeiten in der Evelyn Drewes Galerie zu präsentieren.

Nun schon zum dritten Mal präsentiert die Evelyn Drewes Galerie unter dem programmatischen Titel „Nachts allein im Atelier“ eine Best-of Gruppenausstellung zum Jahresende. Hierfür treffen sich 11 Künstler der Galerie um gemeinsam den Abschluss eines erfolgreichen Kunstjahres zu feiern aber auch den Auftakt für neue, vielversprechende Projekte im kommenden Jahr zu markieren.

Künstler: Hirofumi Fujiwara, Johannes Kersting, Lev Khesin, Tobias Köbsch, Marc Podawczyk, Jens-Ole Remmers, Achim Riethmann, Robert Sturmhoevel, Ekkehard Tischendorf, Robert Vellekoop, Nadine Wölk

Karin Kneffel - eine der bedeutsamsten und erfolgreichsten deutschen Künstlerinnen unserer Zeit - kuratiert exklusiv für die Evelyn Drewes Galerie eine Gruppenausstellung mit einer Auswahl ihrer Meisterschüler aus 16 Jahren Lehre. Die renommierte Malerin, selbst Meisterschülerin bei Gerhard Richter, ist bereits seit 2000 als Professorin an deutschen Kunstakademien tätig. Nach langjähriger Lehrtätigkeit an der Hochschule für Künste Bremen, wurde sie 2008 an die Akademie der bildenden Künste München berufen, wo sie bis heute ihrem Lehrauftrag als Malerei Professorin nachgeht. Nun bringt sie 10 Künstlerinnen und Künstler aus unterschiedlichen Lehrjahren beider Akademien nach Hamburg, die das breite Spektrum künstlerischer Gattungen repräsentieren und somit als eine Art Retrospektive von Kneffels Lehrjahren betrachtet werden können.

Von der klassischen Malerei des Stilllebens, Architektur- und Landschaftsmotiven über diverse Druckverfahren, Collagen, Pappreliefs bis hin zu aufwändigen Installationen und Fotografie bieten die 10 Meisterschüler ein breites Oeuvre an künstlerischen Darstellungsformen und Stilen. Was die diversen künstlerischen Ansätze eint, ist der zentrale Ausgangspunkt zur Malerei. Die Ernennung zum "Meisterschüler" steht an Kunstakademien in langer Tradition und gilt als persönliche Auszeichnung, welche ausgewählten Studierenden durch ihren Professor verliehen wird. Der Titel zeugt vom traditionell innigen Schüler-Lehrer Verhältnis und einem hohen handwerklichen Geschick.

Künstler: Daniel Behrendt, Verena Hägler, Christian Holtmann, Patricia Lambertus, Christian Probst, Felix Rehfeld, Marina Schulze, Melanie Siegel, Martin Spengler, Sibylle Springer

"Film ab!" heißt es ab September in der Evelyn Drewes Galerie Hamburg, wenn der deutsche Maler Michael Peltzer den Betrachter in seine expressiven Bildwelten entführt. Film trifft Malerei und das bereits zum wiederholten Mal. In Anlehnung an die erfolgreiche Ausstellung "Kintop" aus dem Jahr 2014, geht Michael Peltzer mit der Ausstellung "still film" in die zweite Runde seiner Werkserie der Filmstills. Waren es in der letzten Ausstellung ausschließlich Bildmotive des Spielfilms, widmet sich Peltzer in "still film" nun auch dem beliebten Format der Comic-Serien. So sind es Kindheitshelden und Bösewichte wie Pepé le Pew, Gossamer oder der Coyote, welche die bunte Welt des Spielfilms bereichern. Die Leidenschaft zum Film und zu längst vergangenen Jahrzehnten der 50er bis 80er lässt Michael Peltzer in seine Leinwände mit einfließen. Heldenhafte Protagonisten und schaurige Banditen findet man in der diesjährigen Ausstellung in Hamburg.

Statt sich an populären Schlüsselszenen zu bedienen, stereotype Bilder einzelner Filme oder Genres aufzugreifen, sucht der Künstler seine Motive in der eigenen Erinnerung. Ganze Szenen, einzelne Fragmente und Bilder seiner Lieblingsfilme werden so zum Zentrum der Serie der Filmstills. Zwar handelt es sich bei den meisten Motiven um Vorlagen aus bekannten Filmklassikern der Filmgeschichte, dennoch ist die Popularität und Bekanntheit des einzelnen Films weniger entscheidend, um von Peltzer auf die Leinwand transformiert zu werden. Das entscheidende sind vielmehr die persönlichen Bedeutungsinhalte und Erinnerungen mit denen ein Bildmotiv aufgeladen ist. Nicht nur in der Motivauswahl sondern auch in der Darstellungsform wird die persönliche Verbindung zwischen Künstler und Bildinhalt deutlich. Statt die so geliebten Szenerien fotorealistisch zu reproduzieren, bildet Peltzer die Motive in seinem ganz persönlichen Duktus ab, der die Bilder von ihrer Vorlage häufig bis ins Unerkenntliche modifiziert. Sein Stil ist dabei von lauten, kräftigen Farben, starken Kontrasten und einem unverwechselbaren Farbauftrag geprägt. Die verschwommenen, verschmolzenen und verlaufenen Farben scheinen in ihrer Form fast zufällig aus dem Abstrakten uns Figurative zu wandern. Jedoch unterliegt das scheinbar so Spontane der intensiven Steuerung durch den Künstler, der seine Bildwelten zwischen Farbe, Form und Komposition auf einem schmalen Drahtseil in Balance hält, welche durch den kleinsten Fehler aus dem Gleichgewicht geraten kann.

Zum zweiten Mal in diesem Jahr präsentieren wir in der Ausstellungsreihe "Watchlist" einen jungen, aufstrebenden Künstler. In der "Watchlist II/2016" zeigen wir eine Meisterschülerin von Prof. Gustav Kluge und Marcel van Eeden: Li-Wen Kuo.

Mit Malewitschs Schwarzem Quadrat hat "die Malerei" den Nullpunkt der Reduktion erreicht. Von ihm aus ist nur eine Bewegung ins Positive möglich. Dem Maler stellt sich seitdem die Frage, was er noch oder wieder schaffen kann. Neben der Wahrnehmung der reinen Form geht es Li-Wen Kuo um die Annäherung an einen Kern, der sich nicht anders als "geistig" bezeichnen lässt. Intuition und bewusste Lenkung arbeiten dabei als gleichwertige Werkzeuge. Kein Element entsteht bei diesem Vorgehen ohne Zusammenhang zum anderen Element. Kuos Haltung dabei ist, sich dem Werden des Bildes anzuvertrauen, es sehen zu lernen und schließlich methodisch weiterzuführen. Die innere Logik der Komposition überträgt dabei reine Formen in Atmosphärenträger. Darin liegt eine Parallele zur wortlosen, keineswegs aber stummen Musik.

Das dritte Jahr in Folge präsentiert die Evelyn Drewes Galerie über die Sommermonate Werke junger Künstler, aus einer ausgewählten Bildhauerklasse einer deutschen Kunstakademie. Nach erfolgreichen Ausstellungen mit den Studenten der Klasse Ayse Erkmens (Kunstakademie Münster) und der  Klasse Ottmar Hörls (Akademie der Bildenden Künste Nürnberg) schließen sich nun die Studenten des renommierten Künstlers und Akademieprofessors Stephan Balkenhol an. Die jungen Künstlerinnen und Künstler der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe werden diese Sommerausstellung mit ihrem Professor Stephan Balkenhol eigenständig kuratieren. Von der Planung bis zur Umsetzung kann sich die Bildhauerklasse mit ihren künstlerischen Positionen ganz frei und unabhängig vom üblichen Akademie-Kontext verwirklichen.

Im Zentrum der Gruppenausstellung "no country for old men" steht die Auseinandersetzung junger Künstler mit dem klassischen Medium der Malerei. Jonas Grubelnik, Diego Sindbert und Robert Vellekoop erweitern mit unterschiedlichen Ansätzen das klassische Definitionsspektrum dieser Darstellungsform. Elementare Grundpfeiler wie Farbe, Form und Materialität werden neu gedacht und mit modernen Mitteln umgesetzt. Dabei sind ihre Ansätze weder als radikale Infragestellung   klassischer Malerei noch als Revolte gegen die traditionelle Leinwand zu verstehen. Vielmehr bezwecken die drei Künstler eine Weiterentwicklung und Veränderung des Mediums. Das traditionelle Tafelbild gilt längst nicht mehr als Status Quo der klassischen Malerei. Die Überwindung des zweidimensionalen Bildes ist in der Auseinandersetzung mit zeitgenössischer Kunst nicht mehr als revolutionärer Befreiungsschlag zu verstehen. Vielmehr hat sich das Aufbrechen bekannter Ausdrucksformen zu einer Selbstverständlichkeit in der Beschäftigung mit moderner Malerei entwickelt. Die neu errungene Freiheit der Selbstverständlichkeit nutzen die Drei mit verschiedenen Techniken, diversen Materialien, individuellen Herangehensweisen und Ansprüchen. Eine klare Trennlinie zwischen Malerei, Objekt und Installation ist weder erkenntlich noch impliziert. Mittels der direkten Gegenüberstellung und Zusammenführung der künstlerischen Positionen, wird das breite Spektrum der zeitgenössischen Malerei ersichtlich und neuartige Konzepte erfahrbar.

Blechspielzeug, Puppen, Kreisel, Kuscheltiere - das sind Robert Sturmhoevels bevorzugten Bildmotive und zugleich thematischer Schwerpunkt seiner Arbeit. Spielzeug als Attribut für vergangene Zeiten, Erinnerungen an die Kindheit, Erwartungen an die einst dagewesene Zukunft, Projektionen auf das jetzige Selbst, die eingetroffene Realität, sowie enttäuschte oder erreichte Wünsche. Imaginierte Rückblicke an die Kindheit werden in Sturmhoevels Werk hervorgeholt und mit idealisierten Illusionen angereichert.Eine blitzblank aufpolierte Auswahl an Spielsachen, platziert auf monochromen, pastelartigen oder dunklen Bildgrund, zeigen liebevoll das Facettenreichtum längst vergangener Zeiten. Robert Sturmhoevel greift die materielle Kultur der Spielsachen aus und stellt das Objekt in den Mittelpunkt der Betrachtung.

Losgelöst von den Grenzen der Leinwand schwebt das Erinnerungsfragment frei im abstrakten Raum. Ausschließlich ein farbiger Schlagschatten, der durch einen markanten Pinselstrich geführt ist, ebnet das Objekt in einen gewissen Umraum. Die glänzende Oberfläche der Malerei verbindet sich mit einer rostigen Kruste oder schmierigem Dreck, der sich auf den Objekten niedergelassen hat. Die idealisierten Werte des materiellen Objekts "Spielzeug" werden aufgelöst und in eine zeitliche Dimension der Benutzung sowie des Stillstandes manövriert.Für den Künstler selbst steht die Möglichkeit einer narrativen Bildsprache im Fokus seines Schaffens.

In fragmentarischen Arbeitsprozessen entwirft er diese großen Szenarien und kleineren Bildserien, die in Ebenen geschichtet sind und denen eine hohe atmosphärische Dichte inne wohnt. Provoziert wird eine beklemmende Stimmung zwischen Vertraut- und Fremdheit. Durch eine vorrangig freundlich, kitschige und simple Darstellungsweise, die im starken Kontrast zum offenen unheilschwangeren Erzählstrang steht, wird der Aspekt einer zweideutigen Bildsprache verstärkt. Die traditionell-figurative Malerei dient ihm dabei als formaler Einstieg in ambivalente Bildwelten.

Der Himmel mag ja anderswo blauer sein - sicher aber nicht monochromer. Durch die Refuktion zur Fläche verlieren er und andere Realobjekte augenblicklich ihre Gegenständlichkeit, Größe und wechselseitigen Bezüge. Nach außen ohne Kontext, nach innen mehr Komposition als Körper büßen die Gegenstände auch ihre Inhaltlichkeit ein und bleiben zunächst als Farbfläche zurück. Hat man Gelegenheit Johannes Kersting bei seinen Aufnahmen beizuwohnen, so muss man sich stets rückversichern, ob die abgebildete Szene auch wirklich am aktuellen Standort zu finden ist. Die Wirklichkeit der Aufnahme und die Wirklichkeit in der Aufnahme - das ist die Gratwanderung zwischen Dokumentation und Konstruktion, die sich in Kerstings Bildern ereignet. Kersting fühlt sich dabei keiner Seite verpflichtet, sondern erkundet vielmehr Mittel und Methoden, die für beide Bereiche den Ausschlag geben können. Tatsächlich dokumentieren manche Bilder auch die Freude an der kontrollierten Ambivalenz, etwa wenn wieder einmal alle Referenzen und Maßstäbe ausgeknipst werden konnten, aber die sachliche Gliederung eine leichte Lesbarkeit suggeriert, oder andersherum, wenn ein kleiner Vogel das sublime geometrische Ensemble aufbricht und es durch seine bloße Anwesenheit mit Größenverhältnissen, Räumlichkeit und Faktizität versorgt. Neben einem solchen Augenzwinkern findet sich aber auch die ehrliche und ruhige Faszination vor der schieren Auflösbarkeit der Realität in reine Komposition und Ordnung. Hier erübrigt sich dann auch die Frage nach dem Abgebildeten.

Licht - Farbe Materialität: das sind die treibenden Kräfte in Lev Khesins künstlerischem Schaffen. Das Licht durchdringt transparentes Material: Farbige Schichten scheinen hindurch, flimmern und leuchten. Sie vermischen sich und changieren in ihren vielfältigen Schattierungen je nach Standpunkt des Betrachters.

Ein einziger Lichtstrahl kann eine tiefer liegende Farbe zum Glühen bringen, sie geheimnisvoll schimmern lassen oder diffus zerstreuen. Die Grenzen zwischen den einzelnen Farbfeldern sind nie deutlich wahrzunehmen, denn es sind keine Flächen, sondern Tiefen, aus denen ein Farbton heraufsteigt. Erst an den zerfransten Ränder, an wird die Intensität des Schaffensprozesses ablesbar und gibt Aufschluss über die Vielschichtigkeit von Farbe und Materialität.

Lev Khesin arbeitet ausschließlich mit dem Material Silikon, das dem Bild durch seine hohe Lichtdurchlässigkeit, die Variabilität der Schichtdicke und dem eigentümlichen Glanz, eine besondere Aura verleiht. Die Eigenschaften des Silikons beeinflusst und verändert Khesin durch verschiedene Zusatzmittel und die Zusammen- oder Wechselwirkung von verschiedenen Formaten, Untergründen, Pigmenten, Trägern, Werkzeugen und Methoden.

Ein spannendes Kunstjahr 2015 neigt sich dem Ende zu. Nach acht erfolgreichen Ausstellungen und vielen spannenden Projekten lässt es die Evelyn Drewes Galerie zum Jahresende noch einmal richtig krachen. In Nachtschichten haben die insgesamt 14 Künstler der Galerie noch einmal Alles in ihren Ateliers gegeben um in dieser Gruppenausstellung ihre aktuellen Werke zu präsentieren. Der Titel der Ausstellung "Nachts allein im Atelier" knüpft an die gleichnamige Ausstellung von 2011 an, bei der die Galerie schon damals eine Art "Best-of" ihres Künstler-Portfolios präsentierte. Auch in diesem Jahr wird mit der abschließenden Ausstellung die Bandbreite der verschiedenen künstlerischen Positionen von Malerei, Zeichnungen, Editionen und Objekten verdeutlicht. Zum Abend der Vernissage werden erstmals alle Künstler gemeinsam in der Galerie anzutreffen sein.

So unterschiedlich Tobias Köbschs malerische und plastische Arbeiten auch erscheinen, thematisieren sie doch immer wieder dieselben Beobachtungen und Mechanismen: die Verschränkung von Medialität und Realität im gegenwärtigen Leben und daraus resultierend die Frage nach den Kernbestandteilen heutiger Identität und Weltgewissheit. Mit seiner fotografischen bzw. filmischen Bildästhetik spielt er, wie andere Künstlergenerationen vor ihm, mit dem Prinzip Illusionismus, dem trügerischen Wirklichkeitsanschein. Doch zielt die technische Brillanz seiner gemalten oder plastizierten Tableaus nie auf täuschende Verführung in imaginäre Welten, sondern auf eine kritische Momentaufnahme des aktuellen Verhältnisses von Bild- und Weltbewusstsein.

Anders als die medienreflexive Malerei in den 1970er und 1980er Jahren interessiert Köbsch nicht der gemeinsam Abbildungscharakter von Fotografie, Film und Leinwandmalerei. Vielmehr versucht er die ästhetischen Codierungsformen, insbesondere die emotionalisierende Qualität aktueller Zeichenproduktion darzustellen. Auf den ersten Blick wirken seine Werke wie die eines Großmeisters der Katastrophe. Der Schauwert der dargestellten natürlich bedingten oder künstlich erzeugten Spektakel dient ihm jedoch dazu, den mythologischen Kern der aktuellen humanen Existenz sichtbar werden zu lassen. Angst und Schrecken sind zentrale Grunderfahrungen des menschlichen Daseins. Sie ordnen das persönliche und soziale Leben und werden folglich in einer total vernetzten Kommunikationsgesellschaft auch als aufmerksamkeitsbindende und sinnsetzende Instanzen genutzt. Die Frage, ob es sich bei den alltäglichen gesendeten Kriseninformationen um Wirklichkeit oder um Täuschungen, also um ntv oder um Hollywood handelt, spielt keine Rolle mehr, weil das Leben selbst einer medialen Choreografie zu gehorchen scheint. Deren ästhetische Programmstrukturwird in den Werken von Tobias Köbsch dekonstruiert.

Wenn er mit bedrohlichen Rissen und Schnitten in seinen Bildwelten arbeitet, so sind diese neben ihrem szenischen Charakter auch als analytische Werkzeuge zu verstehen, um das unter der gesellschaftlichen Oberfläche liegende Konflikt- und Gewaltpotential offenzulegen. In vergleichbarer Weise nutzt er Graffiti pieces doppeldeutig - sie zitieren einerseits die gegenwärtige von ästhetischer und symbolischer Aggressivität bestimmte Großstadtkultur, dienen andererseits aber auch als konzeptuelle Schriftelemente, mit denen innerhalb der dargestellten Bildorte etablierte soziale Bedeutungen in Frage gestellt werde. So gleichen seine unterschiedlichen Gemäldeserien und Skulpturengruppen der letzten Jahre einen verstörenden Panoptikum, das schlaglichtartige Einblicke in die kollektivpsychologische Grundverfassung der Gegenwartsgesellschaft ermöglicht.

Sofort erfasst man eine gegenständliche Situation, einen ruhenden Körper vor einem Hintergrund, einen Horizont wie bei einer Landschaft, einen fensterartigen Durchblick. Und doch lässt sich die Darstellung nicht begreifen, sie löst sich in Pinselspuren und Wischern von Farbe auf. Alles wirkt transparent und ohne feste Oberfläche, mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten gemalt - glatt und langgezogen, kurz und geballt, weich ansetzend oder auch als herabfließende Tropfenspuren. Damit lösen sich die angedeuteten Körper und räumlichen Situationen vollkommen auf. Unwillkürlich ergänzt man die skizzierten Angaben zu naturhaften Vorstellungen, zu Landschaften, irrealen Traumgebilden und ungezügelten Projektionen, die sich jedoch gleich wieder in die reale, aufgestrichene Farbe verwandeln. Diese entwickelt selbst einen sicheren Rhythmus und eine expressive Dynamik, die sich aber ebenfalls auflösen und zerfasern. Verena Gründels Bilder entziehen dem Betrachter das, was sie ihm zeigen, sowohl den Gegenstand wie auch den malerischen Farbauftrag. Sie verflüssigen nicht nur die malerischen Formen, sondern auch ihre Wahrnehmung. Diese Bilder behaupten nichts, sie legen weder ein Motiv fest noch eine Struktur. Ihre Aussage entsteht aus der gleichwertigen Balance von unvereinbaren Sehweisen, die sich zu keinem Vorstellungsbild verfestigen lassen: eine präzise Flüchtigkeit und eine sich ständig erneuernde spielerische und unfixierbare Offenheit. (Text: Erich Franz)

In Sandra Langes Bildern gibt es viel zu entdecken. Farbintensiv, kontrastreich und komplex entführen sie uns in Raumwelten, die den Betrachter zum verweilen einladen und eine Vielzahl von Assoziationen ermöglichen, ohne Geschichten eines spezifischen Ortes zu erzählen. Vielleicht sind es menschenleere Landschaften mit architektonischen Überbleibseln, zugewucherte Innenräume, vibrierende Straßenszenen oder gar galaktische Explosionen? Die einzelnen Elemente sind als Anregungen zu verstehen, das Bild mit eigenen Sehgewohnheiten zu ergänzen. Verschiedene Eindrücke und konträre Ansichten werden überlagert, Ordnung und Chaos verbinden sich.

Die Erfahrbarkeit des Bildes als Ganzes hat für die Künstlerin eine große Bedeutung. Ebenso mit den visuellen Illusionen wie mit den Materialeigenschaften selbt. Ihre Bildwelten entstehen in einem aufwändigen und vielschichtigen Schaffensprozess, ohne vorherige Skizzen, durch Verfremdung, Auflösen, Zersetzen und anschließendem Verbinden. Ähnlich wie beim abstrakten Expressionismus steht das Sinnliche des Malprozesses im Vordergrund. Die einzelnen Farbschichten stehen in einem engen Dialog, reagieren aufeinander und konstruieren so eine ganz eigene Raumwirkung. In einander verzahnt werden die einzelnen Arbeitsschritte kaum noch ablesbar. Organische Strukturen, die sich aus dem Schütten, Laufen und Schmieren der Farbe ergeben, stehen im Gegegnsatz zu strengen, geometrischen Formen und Linien. Durch sie scheint der wilde Farbauftrag eine Begrenzung zu finden. Das Organische wird technisch strukturiert, das Geometrische malerisch überformt.

Sandra Langes Bilder unterscheiden sich in Nah- und Fernwirkung fundamental. Während uns due gewaltige Farbkraft und die perspektivischen Elemente zurücktreten lassen, um das Gesamte zu erfassen, locken uns die malerischen Spuren ganz nah heran. Delikate Oberflächenbeschaffenheit von glatt-glänzend bis stumpf-spröde, sahnig-pastos bis aquarelluerend-verlaufen geben den Bildern einen besonderen Reiz. Die weitgehende Abwesenheit von Pinselstrichen verschleiert dabei die Spur der malenden Hand ebendso wie dir Größendimensionen der Bildwelten.

Inspirieren lässt sich Hirofumi Fujiwara von der Vielfalt der Menschen, die ihm in seinem alltäglichen Leben begegnen und ihm in seinen Werken als Motiv dienen. Beim Beobachten dieser facettenreichen Persönlichkeiten geht es ihm weniger um das konkrete Einprägen und die akkurate Reproduktion optischer Merkmale. Der Künstler ist vielmehr auf der Suche nach unterschiedlichen Typen, Charakteren und Persönlichkeitsmerkmalen, die jeden Menschen individuell auszeichnen und welche wiederum aus verschiedenen Perspektiven vielfältig rezipiert und wahrgenommen werden. Jede der naturalistischen Skulpturen aus Ton und Kunststoff stellt eine individuelle Persönlichkeit dar, unterscheidet sich in kleinen Details von den Anderen und ist demnach in zweifacher Hinsicht ein Unikat.

Konzeptueller Leitfaden und ein besonderes Anliegen des Künstlers stellt die Möglichkeit einer Vielzahl von Interpretationsansätzen dar. Genau wie beim Menschen selbst sollen auch die Figuren in einem gewissen Maß unergründlich bleiben. Das Vielschichtige und Geheimnisvolle einer jeden Persönlichkeit ist es, was Hirofumi Fujiwara beim Arbeiten mit der Figur Mensch fasziniert. Jeder Betrachter wird in den Skulpturen eine andere Gestalt erkennen, Geschichten konstruieren und Deutungen vornehmen. Dabei thematisiert der Künstler das Mit- und Gegeneinander von inneren und äußeren Qualitäten des Menschen. Auch wenn das Innere einer starren, leblosen Figur unergründlich scheint, ist es umso spannender das Äußere der Skulptur zu einer Geschichte zu entwickeln und das vollkommen unabhängig und losgelöst von den Gedanken des Künstlers.

Auch diesen Sommer unterzieht sich die Evelyn Drewes Galerie einem innovativen Experiment und mischt mit diesem jungen, frischen Projekt die Hamburger Kunstwelt auf. Die Galerie, die bereits seit acht Jahren für die intensive Begleitung und Unterstützung junger Absolventen deutscher Kunstakademien steht, bietet im zweiten Sommer in Folge der Klasse einer rennomierten Kunstakademie eine Plattform zur Präsentation ihrer Kunst. In einem Zeitraum von zwei Monaten werden die gesamten Galerie-Räumlichkeiten den jungen Künstlern und ihren kreativen Ideen überlassen.

Bewusst wählt die Galerie als Kontrast zu ihrem gewohnten Programm zeitgenössischer Malerei Positionen junger Bildhauerklassen. Im letzten Jahr bespielten die Studenten der Bildhauerklasse Ayse Erkmens von der Kunstakademie Münster die Galerie-Fläche mit großem Erfolg.

In diesem Jahr nehmen nun Ottmar Hörl und seine 25 Studierenden der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg die rund 300 qm der Galerie mit ihrer "Klassenfahrt" ein. Für die meisten unter Ihnen handelt es sich bei diesem Projekt um ein Ausstellungs-Debüt, unabhängig und außerhalb des bekannten Terrains der Kunstakademie. Beim Kuratieren der Ausstellung werden den Studenten große Gestaltungsspielräume gelassen, welche sie eigenverantwortlich mit ihrem kreativen Knowhow befüllen können. Im Voraus wird das Ausstellungskonzept im Klassenverbund erarbeitet und die Planung in Zusammenarbeit mit ihrem Professor Ottmar Hörl und der Evelyn Drewes Galerie organisiert.

Künstler: Gabriel Bethlen, Jutta Bock von Wülfingen, Sandra Böhme, Steve Braun, Federico Braunschweig, Philip Eyrich, Sarah Frawley, Josepha Hartmann, Ottmar Hörl, Angelika Huber, Barbara Huber, Ji Young Kim, Joachim Kircher, Katharina Kiupel, Christopher Mau, Joanna Maxellon, Jennifer Romina Sarah Mayer, Dagmara Nast, Antonio Nastelli, Waldemar Scheck, Kristin Schierz, Josefa Schundau, Heidrun Seiboth, Diego Kai Sindbert, Vincent Walter, Rainer Jeremy Wegscheider, Elisabeth Thallauer

Zur "Triennale der Photographie Hamburg" eingalden, zeigt die Evelyn Drewes Galerie Werke des Künstlers Boris Becker, ein Hochkaräter der deutschen Fotografie-Szene. Die Ausstellung findet in Kooperation mit der Galerie Heinz Holtmann aus Köln statt.

der Fotograf Boris Becker bezeichnet sich selbst als Bildfinder. Der 1961 in Köln geborene Meisterschüler der Becher-Klasse zählt heute zu den einflussreichsten Fotokünstlern. Weniger die Symbolkraft des Motives als vielmehr die optische Wirkungskraft der Gebäude und Landschaften stehen im Fokus seines Schaffens. Becker fotografiert das Gegebene, weg von jeglicher Inszenierung, allerdings ohne dokumentarisch zu agieren. Die Bilder entwickeln sich aus neutralen Lichtverhältnissen, speziellen Perspektiven und dem Prinzip der Reihung. Mittels dieser Reihung einzelner Bilder in Serien mit annähernd identischen Lichtverhältnissen, gleicher Perspektivwahl und der Einhaltung eines immer wiederkehrenden Abstandes zwischen Kamera und Motiv erfolgt eine Art Katalogisierung, oder doch eine Variation architektonischer Sujets wie Bunker und Brücken. Doch was sollen uns diese Serien in ihrer Neutralität erzählen? Diese Serien sind viel mehr als nur die Summer ihrer Teile. Jedes Bild für sich erzählt noch keine Geschichte, gemeinsam entfalten sie allerdings eine immense Wirkungskraft.

Die Ausstellung zeigt Auszüge seiner Arbeiten von 1978 - 2014 aus den Werkserien Hochbunker und Konstruktionen. Insbesondere die zahlreichen Hochbunker der Stadt Hamburg sowie Brückenbauten, Häuserfronten und symbolträchtige Bauten Berlins stehen im Fokus der Soloausstellung.

Boris Becker wurde 1961 in Köln geboren und absolvierte sein Fotografie-Studium an der Kunstakademie Düsseldorf als Meisterschüler in der Klasse Bern Bechers. Becker erhielt 2004 eine Gastprofessur an der Hochschule für Künste Bremen sowie im Jahr 2010 an der Kunsthochschule für Medien Köln. Heute lebt und arbeitet der Künstler in seiner Heimatstadt Köln

Im Rahmen der Gemeinschaftsausstellung von Achim Riethmann und Ekkehard Tischendorf werden aufwändige Papierarbeiten beider Künstler in der Evelyn Drewes Galerie in Hamburg gezeigt.

Der 1979 in London geborene und Meisterschüler von Leiko Ikemura Achim Riethmann präsentiert seine aktuellste, bisher noch nie ausgestellte Werkserie der "Werfer". Dabei handelt es sich um kleinformatige Aquarelle auf Papier. Ekkehard Tischendorf, der bereits vor einiger Zeit im Rahmen einer Soloausstellung die Räume der Evelyn Drewes Galerie bespielte, zeigt nun Papierarbeiten aus unterschiedlichen Techniken wie Malerei, Druck und Monotypien aus den Jahren 2008 - 2014.

Elvis, Marilyn, Amy - die Vornamen genügen, schon werden vertraute Bilder aus dem kollektiven Gedächtnis abgerufen. Marilyn, die Blondine mit flatterndem Rock, Amy, die abgestürzte Soulqueen. Aber lassen die medialen Bilder, die Mythen konstruieren, tatsächlich auf das Wesen eines Menschen schließen? Die malerische Antwort von Janina Roider ist eindeutig: Nein. Die junge Münchner Malerin beschäftigt sich ausschließlich mit der klassischsten Gattung der Bildenden Kunst: dem Portrait. Ihre Motive sind schillernde Berühmtheiten aus Film und Fernsehen, prominente Musiker sowie bekannte Politiker.

Janina Roider versucht keineswegs naturalistische Abbilder ihrer Vorlagen zu schaffen. Im Gegenteil: Die Künstlerin abstrahiert die dargestellten Charaktere, inszeniert sie ikonografisch in einer intensiven Mischung aus Abstraktion und Konkretheit. Eine wilde, fast willkürlich scheinende Pinselführung, der explosive, lauta Farbauftrag sowie die Auswahl intensiver, leuchtender Farben verfremden Gesichtsausdruck und Mimik der abgebildeten Persönlichkeiten. Gleichzeitig schafft Janina Roider konkrete Momente in ihren Bildern. Kleine Details mit starker Symbolkraft, wie die blonde Lockenmähne Marilyns geben Aufschluss über die Identität der portraitierten Gestalt. Mit dieser ganz eigenen Form des Portraitierens gelingt es Janina Roider die Beschränktheit des klassisch naturalistischen Portraits zu überwinden und die Komplexität und Vielschichtigkeit des Seins aufzuzeigen.

Die Evelyn Drewes | Galerie zeigt zum ersten Mal Arbeiten der jungen Künstlerin, die gerade erst ihr Studium an der Akademie der Bildenden Künste in München als Meisterschülerin von Prof. Günther Förg absolvierte.

Ekkehard Tischendorf schafft Bildwelten in einem Spannungsfeld zwischen Traum und Fiktion, gespenstischen Momenten und romantischen Motiven. Für den Künstler geht es dabei nicht um den Anspruch einer realistischen Abbildung der Alltagswirklichkeit. Statt die Realität abzubilden, schafft er eine ganz neue, seiner Imagination entsprungene Welt, mit eigenen Gesetzmäßigkeiten, wenn auch in Anlehnung an die Lebenswelt des Betrachters. Die Bilder zeigen unbekannte, fast unberührte Landschaften und Szenerien in einer Kombination aus skurrilen und geheimnisvollen Objekten und Figuren. Er abstrahiert diese weltlichen Motive farblich wie auch in ihrer bekannten Formgebung und setzt Figuren und Landschaften in unbekannte, verfremdete Kontexte.

Viele kleine, schnelle optische Botschaften stapeln und drängeln sich aufeinander und zusammen ergeben sie ein großes buntes Bild. Obwohl diese bunten Kisten in jedem Supermarkt zu finden sind, werden sich nur Wenige mit ihrer Gestaltung bewusst auseinandersetzen. Für den Künstler sind sie eine wahre Goldgrube: Aus den dort gefundenen Nuggets prägt er seine eigene, poppige Währung.

Die bunte Welt der "BRANDS" erinnert an eine choreographische Bühnenshow, in der "Pink Lady", "Pambo" oder "Fabio Antonelli" zu finden sind, eine Zusammenstellung von Namen, die einer Playlist von Popsongs oder Hollywoodfilmen würdig wäre. Aus dem was eigentlich nur Mittel ist - Transportkiste mit Werbe Aufdruck-, wird im Kunstwerk Selbstzweck.
(Text: Jochen Meister)

Mit seiner neuen Werkserie von Filmstills in der Evelyn Drewes Galerie hält Michael Peltzer (37) isolierte Szenen aus Kinofilmen malerisch auf der Leinwand fest. Ihm geht es dabei nicht um eine genaue Wiedergabe der Vorlage. Insbesondere die Bildhintergründe sind typischerweise bis zur Unkenntlichkeit abstrahiert. Peltzer spielt, wie viele andere Künstler gerade seiner Generation, mit Motiven aus dieser ganz offenbar so faszinierenden Welt des Films. Es ist das Spiel mit Bild und Abbild.

Auf die Spitze getrieben wurde dieses Spiel des sich aneignens oder zitierens eines bekannten Motives - manche sagen plagierens schon 1983 von Richard Prince (65) mit seinem inzwischen über eine Million EUR teuren Photo "Untitled (Cowboy)". Prince fotografierte den Ausschnitt einer Marlboro-Anzeige mit einem aus dem Bild reitenden, lassoschwingenden Cowboy und stellte das Werk, in Gold gerahmt, in einem sonst leeren Laden auf der Lower East Side in New York aus. "Gestohlen, aber original, ikonisch, aber aufrichtig, illusionär, aber real", wie es Guggenheim-Chefkuratorin Nancy Spector formulierte.

Bei Peltzer hingegen schreitet Clint Eastwood als Dirty Harry (Bildtitel "Last Cowboy") dem Betrachter entgegen. Dies aber im auch sonst typischen Mal-Stil des Künstlers, mit einer expressiven Farbwahl, intensiven Kontrasten und einer willkürlich scheinenden Formgebung anhand verschmolzener, in einander verlaufener Farben. Können andere Motive (z. B. Darth Vader) eindeutig mit einem Film in Verbindung gebracht werden, so ist dies hier ohne Kenntnis der Vorlage unmöglich.

Beim Schütten seiner Farben lässt sich Michael Peltzer ebenso vom zufälligen Erscheinungsbild der Farbkontraste wie auch von seinen ästhetischen Vorstellungen zu Farbe und Form leiten. Denn so zufällig manch ein Farbverlauf auch scheinen mag, geht es dem Künstler immer um ein beabsichtigtes Gesamtkonzept der Farben, ein Zusammenspiel welches durch den kleinsten Fehler aus dem Gleichgewicht geraten kann.

Neben den Filmstills werden im Rahmen der Ausstellung ein Teil der Werkserie "Monster Invasion" sowie ausgewählte Collagen des Künstlers gezeigt."

Michael Peltzer lebt und arbeitet in Köln. Er war Meisterschüler bei Prof. Michael van Ofen an der Kunstakademie Münster.

Vor etwa einem Jahr ist ein entscheidender Wandel in Julian Khols künstlerischer Praxis eingetreten: Er hat für seine Bilder den malerischen Raum erobert. Zuvor definierte sich das Gemälde als eine Anhäufung von informellen Markierungen des Künstlers auf der Bildfläche – geschüttet, in dynamischen Pinselstrichen gezogen, stets um eine bestimmte figurative Form bemüht. Ein klares Figur-Grundverhältnis war dabei festzustellen: ein buntfarbiger Papagei, ein roter Adler mit weit ausladenden Schwingen auf einem planen monochromen Grund. Ein grafisch bestimmtes Image mit Label-Charakter. Expressionistische Leitlinien waren herbei stets zu erkennen – Entladungen des Strichs in der Tradition von de Kooning, Appel und Baselitz. Am Anfang kam die energetische Pranke, die das Ich des Künstlers in die Leinwand einbrannte, als laute Behauptung, als Territoriums-Markierung für die Malerei. Dieser laute Gestus hat sich innerhalb des letzten Jahres deutlich kalmiert. Davon zeugt bereits ein großformatiges lichtgesättigtes Landschaftsbild aus dem letzten Jahr. 

Den Bildvordergrund hat Khol mit herab rinnenden Farbzonen gestaltet, aus deren Spuren sich Pflanzen formen, illusionäre Elemente aufblitzen, ohne dass ein allzu starker Drang an einer direkten Mimesis der Natur im Vordergrund steht. Denn alles entsteht hier aus der Malerei, aus einem intuitiven Setzen des Pinsels auf der Leinwand. Nur lässt der Künstler in diesem Werk das Bild auch mitmalen, indem er der Farbe in manchen Bereichen freien Lauf lässt, aber bewusst gesteuert. Alles scheint nun stärker strukturiert, sensibler, dichter, tiefer. Der Maler geht immer von etwas Konkretem aus. Das unbewusste Drauflosmalen würde ihn in eine sumpfige indifferente Sackgasse führen.

Das ist auch bei Khols aktuellem Werkblock zu erkennen. Impulsgeber war hierfür ein Ahornbäumchen am Parkplatz vor seinem Atelier, das er an einem verregneten Tag fotografiert hatte. Eine verwaschene Ausgangssituation, die dem Künstler in seinem Vorgehen zuträglich erschien. Die Leinwand auf den Boden gelegt, ging er ans Werk, nass in nass – einschwimmendes Malen der Leinölfarbe. Im Trocknungsprozess bildeten sich runzelige Häute als Inseln auf dem malerischen Film. Die grafischen Strukturen des Bäumchens lösten sich in freie Malerei auf, so als hätte soeben das ölbetrunkene Bild ein Aspirin zur Blutverdünnung eingeworfen.

Fluss, Prozess, Abstraktion anstelle von statischer Motivik. Das Bild lässt sich nicht festzurren und einzementieren, es bleibt ein offener Organismus, der einen malerischen Raum öffnet. Dieser Raum verschluckt und speit zugleich das vorgegebene Image wieder aus – für die Malerei.

Text: Florian Steininger

Mit dem extrovertierten Markus Lüpertz, der für die Pflege des Kults um das eigene Genie ebenso bekannt ist wie für sein umfangreiches und vielschichtiges Werk und mit Arnulf Rainer, einem der wichtigsten und umstrittensten zeitgenössischen Künstler Österreichs, dem schon zu Lebzeiten ein eigenes Museum errichtet wurde, präsentiert die Galerie zwei Großmeister, deren jeweiliges Werk alleine Garant für immer wieder spannende und spektakuläre Einzelausstellungen ist. Doch diesen Titanen der Kunst stellt die Galerie auch noch den vergleichsweise jungen und weit weniger bekannten Künstler Mike MacKeldey selbstbewusst und auf Augenhöhe an die Seite, und spätestens jetzt stellt sich die (erwünschte) Frage: Funktioniert das? Sind nicht allein Rainer und Lüpertz schon jeweils zu groß und zu unterschiedlich für eine Show? Droht der junge MacKeldey nicht   zwischen ihnen unterzugehen? Nein, es funktioniert ganz hervorragend. Denn bei allen Unterschieden in   Persönlichkeit und Werk, so gibt es doch verblüffende inhaltliche Parallelen und Gemeinsamkeiten, die die Drei verbinden und dazu führen, dass sich ihre Arbeiten zu einer stimmigen Ausstellung ergänzen.

Markus Lüpertz etwa ist mit kleinformatigen Skulpturen vertreten. Die ohnehin schon abstrahierten, teilweise grotesk proportionierten und manchmal nur an Details identifizierbaren (etwa die Fortuna durch ihr Füllhorn) Plastiken, in denen sich Merkmale kubistischer, expressionistischer und afrikanischer Kunst finden lassen, verfremdet Lüpertz zusätzlich durch eine grobe, oft grelle Übermalung. Arnulf Rainer ging ganz ähnlich bei seinen "Face Farces" vor vor, nur dass es hier Fotografien, oftmals Selbstbildnisse sind, die der Künstler übermalte und   überzeichnet und sie so mit neuen Inhalten und Kontexten auflud. Hier reihen sich beinahe nahtlos die surreal bis grotesk anmutenden Bilder Mike MacKeldeys ein. Auch er beschäftigt sich, ähnlich wie Rainer, mit dem Gesicht, dem Porträt, das bei ihm aber zum oft albtraumhaften Zerrbild wird. Die pastos aufgetragene Farbe, verwischt, zerstört und übermalt bis sich beinahe abstrakt anmutende Gesichter formen. Oftmals ritzt oder kritzelt der Künstler intuitiv entsonnene Texte oder Zeichnungen in die noch feuchte Farbe, die sich auf ironische Weise mit dem Werk beschäftigen.

Weniger in einem Dialog als in einer Gegenüberstellung zeigt die Ausstellung wie die Verfremdung des eigentlichen Gegenstandes die Arbeiten der so unterschiedlichen Künstler verbindet. Zugleich stehen die drei Positionen exemplarisch für den künstlerischen Gewinn, der durch das Verschmelzen unterschiedlicher Medien und Ausdrucksformen (Lüpertz: Skulptur, Grafik,Malerei; Rainer: Fotografie, Zeichnung, Malerei ; MacKeldey: Malerei, Text), sowie durch das Durchbrechen gattungsspezifischen Denkens entstehen kann.  

mit: Melanie Bisping, Stephanie Gudra, Jiwon Han, Jonas Hohnke, Anselm Kotschi, Jaroslaw Kudla, Sun-Hwa Lee, Esther Mittermeier, Yoora Park, Nadia Pereira Benavente, David Rauer, Stephanie Regenbrecht, Kachina Schanz, Alexandra Searle, Denis Shankey-Smith, Ji Young Son, Jihun Song, Anne Staab, Dino Steinhof, Samuel Treindl, Birgit Wichern, Sophie Wilberg-Laursen

Nach dem Song- und Albumtitel von Prince, erschienen am 1. Oktober 1991 bei dem Label Warner Bros. Records / Paisley Park Records, ist die Gruppenausstellung mit "Diamonds and Pearls" benannt. Zu sehen sind einzelne Titel junger Künstlerinnen und Künstler, ein Album, eine Schmuckkiste. Die Bildhauerklasse von AyÅŸe Erkmen aus Münster ist zu Gast in den Ausstellungsräumen von Evelyn Drewes. Das erste Mal werden in der Galerie, die sich sonst auf Malereipositionen spezialisiert hat, skulpturale Arbeiten junger Künstlerinnen und Künstler zu sehen sein, die sich im zwei bis dreidimensionalen Raum bewegen oder stehen bleiben. Dabei arbeiten die Künstler_innen mit unterschiedlichsten Medien und bedienen sich verschiedensten Bildquellen aus allen Lebensbereichen. Skulptur wird mal Bildraum, mal Sound. Floorfillers sind Lieder, die Gäste zum Tanzen bringen sollen. Angeregt von dem spiegelglatten Boden der Galerie, eigenen Klischeebildern von Hamburg und einer ironischen Selbstwahrnehmung, die es auch erlaubt, die eigenen Arbeit als eine Perle auf der Kette vieler Perlen zu sehen, kam der Titel der Show zustande.

Schein und Blendung und die Hinterfragung des Werts der teuren Klunker stellen sich, es ist nicht alles Gold, was glänzt, doch alles was glänzt kann Gold sein. Illusion und zurückhaltendes Spektakel: Benennen wir es, dann wird es wertvoll!

(Die versteckte Kapitalismuskritik befindet sich auf der anderen Seite der Medaille. Glas ist scharfkantig, Mineralien können giftig sein. Verlinkung zur Malerei: Der Azurit ist gesundheitsschädlich, er wurde bis ins 17. Jahrhundert zur Herstellung von Azurblau verwendet.)

Globale, gesellschaftliche und/oder private Ausnahmesituationen bilden den thematischen Ausgangspunkt. Das können Naturkatastrophen, Unfälle aber auch kriegerische Auseinandersetzungen sein.

Achim Riethmann verwendet Pressebilder, Bilder aus dem Internet oder eigene Fotos, von denen er sich bestimmte Ausschnitte aneignet und diese als Vorlage für seine Malerei verwende. Dabei achtet er darauf, dass der Ausschnitt nicht nur eine konkrete Situation, sondern etwas allgemeines darstellt. Bei menschlichen Figuren z. B. geht es ihm in der Regel um die Rolle, die diese Figur in einer Krisensituation erfüllt. Die   verwendeten Fragmente schaffen im Kontrast   zu nicht dargestellten Bildelementen sowohl inhaltlich als auch formell ein Spannungsfeld für thematische sowie räumliche Interpretationen.

Ausnahmesituationen stellen in Ihrer Dramatik oft auch einen Wandel dar, von einem Zustand in einen anderen. Dieser Wechsel, dieser Moment des Entstehens aus etwas altem fasziniert Riethmann. In seinen Arbeiten spielt diese Spannung zwischen dem Auflösen, dem Verschwinden und dem Kreieren die zentrale Rolle, sowohl in der Wahl seiner Motive, als auch in der Art der Darstellung.

Es ist im ersten Moment meist das Anekdotische oder Erzählerische an einem gefundenen Objekt, was der Auslöser für Verena Waldmüllers Aufmerksamkeit ist. Sammler/ innen oder Aufsammler/innen brauchen immer ein »Punktum «, wie Roland Barthes das in »Die helle Kammer « nennt, ein bestechendes, unerklärliches Angesprochen-Sein. Interessanterweise ist das kein Detail, das in die jeweiligen Zusammenhänge passt, sondern eher eines, das stört. Aber das gerade ist der Motor, ein produktives Netz an Wahrnehmung, Denken und Initiative anzustoßen und auszubilden. So ziehen ihre »Ausgangsobjekte « andere an, finden Ergänzungen und weitere Irritationen, bis sich ein plausibles Gebilde gebildet hat.

Verena Waldmüller versteht sich in erster Linie als Bildhauerin. Sie hat mit einer klassischen Holzbildhauerausbildung begonnen, gelernt also, wie man aus einem Stück Holz eine Figur herausschneidet. Das dann folgende Kunststudium hat sie verändert, sie arbeitet jetzt mit vorgefundenem Material und dementsprechend mit anderem Handwerkszeug. Aber das ist nicht nur eine andere Technik, die wieder zu einer [nur anders aussehenden] »Figur « führt. Die Collage/ Montage ist auch eine andere Denk- und Handlungsform, weil sie in ihrer Bildsprache nicht zu einer Einheit in Form und Bedeutung führt, sondern das Anderssein und die Herkunft der Einzelteile in ihrer Andersartigkeit und Widersprüchlichkeit erhält.

YOLO. "you only live once"   es ist das Jugendwort der so genannten Generation Y und Nadine Wölk selbst zu dieser Generation gehörend ist deren Chronistin. Sie malt immer wieder Gleichgesinnte. Keiner ihrer Freunde ist vor ihr sicher, egal, ob er Kette raucht, besoffen lallt, hysterisch kichert oder hilflos durch die Gegend zieht. Ob die Porträtierten sich immer in den Bildern und Zeichnungen von Nadine Wölk wieder finden? Will man sich wirklich so sehen, mit schiefem Blick, mit grölendem Mund, mit fahrigen Händen? Unbedingt! Ihre Porträts machen glauben, als wäre, was erzählt wird, längst Gegenwart und somit vergangen. Was fast wie eine Hoffnung wirkte, wenn das nicht die Zeit wäre, die aus den Fugen gerät. Vielleicht kann man auch mit Schnappschüssen die Zeit nicht festhalten. Vielleicht zählt nur die Idee, nicht das wirkliche Leben.

Atmosphäre und Stimmung entstehen in den Gemälden von Anna Fiegen durch malerische und zugleich mimetische Reduktion. Im Grenzbereich von Stadt- und Naturlandschaft changieren ihre Bilder zwischen Klarheit und Unbestimmtheit. Die Reduktion des Motivischen bewirkt eine Steigerung des Atmosphärischen und Geheimnisvollen. Dies ist die Konsequenz des malerischen Zugriffs auf das Motiv, das nicht in seiner Detailgenauigkeit von Interesse ist, sondern als unverzichtbares Versatzstück einer ganzheitlichen Stimmung.

Von Bedeutung ist das Licht, der Übergang von Hell und Dunkel, von Tag und Nacht. Für das Gemälde wird die Szene von allen nebensächlichen Details bereinigt. Der illusionistische Landschaftsraum wird zugleich zu einem bloß abstrakten Bildfeld mit einfacher Flächenproportion.

Die konsequente Abwesenheit des Menschen in einer zivilisatorisch geprägten Landschaft schafft jene Stimmung von Einsamkeit und romantischer Weltverlorenheit. So wirkt das überstrahlende Gegenlicht nicht zuletzt auch im Betrachter selbst. Er fügt sich ein in ein Ganzheitsgefühl, das seine illusionistische Wirkung ganz den Möglichkeiten der Malerei verdankt changierend zwischen Fläche und Raum, Farbe und Licht.

Text: Prof. Dr. Ferdinand Ullrich

Schrift, Text, Wörter, Buchstaben sind in der Kunst der Malerei keine Unbekannten. Von den Schriftbändern auf mittelalterlichen Altartafeln bis zu den Wortfragmenten in kubistischen Bildkompositionen, von den Schmuckinitialen romanischer Buchmalerei bis zur Collagenkunst Kurt Schwitters’, um nur einige wenige Fundstellen in der Geschichte der Kunst zu nennen, reicht die Spannweite, in der sich die Künstler mit den Materialien der Schrift und der Typographie auseinandersetzten. Moderne Klassiker wie Jasper Johns oder Cy Twombly führen bis in unsere Tage diese Linie fort.

Grund genug für die Maler und Kuratoren dieser Ausstellung, Michel Carmantrand und Wolfgang Schröder, ihre Kolleginnen und Kollegen um Auskunft zu bitten, wie sie es mit diesem sperrigen Material in ihrer eigenen Kunst halten. Und, zugespitzt auf das kleinste Element, die Letter, die Frage zu stellen: Wie malt man, wie malt Ihr einen Buchstaben? Kann denn überhaupt bei all den Zwängen und Einschränkungen durch die Vorgaben der Form die freie künstlerische Auseinandersetzung mit dem einzelnen Buchstaben dennoch eine lohnende Herausforderung sein?

Eingeladen wurden, der Anzahl der Buchstaben unseres Alphabets entsprechend, 26 Künstlerinnen und Künstler aus München, Köln, Berlin und Hamburg. Nach der ersten Station in Berlin zeigt nun die Hamburger Galerie Evelyn Drewes die Ergebnisse: Das Alphabet, gesehen durch sechsundzwanzig unterschiedlichste künstlerische Temperamente, ein veritables ABC der Malerei.

Teilnehmende Künstler:

Michael BAUCH:A - Heiner BINDING:B - Michel CARMANTRAND:C -Mateo COHEN:D- Gregor CÜRTEN:E- Ruprecht DREHER:F- Isabelle DYCKERHOFF:G-Ingrid FLOSS:H - Laurence GRAVE:I- Manfred HOLTFRERICH:J - Susanne JUNG:K -Dittmar KRÜGER:L - Javis LAUVA:M - Bärbel MESSMANN:N - Paola A. NEUMANN:O- Jürgen PAAS:P - Wolfgang SCHRÖDER:Q-Rolf ROSE:R - Stefan SCHRÖTER:S -Elisabeth SONNECK:T- Regine SPANGENTHAL:U- Rainer SPLITT:V-Angela STAUBER:W Michael BAUSE:X - James GECCELLI:Y - Uli ZWERENZ:Z

Scheinbar ungesteuert prallen hier Bilder in einer unüberschaubaren Vielfalt in expressiver Farbgebung, künstlicher Perfektion und reicher Themenauswahl aufeinander. Die wie Puzzleteile zusammengesetzten Motive spielen mit inhaltlichen Kontrasten von Fiktion und Wirklichkeit, Ekel und Anmut, Unschuld und Verbrechen, Hass und Liebe. Sie kommen aus den Bereichen der Politik und Natur, des Kinos, der Technik und Alltagskultur.

Büsen hat an der Hochschule für Künste in Bremen bei dem Fotografen Peter Bialobrzeski studiert. Seine Arbeiten erscheinen hingegen eher wie Malerei und hin und wieder findet sich in ihnen tatsächlich auch ein Pinselstrich. Sie entstehen aber ganz überwiegend am Computer und werden per Digitaldruck auf die Leinwand gebannt.

Der Computer dient Johann Büsen auch als Archiv, als Reservoir für seine Kunst. Unzählige Vorlagen sind in den Ordnern gespeichert. In der digitalen Bearbeitung werden die ursprünglichen Motive und ihre damit verbundene Identität dann auseinander genommen, verdreht,   überlagert und collagiert. Standpunkte werden aufgegeben und neu verknüpft, der Betrachter wird im Sog der Elemente in das Bildgeschehen verwickelt.

Ihren Ursprung haben die Arbeiten in der Street-Art. Büsen war Sprayer und fertigte Schablonen am Computer. Aus den Vorlagen entstanden dann immer komplexere Bilder, die sich schließlich für die Street-Art nicht mehr eigneten, für den Künstler Büsen aber in den Vordergrund seines Schaffens rückten.

Khesins geheimnisvolle Bilder aus eingefärbtem Silikon oszillieren kühn und selbstbewusst zwischen den Impressionisten, den amerikanischen Farbfeldmalern und Lichtkünstlern der Nachkriegsmoderne. Er changiert zwischen Monet und Rothko, als gelte es, diese Hohepriester des Lichtspiels und der Farbfeldmalerei zu ehren und zugleich herauszufordern.

Der junge Künstler malt nicht im traditionellen Sinne. "Mein Ziel ist es, Sichtbares zu schaffen, dass sich nicht mit den Begriffen und Bezeichnungen von Gegenständen und Phänomenen kategorisieren lässt", erklärt er. "Eindeutigkeit soll vermieden werden zugunsten haptischer und farblicher Qualitäten."

Bei Khesin "wachsen" die Bilder durch das sukzessive Aufschichten von Material.   Es ist, also wolle er auf die Weise, mit diesen mystischen pulvrigen leuchtenden, vibrierenden Oberflächen nach den letzten Dingen der Existenz fragen. Und als wolle er auch mit der Alchemie aus Farbe, Licht und ungewöhnlichem Material von Lebensgier und Todesahnungen erzählen, ohne dass auch nur ein einziger Gegenstand oder Körper real zu sehen wäre. Schicht für Schicht, den farbigen irritierenden Schlieren folgend, steigt der Betrachter herab, um dann rücksichtslos wieder zur Oberfläche hinaus gestoßen zu werden.

Khesin (32) studierte in Pensa/Russland, in den USA und an der Universität der Künste in Berlin bei Prof. Frank Badur. Er malt nicht im eigentlichen Sinne, sondern baut Schicht für Schicht eingefärbtes Silikon aufeinander, so dass sich auf der Oberfläche ein vibrierend dichtes Farbspektrum ergibt Objekte aus Material und Farbe, oszillierend, reflektierend, wie ein Blick ins tiefe Wasser!

Die Künstlerin erhielt gerade im Februar den mit 7.000 EUR dotierten Kunstpreis der Stadt Hamm. Die Jury begründete dies wie folgt: "Die Künstlerin schafft den Spagat, eine Ikone der Kunstgeschichte in unsere Zeit zu adaptieren. Sie beleuchtet den historisch politischen Moment und reflektiert ihn durch sensible Veränderung für die heutige Zeit. Die Arbeit zeugt, neben großem handwerklichem Können, von überlegter technischer Umsetzung und künstlerisch freiem Geist. Sie ist ein Stück Kunst oder Kunst-Stück, das nicht nur sich selbst genügt. Das Bild als Neuzugang für die Sammlung hat die Kraft, auf Dauer den Betrachter einzufangen und anzuregen, über Geschichte, Kunstgeschichte und Gegenwart und über deren Zusammenhänge zu reflektieren."